Dintr-o descriere a tiparului acum, în 2017, sună perfect tradițional. O gravură alb-negru pe hârtie, o formă de artă care este de aproximativ 500 de ani. Un portret al unei femei. În fundal, probabil un fel de interior casnic. Un simplu titlu, American Girl .
În 1974, însă, când artista Emma Amos a făcut American Girl, acum în colecțiile Muzeului American de Artă Smithsonian, țara se plimbă cu mișcări de protest social - pentru eliberarea femeilor, pentru Puterea Neagră, pentru drepturile LGBT, pentru drepturile autohtone. Grupurile tăcute odată au cerut să fie văzute și ascultate. Artiștii au susținut aceste proteste nu doar prin marș și scris, ci și prin arte vizuale. Artiștii negri au discutat dacă anumite medii sau stiluri au avansat dreptatea rasială.
Romare Bearden, de exemplu, a lucrat ani de zile în colaj, parțial ca o modalitate de a da importanță imaginilor unor persoane negre reale. Dezbaterea a simțit dacă a fost acceptabil să fie un pictor abstract sau dacă lucrarea artiștilor negri „a trebuit să fie despre o experiență neagră într-un fel”, cel mai probabil înfățișând oamenii negri, spune Alex Mann, curatorul muzeului și desenelor din muzeu. . Unii artiști din acea vreme au căutat inspirație în Africa și au căutat să creeze artă pentru și despre oamenii africani din întreaga lume. Alții au făcut lucrări extrem de politice sau radicale, începând de la sculptură sub forma unui cocktail Molotov, vizând mătușa Jemima, până la imprimeuri și afișe care solicitău acțiune.
American Girl este o muncă mai liniștită și mai personală decât mulți din timpul ei. Cu toate acestea, există numeroase modalități prin care un artist poate face o declarație socială. Însuși Amos va continua să facă o activitate politică mai deschisă. Spune Mann, „Uneori vorbești în propoziții scurte, iar alteori folosești poezie.”
Amos a fost acordat atât mișcării pentru drepturile civile, cât și mișcării în plină expansiune a femeilor. Născută în 1938, a crescut în orașul natal Martin Luther King Jr., din Atlanta, unde „nu ar fi fost binevenită în muzeu”, spune Mary Ryan, coproprietară a Ryan Lee Gallery din New York, care reprezintă Amos astăzi. (Artista însăși nu mai este disponibilă pentru interviuri, dar unele dintre lucrările sale din anii 1980 până în 2010 sunt vizionate în galerie până la mijlocul lunii decembrie.) La scurt timp după ce Amos s-a mutat la New York, la începutul anilor '60, un grup de artiști negri proeminenți au format un colectiv numit Spiral, pentru a discuta despre cele mai bune modalități în care munca lor ar putea susține cauza dreptății rasiale. Ei l-au invitat pe Amos să li se alăture, ca cel mai tânăr membru al grupului și ca o singură femeie.
Istorica feministă de artă Linda Nochlin, care a murit luna trecută, a scris un articol novator în 1971, „De ce nu au existat mari artiste pentru femei?” Despre barierele societale pe care femeile le-au întâlnit în a deveni artiști. Fiind o femeie neagră, Amos s-a confruntat cu aceste obstacole și multe altele. A încercat să găsească locuri de muncă pentru a preda arta în New York, dar a fost respinsă în mod repetat, deoarece, spune Mann, era „tânără, femeie, neagră”. Ea era conștientă, spune el, „că artiștii albi și, în special, artiștii bărbați albi nu se confruntă cu aceleași provocări. Ea s-a străduit să-și facă vocea auzită, descoperind că galeriile rareori expuneau tablouri ale artiștilor negri. Fără un loc în care să-și arate munca, a fost tentată să renunțe la pictură cu totul, spunând unui intervievator: „Sunt încurcat de faptul că voi rămâne blocat cu mai multe tablouri. . . Le fac fără niciun motiv. Nimeni nu i-a văzut vreodată. ”
Până în 1974, când a făcut American Girl, Amos a început să se despartă de grupul Spiral, punând la întrebare „dacă artiștii negri mai în vârstă care au sprijinit-o o luau în serios și îi ofereau întreaga lor oportunitate”, spune Mann. Câțiva ani mai târziu, Amos s-a alăturat colectivului feminist de artă Heresies, iar ulterior a devenit una dintre activistele anonime ale lumii artei, Fetele Guerrilă.
