Paul Gauguin nu a lipsit pentru încredere. „Sunt un mare artist și o știu”, se lăuda cu o scrisoare din 1892 către soția sa. El a spus la fel și prietenilor, dealerilor și publicului, descriind de multe ori munca sa chiar mai bună decât ceea ce venise înainte. În lumina istoriei artei moderne, încrederea lui era justificată.
Continut Asemanator
- Jan Lievens: din umbra lui Rembrandt
- Van Gogh în Auvers
- Edvard Munch: Beyond The Scream
Pictor, sculptor, tipograf, ceramist și scriitor, Gauguin este astăzi unul dintre uriașii postimpresionismului și un pionier al modernismului. El a fost, de asemenea, un mare povestitor, creând narațiuni în fiecare mediu pe care l-a atins. Unele dintre poveștile sale erau adevărate, altele aproape de fabricații. Chiar și capodoperele tahitiene luxuriante pentru care este cel mai cunoscut reflectă un paradis exotic mai imaginar decât real. Fagulele pe care Gauguin s-a rotit erau menite să se promoveze pe el însuși și arta sa, o intenție care a avut mai mult succes cu omul decât munca sa; a fost bine cunoscut în timpul vieții sale, dar tablourile sale s-au vândut prost.
„Gauguin și-a creat propria persoană și și-a stabilit propriul mit despre ce fel de bărbat a fost”, spune Nicholas Serota, directorul Tate din Londra, a cărui expoziție, „Gauguin: Maker of Myth”, a călătorit luna trecută la Galeria Națională din Washington. de artă (până pe 5 iunie). „Gauguin a avut adevăratul sens că are măreție artistică”, spune Belinda Thomson, curatorul expoziției Tate Modern. „Dar joacă și jocuri, așa că nu sunteți sigur dacă îl puteți lua literalmente.”
Dintre cele aproape 120 de lucrări expuse la Washington, mai multe autoportrete înțelegătoare îl înfățișează pe Gauguin în diferite aspecte: pictorul în luptă într-un studio de gară; victimă persecutată; chiar ca Hristos în Grădina Măslinilor. Un autoportret din 1889 îl arată cu un halo sfânt și un șarpe diavolist (cu mere din Garden of Eden pentru o măsură bună), sugerând cât de contradictoriu ar putea fi.
Cu siguranță artistul ar fi fost mulțumit de atenția reînnoită; țelul său, până la urmă, era să fie celebru. S-a îmbrăcat bizar, a scris critici autoservitoare ale operei sale, a curtat presa și chiar a înmânat fotografii cu el însuși fanilor săi. Era deseori beat, beligerant și promiscu - și, poate, suicid. S-a îndepărtat de societatea din Paris în locuri din ce în ce mai exotice - Bretania, Martinica, Tahiti și, în sfârșit, în Insulele Marquesas din Polinezia Franceză - pentru a scăpa de o lume pe care a simțit că se modernizează prea repede.
Culorile sale vii, aplatizarea perspectivei, formele simplificate și descoperirea așa-numitei arte primitive i-au determinat pe savanți să-l crediteze influențând Fauvismul, cubismul și suprarealismul. Puternica sa personalitate a ajutat, de asemenea, la stabilirea convenției artistului ca iconoclast (credeți Andy Warhol sau Julian Schnabel). „S-a extras din simbolismul și poezia franceză, din filozofia engleză, din Biblie și din legendele Mării de Sud”, spune Mary G. Morton, curatorul picturilor franceze la Galeria Națională. „A adoptat o abordare multiculturală a activității sale.”
