Fotograful de peisaj Frank Gohlke, ale cărui imagini au apărut în mai mult de zece cărți, are un nou spectacol, „Apropierea naturii”, la Muzeul American de Artă Smithsonian. A vorbit cu revista Anika Gupta.
Continut Asemanator
- Explosiuni în viață
- N. Scott Momaday și Buffalo Trust
- Blues Legend John Cephas pe muzica sa
Ai spus odată că încerci să creezi imagini care nu țin de natură. Nu este o declarație ciudată a unui fotograf de peisaj?
În anii '70, am dezvoltat această idee pentru a privi lumea în care ne-am făcut, mai degrabă decât lumea în care ne-am născut. În esență, peisajul este cel mai mare artefact pe care orice cultură îl creează.
Criticii de artă spun că fotografiile dvs. sunt menite să conteste naturalismul romantic al lui Ansel Adams.
Aceasta este o declarație destul de corectă. Când aveam vârsta de fotograf, Adams a fost marea figură în fotografia de peisaj. Am admirat munca lui, dar nu am simțit de parcă viziunea lui despre măreția naturii era ceva în care aș putea crede. Eram mai interesat să mă uit la urbanizare și la amestecul perfect dintre lumea umană și lumea naturală.
Ați fotografiat tornade, alunecări de teren și erupții vulcanice. De ce ești atras de dezastre naturale?
Încercăm mereu să găsim certitudine și securitate într-o lume care - chiar și în cea mai civilizată - nu este foarte sigură. Încercăm să ne protejăm împotriva vulcanilor și tornadelor, dar ei ne depășesc în ciuda celor mai bune precauții. Deci ce se întâmplă după ce se întâmplă cel mai rău? Asta sunt după aceea. Nu dezastrul natural, ci răspunsul uman.
Cum ar trebui să reacționeze oamenii la fotografiile tale?
Vreau ca oamenii să facă plăcere din aceste imagini și să vină cu un sentiment mai mare la ceea ce merită să fii atent. Vreau să transmit cât de bogată este lumea obișnuită.
Relația dintre om și natură s-a schimbat din anii ’70, când ai început să faci artă. Cum s-au schimbat fotografiile ca răspuns?
Ei bine, au fost câteva schimbări în peisaj. Când te plimbi în jurul Muntelui. Primul lucru pe care îl observați este stricarea erupției vulcanice. Apoi observați că s-a produs o cantitate imensă de schimbare din cauza industriei forestiere. Există resturi de pe site-urile de exploatare și petice de copaci cu o vârstă uniformă, care este rezultatul tăierii clare și a replantării. În multe feluri, exploatarea forestieră a fost mai distructivă pentru mediul înconjurător decât orice ar putea face vulcanul și încerc să remarc acest lucru în munca mea. Dar mai ales vreau să prezint imaginile și datele, astfel încât oamenii să poată trage propriile concluzii.
Unele dintre fotografiile dvs. au oameni în ele, altele nu. Încercați să vă păstrați oamenii dintr-un peisaj?
De obicei, nu includ oameni într-o imagine, deoarece, deși oamenii sunt subiectul meu, imaginile oamenilor nu sunt. Mă interesează mai mult efectul pe care oamenii îl au asupra pământului și modul în care pământul ne afectează simțul locului nostru în lume. Când includ oameni, sunt mici și sunt doar în imagine pentru că erau la locul potrivit la momentul potrivit.
Ați alternat între culoare și munca alb-negru. Ai vreo preferință?
Când am început fotografia în 1967, alb-negru erau culorile fotografiei serioase. Culoarea era un mediu comercial. Chiar și atunci când asta a început să se schimbe în anii șaptezeci, am continuat să fac alb și negru pentru că mi-a plăcut. Mi-a plăcut să mă uit la printuri alb-negru și să fac poze alb-negru. Tot ceea ce voiam să abordez în lucrarea mea părea mai direct și mai neclintit în alb și negru.
Apoi, după al patrulea an de fotografiere la Mt. Sf. Helens am simțit că aș fi împins alb-negru cât am putut. Am crezut că culoarea va fi o provocare interesantă. Așa că atunci am lucrat în culori exclusiv în următorii șapte sau opt ani. În zilele noastre lucrez în ambele. Am tendința să am un proiect de culori și un proiect alb-negru care să meargă simultan și îmi proiectez proiectele ținând cont de schema de culori.