American Girl face parte dintr-un portofoliu numit „Impressions: Our World, Vol. 1 ”, care face o declarație în sine. Alcătuit din imprimeuri de șapte artiști negri, atât bărbați, cât și femei, a fost produs la Atelierul de imprimare, condus de artistul afro-american Robert Robertburn. A fost semnificativ faptul că un grup de artiști negri au aranjat proiectul în sine. Mulți la acea vreme au protestat împotriva eșecurilor muzeelor de a include opera afro-americanilor, iar artiștii negri căutau „o voce în definirea contextului în care [lucrarea lor] a fost arătată”, spune Evelyn Hankins, curator principal la Smithsonian's Hirshhorn Garden și grădina de sculpturi. Toate imprimeurile din portofoliu sunt în alb și negru, aceeași schemă de culori pe care o alesese Spiral, din cauza conotației sale rasiale, pentru expoziția grupului din anii '60.
Așa cum spune Emma Amos (mai sus în 2011): „Pentru mine, o femeie neagră artistă, să intru în studio, este un act politic.” (Becket Logan) Alegerile lui Amos par de asemenea grăitoare. La acea vreme, portretizarea oricărei figuri negre, în special a unei femei negre - o figură aproape invizibilă în canonul istoric european-american - putea fi privită ca un comentariu social. Ca și cum ar face-o pe deplin vizibilă, Amos o înfățișează pe femeia aparent nudă; Ryan spune că Amos „a fost întotdeauna interesat de frumusețea corpului negru.” Bogăția diferită a cernelii negre din părul, corpul și fața femeii reflectă, de asemenea, opțiunile. „De fiecare dată când mă gândesc la culoare este o afirmație politică”, a spus Amos odată. În calitate de artiști, „vorbim întotdeauna despre culoare, dar culorile sunt și culori de piele, iar termenul„ colorat ”în sine - totul înseamnă pentru mine altceva. Trebuie să alegeți, ca artist negru, ce culoare să vă facă figurile. . . butterscotch, maro sau într-adevăr negru. Tonurile profunde accentuează ochii palizi, obosiți ai femeii și linia albă care o desparte de împrejurimile ei. Pentru Hankins, ea arată „despărțită sau izolată de lume, poate să pună la îndoială locul ei în lume”.
Subiectul operei lui Amos poate părea personal, chiar intim, dar în 1974 fraze de genul „Personalul este politic” și „Negrul este frumos” au fost strigătele de protest ale mișcărilor de protest. Ar fi fost greu să vezi o lucrare ca asta fără să citești în ea vreun mesaj. Kelli Morgan, coleg de curatorial la Academia de Arte Plastice din Pennsylvania, care a studiat lucrările ulterioare ale lui Amos, vede American Girl ca „o reprezentare a unei femei negre ca temelie a societății americane”. Ea adaugă: „Ca istoric, am citit Este ca o afirmație sociopolitică. ”După cum ar spune Amos însăși câțiva ani mai târziu, „ Pentru mine, o femeie neagră artistă, să intru în studio, este un act politic. ”
Și atunci există titlul operei, American Girl . Ce înseamnă să numești această femeie o fată? În 1974, eliberarea femeilor a fost în aer, iar feministele au susținut că cuvântul „fată” scade. În ceea ce privește „americanii”, artiștii negri își deconstruiseră sensul de ceva timp. Răspunzând la violența de la sfârșitul anilor '60, Faith Ringgold pictase un steag cu cuvintele „Die N *****” ascunse în stelele și dungile sale. În 1964, Lois Mailou Jones a abordat relațiile de rasă cu Challenge — America, un colaj care înfățișa eroii negri, președinții americani, clipuri de știri și cuvântul „America” răsfrânge prin ele ca un fir. În Fata americană a lui Amos, Morgan vede ecouri ale unui steag american în modelul de dungi verticale și floturi albe pe un pământ întunecat.
Atunci și acum, spune Hankins, lucrările ca acestea ridică „întrebarea despre ce înseamnă să fii american”.
Ea adaugă: „Este o întrebare cu care parcă ne luptăm cu multe.”
American Girl nu este momentan la vedere. Expoziția "Emma Amos: corpurile negre" a galeriei Ryan Lee este vizibilă până pe 16 decembrie 2017 la 515 West 26th Street, New York, New York.