Soyez mystérieuses (Fii misterios) este titlul pe care Gauguin i-a dat-o într-o sculptură în basoreliefuri a unei femei de baiete. Era un precept prin care trăia. Ca și cum picturile sale nu ar fi suficient de pline de ambiguitate, le-a dat titluri în mod deliberat confuz. Unele au fost sub formă de întrebări, cum ar fi de unde venim? Ce suntem noi? Unde mergem?, o scenă tropicală la fel de nedumeritoare ca și titlul său. Altele au fost scrise în tahitian, o limbă pe care unii cumpărători potențiali au găsit-o de vânzare. Chiar și în primele imagini, Gauguin avea să insereze un obiect ciudat: un tanard de dimensiuni mari, de exemplu, în portretul altfel fermecător al fiului său cel mic, Clovis. În „Pierderea Fecioarei”, elementul ciudat este o vulpe, a cărei laba se sprijină întâmplător pe pieptul unei femei goale, situată într-un peisaj britanic. (Modelul, o croitoreasă din Paris, va purta în curând copilul lui Gauguin, o fiică pe nume Germaine.)
Artistul însuși a fost probabil vulpea din imagine, un animal pe care l-a susținut că este „simbolul indian al perversității”. Peruvianul de la o optime, acest fiu al parizienilor burghezi s-a referit adesea ca sălbatic. Primul său dealer, Theo van Gogh (fratele lui Vincent), a sugerat că munca lui Gauguin a fost greu de vândut pentru că era „jumătate inca, jumătate europeană, superstițioasă ca cea dintâi și avansată în idei precum anumite din urmă”.
Mările de Sud le-a oferit lui Gauguin unele dintre cele mai bune oportunități de a face legende. Dezamăgit de faptul că multe ritualuri tradiționale și zei au dispărut deja din cultura tahitiană, el și-a reconstruit pur și simplu. Înapoi la Paris, el a creat una dintre cele mai enigmatice sculpturi ale sale: un nud feminin grotesc, cu ochii bombate, călcând în picioare un lup sângeros la picioarele ei, în timp ce apuca o creatură mai mică cu mâinile ei. Gauguin a considerat-o capodopera sa ceramică și a dorit să fie așezată pe mormântul său. Titlul său: Oviri, tahitian pentru „sălbatic”.
Viața lui Gauguin a fost destul de interesantă, fără a fi mitologizant. S-a născut Eugenie Henri Paul Gauguin la 7 iunie 1848, la Paris, la un jurnalist politic, Clovis Gauguin, și soția sa, Aline Marie Chazal, fiica unui feminist de seamă. Cu revoluții care măturau Europa când Paul abia avea un an, familia a căutat siguranța relativă a Peruului, unde Clovis intenționa să înceapă un ziar. Dar a murit pe drum, lăsând-o pe Aline, Paul și sora lui Paul, Marie, să continue la Lima, unde au rămas cu unchiul lui Aline.
Cinci ani mai târziu s-au întors în Franța; Gauguin a fost din nou în marea liberă la vârsta de 17 ani, mai întâi în marina comerciantă, apoi în marina franceză. „După cum vedeți, viața mea a fost întotdeauna foarte neliniștită și inegală”, a scris el în Avant și Après (Înainte și după), muzicale autobiografice care au fost publicate după moartea sa. „În mine, multe amestecuri.”
Când mama lui Gauguin a murit, în 1867, prietenul ei apropiat Gustave Arosa, finanțator și colecționar de artă, a devenit gardianul său. Arosa și-a prezentat secția la pictorii din Paris, l-a ajutat să-și facă o slujbă ca agent de bursă și a aranjat ca el să o întâlnească pe Mette Gad, femeia daneză cu care se va căsători în 1873.
La vremea respectivă, Gauguin era înconjurat de oameni care doreau să fie artiști, inclusiv colegul de bursier Émile Schuffenecker, care va rămâne prieten chiar și după alții obosiți de antichitățile lui Gauguin. Au participat la spectacole de artă, au cumpărat imagini franceze și imprimeuri japoneze și s-au umplut de uleiuri. Deși era doar un pictor duminical, Gauguin avea un peisaj acceptat la importantul Salon de la Paris din 1876. Și șase ani mai târziu, când și-a pierdut locul de muncă în prăbușirea bursei din 1882, Gauguin a început să picteze cu normă întreagă, deși avea o soție și patru copii pentru a sprijini. „Nimeni nu i-a dat ideea să picteze”, a spus Mette unul dintre biografii soțului ei mult mai târziu. „A pictat pentru că nu putea face altfel.”
