„The Jazz Age” ne aduce în minte flappers, Gatsby, petreceri epice și, desigur, jazz. Dar, dacă energia ridicată a definit epoca, la fel și tensiunea sa - scena sălbatică a vieții de noapte s-a întâlnit cu interdicția; o creștere rapidă a inovației americane intra în conflict cu dorința tradiției europene; o mare prosperitate a dat loc Marii Depresiuni. Fricțiunea tuturor acestor contradicții a modelat secolul care a urmat - în designul popular poate mai mult decât în orice alt domeniu al vieții americane.
Continut Asemanator
- Ascultați această primă înregistrare a anilor 1920 de către unul dintre regii jazzului
- Romanța și promisiunea radioului din secolul XX este surprinsă în acest mural
Aceste influențe contrastante și rolul important pe care l-au jucat în anii 1920 sunt subiectul unui nou spectacol expansiv, „The Jazz Age: American Style in the 1920s”, prima expoziție importantă a muzeului care a analizat cu stăpânire stilul american în această eră creativă.
Spectacolul, care se desfășoară pe 20 august la Cooper Hewitt, Smithsonian Design Museum din New York City și este co-organizat cu Cleveland Museum of Art, pune în lumină această epocă semnificativă în care gustul și stilul de viață american au suferit o transformare. Respectată în ceea ce privește mobilierul, bijuteriile și designul perioadei, aceasta a fost o epocă în care au fost testate limitele și, în unele cazuri, încălcate.
„Este sursa a ceea ce se întâmplă în anii 30 și nu numai”, spune Sarah Coffin, un curator Cooper Hewitt și șeful proiectării produselor și artelor decorative.
Cele mai mult de 400 de lucrări de bijuterii, modă, arhitectură, mobilier, materiale textile și mai mult pictează o imagine a unei ere sălbatice energice a designului, înrădăcinată de culori vii și inovație. Pentru a naviga într-un subiect atât de mare, spectacolul este organizat pe două etaje în teme ample care ajută la ilustrarea tendințelor majore de design și a tensiunilor care conturează epoca.
„Adunați mai întâi universul obiectelor, care este mult mai mult decât puteți arăta”, spune Stephen Harrison, curator de artă decorativă și design al Muzeului de Artă din Cleveland, care descrie procesul de înfățișare cu care s-au confruntat mai întâi organizatorii spectacolului. „Atunci începi să te întrebi: ce întrebări pun? Ce adiacente? Ce relații se dezvoltă? Și pe măsură ce am început să ne perfecționăm ideile, am rafinat obiectele noastre. ”
Prima temă pe care o întâlnesc vizitatorii este poate cea pe care s-ar putea să o aștepte cel mai puțin: „Persistența gustului tradițional bun”.
Epoca jazz-ului nu era vorba despre nou și altceva: aceasta a fost o perioadă în care americanii au îmbrăcat design-uri franceze și engleze din secolele XVII și XVIII, căutând antichități artizanale pentru a-și ridica statutul social.
„În această țară au fost o mulțime de oameni care au continuat să strângă antichități, să cumpere reproduceri și să facă lucruri după gust tradițional, de-a lungul deceniului”, spune Coffin.
Chiar în timp ce lumea se schimbă rapid, lucrările originale din designurile coloniale americane, precum și cele din Franța și Anglia din secolele 17 și 18 din Anglia transmiteau încă statut social. Măiestria tradițională fierăria a unui ecran de foc Samuel Yellin, un cufăr cu pături cu elemente din manuscris persan pictat de Max Kuehne și un secretar realizat pentru o reproducere a casei lui John Hancock bazată pe un model din Muzeul Metropolitan de Artă sunt exemple de lucrări din perioada că muzeele, colecționarii și gospodăriile înstărite au strâns.
Însă stilurile europene noi au avut un impact asupra stilurilor americane. Evenimente precum expoziția internațională de artă decorativă și industrială modernă din 1925, organizată la Paris, au ajutat la expunerea și educarea americanilor despre noile modele care debutează în Atlantic. Muzeele din întreaga SUA (Cooper Hewitt și Muzeul Cleveland, precum și Chicago Art Institute , Newark Museum, Metropolitan Museum of Art, Brooklyn Museum) au afișat lucrările, achiziționând multe dintre piese și punând la dispoziție unele pentru cumpărare la fântână. toc înalt.
The Jazz Age: American style in the 1920’s
Captând pulsul dinamic al muzicii de jazz a epocii, această publicație fastuos ilustrată explorează gustul și stilul american în epoca de aur a anilor 1920. În urma anilor distructivi ai Primului Război Mondial, acest deceniu înfloritor a marcat o renaștere a inovației estetice care a fost cultivată în mare măsură de talentul și patronatul american.
A cumpara„Aceste muzee constituiau fie fonduri pentru achiziția artelor decorative moderne europene în această perioadă, fie găzduiau spectacole de design modern european care ar putea fi apoi comercializate”, spune Emily Orr, asistentul curator al Cooper Hewitt al designului modern și contemporan american.
