Uitați de culori spectaculoase de frunze și temperaturi mai reci: este începutul „Săptămânii modei” din septembrie care anunță sezonul toamnei. La fel ca noile sezoane în muzică, teatru, dans și artă, Fashion Week semnalează un nou început. Ce este nou și minunat? Cum să ne inventăm noi de data asta? Demurează și subestimă? Elegant, dar șic? Nehotărât?
Pe lângă faptul că este un sport preferat pentru hound-urile vestimentare, moda este un subiect fierbinte în lumea culturii în aceste zile. Project Runway are legiuni de fani. Cu toate acestea , moda apare, de asemenea, ca un subiect rezonant în lumea muzeelor. Expoziții de înaltă vizibilitate precum „Conștient: Art Fashion Identity” la Royal Academy of Arts din Londra în 2010 și spectacolul Costume Institute din 2010, „American Women: Fashioning a National Identity”, precum și în 2011, „Alexander McQueen: Savage Frumusețea ”a plasat centrul de modă în explorarea contemporană a identității.
Săptămâna modei a avut premiera pentru prima dată în 1943, creierul publicității Eleanor Lambert. Savertul mass-media Lambert, ai cărui clienți includ Jackson Pollock și Isamu Noguchi, au ajutat la întemeierea Muzeului de Artă Modernă. Dar cea mai mare pasiune a ei a fost moda. În 1940 a creat „Lista cu cele mai bune rochii internaționale” (pe care o va curata zeci de ani), iar în mijlocul celui de-al Doilea Război Mondial, a decis că este timpul să renunțe la Paris și să declare moda modei Americii prin lansarea Săptămânii modei. în New York.
Diana Vreeland de Richard Ely Creion, cerneală și guașă pe hârtie 1989 (National Portrait Gallery, Smithsonian Institution © Richard Ely) În același timp, Diana Vreeland a apărut ca o forță a naturii la Harper's Bazaar. Editorul Carmel Snow a angajat-o în 1936 și și-a făcut repede un nume pentru ea însăși cu coloana „De ce nu?” Aceste ieșiri au fost extrem de excentrice, Vreeland punând cu bucurie întrebări de genul: „De ce nu… clătiți-vă părul blond al copilului în șampanie moartă, așa cum se întâmplă în Franța ?. . (și) răsucește-i porumbeii în jurul urechilor, ca macaroons? "
În timpul războiului, Vreeland a devenit un mare promotor al designerilor americani. Scriind despre lansarea Săptămânii modei în 1943, ea a extras „integritatea și talentul designerilor americani”. În loc de costumele pariziene, ea a susținut că stilul dominant a devenit american, cu designeri noi excitați pentru „stil american și american mod de viață."
Ochiul neclintit al lui Vreeland a acordat atenție la tot ceea ce o înconjura - sărtorial, literar, artistic. Pentru ea, atitudinea și gestul erau cheie: „Trebuie să ai stil. . . .E un stil de viață. Fără asta, nu ești nimeni. ”Și-a pus ștampila în fiecare parte a revistei, alegând hainele, supraveghează fotografia și lucra cu modelele. "Știu ce vor purta înainte de a-l purta, ce vor mânca înainte să o mănânce, și (știu) unde merg înainte de a fi chiar acolo!"
Fotograful Richard Avedon, care a colaborat cu ea timp de aproape 40 de ani, a declarat că „Diana a trăit pentru imaginația condusă de disciplină și a creat o profesie cu totul nouă. A inventat editorul de modă. Înainte de ea, doamnele societății au pus pălării pe alte doamne ale societății. ”Cu Vreeland, accentul s-a mutat de la clasa socială la personalitate:„ personalități ravagioase ”, a entuziasmat, „ sunt cele mai năprasnice lucruri din lume - conversația, interesele oamenilor., atmosfera pe care o creează în jurul lor. "
În cei 26 de ani petrecuți la Harper's Bazaar (1936-62) și în aproape-zece ani la Vogue (1962-71), Vreeland și-a transmis sentimentul vizionar al stilului prin fotografii remarcabile. La Bazaar, a colaborat în special cu Louise Dahl-Wolfe la filmări istorice, precum povestea de modă din ianuarie 1942, filmată la casa de arhitect „Frank Rock” a arhitectului Frank Lloyd Wright, în care Vreeland însuși a apărut ca model - și coperta din martie 1943, care a prezentat o atunci necunoscută Lauren Bacall, care, în consecință, a fost șoptit la Hollywood pentru a co-star cu Humphrey Bogart în filmul „Have and and Not Not”.
Vreeland - care a vorbit mereu în superlative - a stabilit un aspect distinctiv care i-a îndemnat pe cititorii să fie îndrăzneți, curajoși și imaginați: „moda trebuie să fie cea mai înrăutățitoare eliberare de banalitatea lumii”, a declarat ea odată. „Dacă nu este la modă, fantasmați- o!”
Când a plecat din Vogue în 1971, a răspuns: „Aveam doar 70 de ani. Ce trebuia să fac, să mă retrag?” Directorul Muzeului de Artă Metropolitan, Tom Hoving, a invitat-o să devină consultant special la Institutul de Costume al Met, și ea s-a îmbarcat rapid. crearea unei lumi fantastice 3-D care nu s-a limitat la o răspândire a revistei. Luminile, recuzita, muzica și seturile de scenă au fost realizate pentru a crea expoziții care sărbătoreau subiecte, de la Ballets Russes la Balenciaga. Spectacolele ei au fost surse extrem de populare de inspirație pentru publicul contemporan și au revitalizat Costume Institute. Înainte de moartea ei în 1989, Vreeland a organizat 14 expoziții și a făcut campanie cu succes pentru acceptarea „modei ca artă înaltă” - ideea că veșmintele erau la fel de stăpâne ca operele de artă tradiționale precum pictura și sculptura.
În cartea ei Allure din 1980 , Vreeland a îndrăznit oamenii să trăiască cu pasiune și imaginație. Creativitatea unuia trebuia să fie într-o continuă mișcare, a argumentat ea, pentru că „Ochiul trebuie să călătorească.” L-am rugat pe Ricki Peltzman, proprietarul magazinului Washington's Upstairs la a 7-a boutique și un cunoscut curator de modă, să evalueze impactul durabil al Vreeland asupra modei. „Moda înseamnă stil. Este personal. În fiecare zi arătăm lumii cum ne simțim fără să mai spunem un cuvânt. Și nimeni nu a spus-o mai bine decât Diana Vreeland. ”
Istoricul cultural Amy Henderson de la National Portrait Gallery a scris recent despre Walter Cronkite și sportivii olimpici.