Pentru a economisi bani, familia, care ar include în final cinci copii, s-a mutat la casa familiei Mette din Copenhaga. Gauguin s-a descris ca fiind „mai mult decât niciodată chinuit de arta sa” și a durat doar o jumătate de an cu socrii săi, revenind cu fiul Clovis la Paris în iunie 1885. Clovis a fost pus în grija lui Marie; Gauguin nu a mai trăit niciodată cu familia sa.
O căutare de locuințe din ce în ce mai ieftine l-a dus în 1886 în Bretania, unde artistul i-a scris curând soției sale, cu bravado caracteristic, că este „respectat ca cel mai bun pictor” din Pont-Aven, „deși asta nu mai pune bani. în buzunarul meu. ”Artiștii au fost atrași în satul de pe vârful vestic al Franței pentru rigiditatea peisajului său, locuitorii costumiți care erau dispuși să pozeze și superstițiile celtice suprapuse ritualurilor catolice care au perceput viața de zi cu zi. „Îmi place Bretania”, a scris Gauguin. „Găsesc aici sălbaticul și primitivul. Când înfundările mele răsună pe acest pământ de granit, aud zgomotul înăbușit și puternic pe care îl caut în pictură. "
Deși un admirator al lui Claude Monet, un colecționar al lui Paul Cézanne, un student al lui Camille Pissarro și un prieten al lui Edgar Degas, Gauguin a căutat mult timp să depășească impresionismul. El dorea ca arta sa să fie mai intelectuală, mai spirituală și mai puțin bazată pe impresiile rapide ale lumii fizice.
În Pont-Aven, munca sa a luat o direcție radical nouă. Viziunea sa de predică a fost primul tablou în care a folosit culori vibrante și forme simple în contururi negre, negre, într-un stil numit Cloisonnism, care amintește de vitralii. Efectul a îndepărtat pictura de realitatea naturală într-un spațiu mai strălucitor. În Predică, un copac de pe un câmp de vermilion împarte poza în diagonală, în stil japonez. În prim plan, un grup de femei bretone, căpușele lor tradiționale arătând ca niște „căști monstruoase” (așa cum i-a scris Gauguin lui Vincent van Gogh), și-au închis ochii în reverie. În dreapta sus se află experiența lor religioasă colectivă: scena biblică a lui Iacob luptând cu un înger cu aripi de aur. Un răspuns al criticilor la imaginea evocatoare, halucinantă, a fost să-l ungă pe Gauguin maestrul simbolismului.
Încântat cu pânza mare, Gauguin a înrudit prietenii artiștilor să o ducă pentru prezentare la o biserică de piatră din apropiere. Însă preotul local a refuzat donația ca fiind „non-religioasă și neinteresantă”. Gauguin a preluat acest aspect ca o oportunitate de relații publice, scriind scrisori indignate și încurajând colaboratorii să răspândească cuvântul la Paris. După cum a menționat istoricul de artă Nancy Mowll Mathews, „ Viziunea predicii de la Gauguin a câștigat mai multă notorietate prin faptul că a fost respinsă decât ar fi trebuit să fie acceptat politicos de preot și la fel de politicos într-un dulap.”
În 1888, așa cum este acum legendar, Vincent van Gogh l-a invitat pe Gauguin, pe care îl cunoscuse la Paris, să se alăture lui la Arles pentru a crea „Studioul Sudului” al artiștilor. La început, Gauguin a decurs, argumentând că era bolnav, datorie. -credințat sau prea implicat într-o afacere de afaceri potențială. Dar Theo van Gogh i-a oferit bietului perpetuu Gauguin un motiv pentru a accepta invitația fratelui său - un stipendiu în schimbul unui tablou pe lună. Stăpânirea de două luni a lui Gauguin în Casa Galbenă a lui Arles s-a dovedit productivă - și plină. „Vincent și cu mine nu suntem de acord cu multe, și mai ales nu pe pictură”, a scris Gauguin la începutul lunii decembrie. Într-un argument beat, la scurt timp, van Gogh s-a apropiat de Gauguin cu un brici. Gauguin a fugit, iar Van Gogh a întors brici, tăindu-i o parte din ureche. Chiar și așa, cei doi au corespuns până când Van Gogh s-a omorât el, 18 luni mai târziu.