Pentru cei cu venituri mai puțin disponibile, replicile au devenit curând răspândite și ușor achiziționate - un subiect abordat în secțiunea expoziției „O lume mai mică”. Unul dintre marile vehicule pentru această amestecare de influențe a fost magazinul. Locuri precum Lord & Taylor și Macy au început propriile lor ateliere în care meșterii au creat piese în stil european și le-au făcut accesibile consumatorului mediu.
„Este foarte greu pentru oameni să se gândească astăzi, dar președintele Muzeului Metropolitan a scris introducerea într-un catalog al unei expoziții care a avut loc la Macy's”, spune Coffin. „Muzeul a perceput că misiunea lui era să obțină valorile unui design bun și așa mai departe publicului american și să-l conștientizeze pe consumatorul american că îl vor susține - nu poate fi doar într-un muzeu.”
Acest lucru a creat o interacțiune particulară între exclusiv și mainstream, precum și privat și public. Coffinul indică o uimitoare pereche de uși duble de sculptorul Séraphin Soundbinine și designerul Jean Dunand care ancorează expoziția.
Solomon Guggenheim a comandat ușile - fiecare având un înger în vârful unui zgârie-nori care sufla un corn. După ce a vizitat Târgul de la Paris din 1925 și a văzut cum lucrează lacul lui Dunand, Guggenheim a devenit convins că sala de muzică din casa sa din Port Washington avea nevoie de o astfel de piesă.
„Nu vă puteți imagina în niciun caz că oamenii care aveau acest tip de mobilier în stil baron în această casă ar putea avea gustul să facă asta”, spune Coffin. „Dar se pare că au decis că vor să facă asta”.
După ce ușile au fost finalizate, Guggenheim a pus-o la vedere publică la o galerie înainte de a le aduce chiar acasă. A fost o incursiune timpurie în achiziționarea și curatarea de artă care avea să crească în curând (prima lor achiziție de artă modernă s-ar întâmpla un an mai târziu).
Desigur, nu ne putem gândi la anii 1920 fără să luăm în considerare cultura răutăcioasă și care împinge limitele. Secțiunea „Îndepărtarea regulilor - Renunțarea”, transmite acel sentiment al posibilității și schimbarea normelor și prezintă modul în care designul muzicii de jazz și lumea socială din jurul acesteia. Vaze cu dansatori de jazz și un material textil numit Rhapsody, precum și clipuri de film ale lui Duke Ellington și alți interpreți de la Cotton Club reverberesc cu energia epocii. Bijuterii care completează noile moduri - coliere lungi pe care le-ar purta flappers, un colier din rubin sculptat de Van Cleef & Arpels, o cataramă din 1926 cu un model de scarabeu (mormântul regelui Tut a fost săpat în 1922, așa că un aspect egiptean a prins moda bijuteriilor ) și o pereche de piese Cartier deținute de Linda Porter, soția compozitorului Cole, precum și alte accesorii pentru machiajul și fumatul de țigări, toate reflectă eliberarea liberă și schimbarea socială a erei.
Acest stil de viață lipsit de griji a fost, de asemenea, ceva de import european. Un tablou al artistului din New Orleans, Archibald Motley, „îl rezumă” în timp ce Coffin îl spune - artistul a petrecut un an la Paris la o bursă Guggenheim, iar scena surprinde energia epocii - un club de cursă mixtă, oameni care dansează, muzică jucându-se, o femeie fumând o țigară și vinul care curge liber.
Influența europeană a venit nu numai dintr-o mai mare ușurință și interes pentru călătorii, deoarece mai mulți americani vizitau și studiau în străinătate, ci și din efectele în cascadă ale Primului Război Mondial. Mulți designeri fugiseră în SUA înainte și în timpul războiului, aducându-și propriile influențe și interese - emigranți precum Paul T. Frankl, Joseph Urban, Walter von Nessen și Richard Neutra au adus cu ei experiență în abstractizarea europeană, precum și o admirație pentru Zgârie-nori americani și energie cosmopolită. Acest lucru este probabil cel mai bine ilustrat în emisiunea de la Frankl's Skyscraper Bookcase Desk . Influența s-a extins și la materialele pe care le foloseau acești europeni.
„Europenii au fost primii care au îndoit cromul pentru mobilierul lor și a fost acest semn imediat al noului, dar are, de asemenea, legătură cu accesibilitatea și cu dorința de curățenie în comparație cu formele victoriene puternic detaliate, ornamentate”, spune Orr. „A fost folosit și în mașini și radiouri și a simbolizat viitorul.”
Scaunul rabatabil este o icoană majoră a acestei epoci. Adaptarea formei într-o varietate de materiale arată modul în care industrializarea a modelat epoca. Acesta a fost inițial proiectat pentru a fi ambalat plat și produs în masă, dar a fost refăcut în lemn și piele și a fost adoptat de studiourile Walt Disney pentru sălile sale de ecranizare.
„Proiectantul industrial este o figură în această perioadă adusă de atât de mulți producători din mass-media care doresc să își actualizeze liniile tradiționale pentru consumatorul modern”, spune Orr.
Așa cum spune Harrison, „Am vrut să definim gustul analizând acele lucruri cu aspect modern versus acele lucruri care au fost moderne în formă și inovație și tehnologie.”
„The Jazz Age: American Style in the 1920s”, este vizualizat până pe 20 august la Cooper Hewitt, Smithsonian Design Museum din New York.
