Lee Krasner a fost un inovator constant, ajungând până la tăierea și reciclarea lucrărilor anterioare care nu mai corespundeau standardelor ei înalte. Ea a îmbrățișat stilul cubist popularizat de Pablo Picasso, abordarea „atotcuprinzătoare” a expresionismului abstract și forma colorată de colaj văzută în creațiile de carieră târzie ale lui Henri Matisse - dar versatilitatea ei a fost trecută cu vederea mult timp de lumea artei, care prea des a fost clasificată ea ca un personaj franjos în cercurile expresioniste abstracte americane, mai bine cunoscută drept soția îndrăgită a lui Jackson Pollock.
O expoziție viitoare la Galeria de Artă Barbicană din Londra se străduiește să reframeze imaginea lui Krasner, bazându-se pe aproape 100 de lucrări pentru a urmări traiectoria carierei ei de 50 de ani care împinge granițele. Intitulată Lee Krasner: Living Color, retrospectiva prezintă autoportretele timpurii, desene de viață pe cărbune, picturi abstracte la scară largă, colaje și selecții din renumita serie „Little Images”.
Născut în imigranții ruși în 1908, Krasner a decis să devină artist la 14 ani, înscriindu-se la singurul curs de artă local deschis la fete la acea vreme. În timp ce asistenta expoziției Charlotte Flint scrie într-o postare pe blogul Barbicanului, tânăra autohtonă din Brooklyn a abandonat rapid stilurile tradiționale, optând în schimb pentru mișcările îndrăznețe moderne pioniere de Picasso, Matisse și artiștii de avangardă similare.
Lee Krasner, "Mosaic Table", 1947, colecție privată (© Fundația Pollock-Krasner. Curtoazie Michael Rosenfeld Gallery LLC, New York) 
Lee Krasner, „Rezumatul nr. 2”, 1947, Centrul IVAM, Spania (© Fundația Pollock-Krasner. Curtoazie IVAM) 
Lee Krasner, "Palingenesis", 1971 (© The Pollock-Krasner Foundation. Courtesy Kasmin Gallery, New York) „Cunoscută pentru șirul ei extrem de independent, Krasner a fost una dintre puținele femei care s-a infiltrat la Școala din New York în anii 40 și 50”, scrie Meredith Mendelsohn într-un editorial Artsy . Krasner, deja o figură consacrată în scena de artă locală, și-a întâlnit viitorul soț la o expoziție din 1941, unde ambele aveau lucrări la vedere. Perechea s-a căsătorit în octombrie 1945 și s-a mutat curând într-o fermă rurală din East Hampton, unde s-ar putea concentra mai bine pe ambarcațiunile lor. În timp ce Pollock era ocupat cu crearea picturilor sale caracteristice picurării panoramice, ea s-a concentrat pe producerea pânzelor calidoscopice.
Potrivit lui Rachel Cooke, Guardianul, cuplul a fost înstrăinat în momentul accidentului mortal din 1956 al lui Pollock. După o zi de băut, artista a pierdut infam controlul roții, ucigându-se pe el însuși și pe Edith Metzger, recepționer la Ruth Kligman (o pictoriță și amanta lui Pollock la acea vreme), după impact; Kligman, care se afla și el în mașină, a supraviețuit miraculos accidentului.
După moartea lui Pollock, Krasner s-a mutat în studioul său - „n-avea niciun rost să-l lase să stea gol”, a spus ea mai târziu - și a început să meargă picturi enorme care i-au cerut să sară peste hambar, în timp ce manevra o perie cu mâner lung ideal pentru manevrarea în colțuri îndepărtate.
„Era aproape ca și cum s-ar fi desfășurat”, scrie Cooke. „De acum, ea ar putea lucra la o scară inedită”.
Potrivit lui Arty 's Mendelsohn, „Picturile Umber” ale lui Krasner - cunoscute și sub numele de „Călătorii de noapte”, pânzele cu ton neutru datează între 1959 și 1962 - au marcat un moment de cotitură în cariera ei. Plâns de insomnie legată de moartea lui Pollock și moartea ulterioară a mamei sale în 1959, Krasner a schimbat stiluri, producând tablouri cu ceea ce istoricul de artă David Anfam numește un „grad de intensitate psihologică” nevăzut anterior, marcat de „scara emotivă și mișcarea acerbă”. lucrările, redate în vârtejuri haotice de maro, crem și alb, s-au diferențiat dramatic de picturile abstracte Color Field populare la acea vreme. Spre deosebire de pânzele liniștite, senine ale lui Mark Rothko și Barnett Newman, cele mai recente creații ale lui Krasner au fost gestuale, excesiv de agresive într-o manieră sugestivă pentru picturile soarelui decedat.
Lee Krasner, "Imperativ", 1976. National Gallery of Art, Washington DC (© The Pollock-Krasner Foundation. Courtesy National Gallery of Art, Washington DC) În urma „Picturilor Umber”, Krasner a revenit în lumea culorilor vibrante - o mișcare demonstrativă a dorinței ei de a se reinventa.
„Imaginea fixă a îngrozit-o”, a declarat cuvantul Eleanor Nairne, Joe Townend de la Sotheby. „A simțit că este un gest inautent să creadă că unele imagini singulare pot conține tot ceea ce era ca persoană. A trecut prin aceste cicluri de muncă și prin aceste ritmuri și a fost adesea un proces foarte dureros. ”
De-a lungul carierei, Krasner a revenit deseori la lucrări anterioare. În loc să admire realizările ei trecute, însă, le-a schimbat complet, tăind și reorganizând fragmente pentru a crea piese noi.
O lucrare neo-cubistă fără titlu creată în 1984, anul morții ei, poate cel mai bine ilustrează cererea constantă de reinventare a lui Krasner. După cum scrie Phillip Barcio al lui IdeelArt, pânza (ultima sa lucrare cunoscută) îmbină pictura, desenul la cărbune și colajul, sintetizând numeroasele medii pe care artistul le-a folosit de-a lungul vieții într-o „afirmație unică, profundă, elegantă”.
Lee Krasner: Living Color este vizualizată la Galeria de artă Barbican din Londra, în perioada 30 mai - 1 septembrie 2019.