După ce Gauguin s-a întors la Paris de la Arles, el a creat una dintre cele mai bizare sculpturi ale sale, Autoportretul Vase, sub forma unui Cap Descoperit . Poate o aluzie la Ioan Botezătorul, acest cap de gresie picură cu o glazură roșie macabră. Imaginea cruntă a venit din experiența sângeroasă cu Van Gogh? Ghilotinarea unui criminal condamnat de Gauguin a fost martor recent? Sau a fost pur și simplu un nod la fascinația actuală pentru macabru?
Expoziția universală din 1889, pentru care a fost construit Turnul Eiffel, a marcat un moment definitoriu pentru Gauguin. A participat cu entuziasm la spectacolul Wild West din Buffalo Bill, a admirat rolele din ipsos ale Templului budist Borobudur și a văzut tablourile expuse. Artiștii care nu au fost incluși în aceste expoziții sponsorizate de stat au încercat să valorifice popularitatea târgului (28 de milioane de oameni s-au dovedit) prin organizarea propriilor spectacole în afara perimetrului. Dar Gauguin, neinvitat, susținut în mare parte de devotatul Schuffenecker, a montat cu audiență un spectacol de grup la Volpini’s Café pe terenul de târg.
Gauguin a fost luat în special cu afișajele etnografice ale Expoziției, cu nativi din coloniile Franței din Africa și Pacificul de Sud. El a pictat dansatori javanezi, a colectat fotografii din Cambodgia și, de altfel, și-a stricat dorința de un Elysium tropical. El a vrut, a scris el, să „scape de influența civilizației ... să mă cufund în natura virgină, să nu vadă pe nimeni decât sălbatici, să-și trăiască viața.” De asemenea, era conștient că „noutatea este esențială pentru a stimula prostul cumpărare publică.
Probabil că Expoziția l-a îndreptat către Tahiti. În timp ce se pregătea pentru călătoria din anul următor, el îi scria unui prieten că „sub un cer fără iarnă, pe un sol minunat fertil, tahitianul nu trebuie decât să-și ridice brațele pentru a-și aduna mâncarea.” Descrierea vine aproape cuvânt cu cuvânt din manualul oficial al Expoziției.
Ajuns în capitala Polinezia franceză, Papeete, în iunie 1891, Gauguin a găsit-o mult mai puțin exotică decât își imaginase - sau spera. „Pământul tahitian devine complet francez”, i-a scris Mette. „Misionarii noștri au introdus deja o mulțime de ipocrizie protestantă și au șters o parte din poezia” din insulă. Misionarii au transformat, de asemenea, moda femeilor, fără îndoială, spre disperarea lui Gauguin, de la tradiționalele sarong și pareu la rochii de bumbac cu gulere înalte și mâneci lungi. El s-a mutat în curând în satul Mataiea, unde localnicii, precum și peisajul tropical, erau mai mult pe placul lui, deoarece erau mai puțin occidentali.
Gauguin a recunoscut dispariția vechiului ordin tahitian în pictura sa neliniștitoare Arii Matamoe (The Royal End) . Piesa centrală este un cap decupat, pe care Gauguin l-a descris cu drag ca fiind „frumos aranjat pe o pernă albă într-un palat al invenției mele și păzit de femei, de asemenea, din invenția mea.” Inspirația picturii, dacă nu decapitarea, ar fi putut fi înmormântarea regelui Pomare al V-lea, la care Gauguin a fost martor la scurt timp după sosirea pe insulă; Pomare nu a fost decapitat.
Deși un anticleric vehement, artistul nu și-a putut zdruncina complet moștenirea catolică. Respectiva sa Cina cea de Apoi contrastează strălucirea haloului galben-crom al lui Hristos cu sculpturile tribale sobre. În Nașterea Domnului, o asistentă tahitiană îl ține pe pruncul Iisus, în timp ce un înger cu aripi verzi stă de pază și o Maria epuizată se odihnește.
În caiete, precum și imaginația sa, Gauguin a purtat lucrările care au însemnat cel mai mult pentru el. Printre ele: fotografii cu picturi de mormânt egiptene, capodopere renascentiste și un catalog de licitație din 1878 din colecția tutorelui său Arosa, cu lucrări ale lui Camille Corot, Gustave Courbet și Eugene Delacroix. Ca mulți artiști de azi - Jeff Koons, Richard Price și Cindy Sherman, printre ei - Gauguin s-a expropriat liber de toți. „Nu și-a deghizat împrumuturile, care erau largi”, spune curatorul Thomson. „Acesta este un alt mod în care este atât de modern.”
Pe peretele colibei sale de bambus din Mataeia, Gauguin atârna o copie a lui Olympia, tabloul revoluționar al lui Édouard Manet al unei prostituate nerușinat dezbrăcat, cu o floare în păr. Întotdeauna producătorul de răutăți, Gauguin l-a determinat pe tânăra sa amantă Tehamana să creadă că este un portret al soției sale. Tehamana a fost modelul pentru mai multe lucrări din expoziție, printre care Merahi Metua no Tehamana (Strămoșii din Tehamana), Te Nave Nave Fenua (Țara încântătoare) și Manao tupapau (The Spirit of the Dead Keeps Watch) .
Deși capodopera lui Manet, pe care Gauguin o copiase, tupapau Manao inspirată, fără îndoială, iubitul lui Gauguin nu se află pe spatele ei ca Olympia, ci pe stomac, cu ochii priviți peste umăr, în teroare, la tupapau, un spirit cu glugă neagră, lângă picior din pat.
„Așa cum este, studiul este puțin indecent”, a recunoscut Gauguin în Noa Noa, o relatare a călătoriilor sale tahitiene pe care le-a scris după ce s-a întors la Paris. „Și totuși, vreau să fac o imagine castă, una care să transmită mentalitatea autohtonă, caracterul său, tradiția sa.” Așadar, Gauguin a creat o poveste din spate pentru tablou, una care poate fi sau nu adevărată. El a susținut că atunci când s-a întors în colibă într-o seară târziu, lămpile se stinseseră. Aprinzând un chibrit, el l-a înspăimântat atât de mult pe Tehamana din somn, încât ea îl privea de parcă ar fi fost un străin. Gauguin a furnizat o cauză rezonabilă pentru frica ei - „nativii trăiesc în frică constantă de [tupapau]. În ciuda eforturilor sale de a controla și de a modera narațiunea, Academia Suedeză de Arte Plastice l-a găsit pe Manao tupapau în mod nesigur și l-a eliminat dintr-o expoziție Gauguin în 1898.
Deși cei doi ani de la Gauguin din Tahiti au fost productivi - a pictat aproximativ 80 de pânze și a produs numeroase desene și sculpturi din lemn - au adus bani puțini. Descurajat, a decis să se întoarcă în Franța, aterizând la Marsilia în august 1893 cu doar patru franci pe numele său. Însă, cu ajutorul prietenilor și cu o moștenire mică, el a putut în curând să monteze un spectacol de un singur om al operei sale tahitiene. Primirea critică a fost amestecată, dar criticul Octave Mirbeau s-a minunat de abilitatea unică a lui Gauguin de a surprinde „sufletul acestei rase curioase, trecutul său misterios și teribil și voluptatea ciudată a soarelui său.” Și Degas, apoi în culmea succesului său și influență, a cumpărat mai multe tablouri.
Și-a transformat studioul Montparnasse într-un salon eclectic pentru poeți și artiști. Jucând pentru recunoaștere, el s-a îmbrăcat într-un palton albastru cu un fez astrakhan, a purtat o trestie sculptată manual și și-a îmbunătățit imaginea izbitoare cu încă o tânără amantă, adolescenta Anna Javanese și maimuța ei pentru animale de companie. Ea a însoțit-o pe Gauguin până la Pont-Aven, unde Gauguin plănuia să-și petreacă vara anului 1894. Însă, în loc să se bucure de stimulul artistic al Bretonei, Gauguin s-a regăsit curând într-o încăierare cu marinarii bretoni, care au ales pe Anna și maimuța ei, care a plecat. el cu un picior rupt. În timp ce-și revenea, Anna s-a întors la Paris și și-a jefuit apartamentul, punând capăt emfatic relației lor de lună lună.
Feministele ar putea vedea acțiunea Anei drept o răsplată pentru abuzul îndelungat asupra femeilor de către Gauguin. La urma urmei, și-a abandonat soția și copiii, a căutat iubiți minori și a trăit o viață de hedonism care s-a încheiat cu insuficiență cardiacă exacerbată de sifilis. Totuși, de multe ori și-a exprimat tristețea pentru căsătoria sa eșuată și a ratat în special copiii săi. Și a creat mult mai multe imagini feminine decât bărbați, împărtășind cu contemporanii săi simboliști ideea Femininului etern, în care femeile erau fie femei seducătoare fatale, fie surse virtuoase de energie spirituală. Frumosele sale femei enigmatice tahitiene au devenit icoane ale artei moderne.
Apoi, există sculpturi elaborate pe ușă, care identifică reședința finală a lui Gauguin în îndepărtata Insulă Polinesia Franceză franceză, la aproximativ 850 de mile nord-est de Tahiti. El a mers acolo, la 53 de ani, în septembrie 1901, pentru a găsi, „mediul necivilizat și singurătatea totală”, care îmi va „reînnoi imaginația și va aduce talentul meu la concluzia ei”. Casa plăcerii) - eficient, un loc de reputație. Poate ca să-și târăască vecinul, episcopul catolic, portalul prezintă nuduri feminine în picioare și îndemnul la „Soyez amoureuses vous serez heureuses” - „Fii îndrăgostit și vei fi fericit”. Curatorul Christine Riding sugerează că lucrarea nu poate fi la fel de anti-feministă cum ar indica moravurile de astăzi. Gauguin ar putea oferi femeilor o idee eliberatoare: De ce nu ar trebui să le placă să facă dragoste la fel de mult ca bărbații?
Gauguin și-a petrecut ultimele zile luptând cu autoritățile coloniale pentru presupusa corupție, precum și prin ceea ce el a considerat reglementările nejustificate privind alcoolul și moralitatea copiilor. În rochie autohtonă și cu picioarele goale, el a susținut, de asemenea, în instanță - că nu ar trebui să plătească taxe. „Pentru mine, este adevărat: sunt un sălbatic”, i-a scris Charles Morice, colaboratorul din memoria sa Noa Noa . „Și oamenii civilizați bănuiesc acest lucru, căci în lucrările mele nu există nimic atât de surprinzător și de neplăcut ca acest aspect„ sălbatic în ciuda mea ”. De aceea, [munca mea] este inimitabilă. ”
Pe măsură ce sănătatea lui s-a deteriorat, Gauguin a luat în considerare întoarcerea în Europa. Prietenul său, Daniel de Monfreid, s-a certat împotriva acesteia, spunând că artistul nu este în măsură să facă călătoria și că o întoarcere la Paris îi va pune în pericol reputația crescândă. „Sunteți în acel moment acel artist extraordinar, legendar, care trimite din adâncurile Oceanului operele sale neconcertante, inimitabile, lucrările definitive ale unui om mare care a dispărut, așa cum a fost, de pe fața pământului.”
Bolnav și aproape nefericit, Gauguin a murit la 54 de ani la 8 mai 1903 și a fost înmormântat în Marquesas. O mică retrospectivă a avut loc la Paris în acel an. A urmat în 1906 o expoziție majoră de 227 de lucrări, care i-au influențat pe Pablo Picasso și Henri Matisse, printre altele. Gauguin a fost faimos în cele din urmă.
Ann Morrison este fostul editor al Asiaweek și co-redactor al ediției europene Time . Acum locuiește la Paris.
Paul Gauguin, într-un autoportret din 1889, a insistat că vrea „să scape de influența civilizației”. (Galeria Națională de Artă, Colecția Chester Dale) 
Amanta Tahitiana a lui Gauguin a modelat-o pentru multe dintre lucrările sale din Marea Mării, printre care luxuriantul Te Nave Nave Fenua (The Delightful Land), 1892, în care un Eve Tahitian ajunge pentru o floare. (Muzeul de artă Ohara) 
Arii Matamoe (The Royal End), 1892, se poate baza pe înmormântarea regelui tahitian Pomare V. (Muzeul J. Paul Getty, Los Angeles) 
Gauguin a numit cioplirea în basorelief a unei băile de sex feminin Be Mysterious, 1889, un precept prin care și-a trăit viața. (Musée D'Orsay / Reunion des Musées Nationaux / Art Resource, NY) 
Acest cap ceramic vitrat, 1889, este un autoportret al lui Gauguin. (Muzeul danez de artă și design, Copenhaga) 
„Vincent și cu mine nu suntem de acord cu mult”, a scris Gauguin, 1888, despre colegul de casă al lui Arles, van Gogh. (Bridgeman Art Library International) 
De ce Gauguin a inclus un tankard din lemn în portretul fiului său, Clovis Asleep, 1884? Răspunsul poate sta în nevoia artistului de a sfida convenția sau, mai probabil, i-a plăcut pur și simplu să o picteze: posesiunea prețioasă apare în mai multe dintre lucrările sale. (Colecție privată) 
Deși anticleric vehement, Gauguin a îmbrăcat simboluri ale educației sale catolice în multe dintre picturile sale. În Nașterea Națională, 1896, o bonă cu aspect tahitian îl ține pe pruncul Iisus, în timp ce un înger cu aripi verzi stă de pază; în fundal, Mary doarme. (Muzeul Hermitage de Stat, Sankt Petersburg) 
„Sunt un mare artist și o știu”, a scris Gauguin, într-un autoportret din 1903, în 1892. „Pentru că știu că am îndurat astfel de suferințe”. (Kunstmuseum / Erich Lessing / Art Resource) 
Gauguin a pictat Merahi Metua no Tehamana (Strămoșii lui Tehamana) în Tahiti în 1893. (Institutul de Artă din Chicago, Cadoul domnului și doamnei Charles Deering McCormick) 
Gauguin, Still Life with Fan, 1888. (Réunion des Musées Nationaux / Art Resource, NY) 
Gauguin, Te Rerioa (Visul), 1897. (The Samuel Courtauld Trust, Courtauld Gallery, London) 
Gauguin, Bonjour Monsieur Gauguin, 1889. (Muzeul Hammer, Los Angeles, Colecția Armand Hammer, Cadoul Fundației Armand Hammer) 
Gauguin, Hristos în grădina măslinilor, 1889. (Muzeul de artă Norton, West Palm Beach, cadou a lui Elizabeth C. Norton) 
Gauguin, Doi copii, c. 1889. (Ny Carlsberg Glyptotek, Copenhaga) 
Gauguin, No te aha oe ririr (De ce sunteți supărat?), 1896. (Institutul de Artă din Chicago, colecția d-lui și doamna Martin A. Ryerson) 
Gauguin, Te Faaturuma (The Brooding Woman), 1892. (Muzeul de artă Worcester) 
Gauguin, Portretul artistului cu idol, c. 1893. (Colecția Muzeului de Artă McNay, San Antonio, Moștenirea Marion Koogler McNay) 
Gauguin, The Yellow Christ, 1889. (© Galeria de artă Albright-Knox / Art Resource, NY)
