În 1835, printr-o evoluție improbabilă a evenimentelor, tânăra Statele Unite a devenit beneficiarul moșiei unuia James Smithson, un om de știință britanic cu mijloace considerabile care nu a pus niciodată piciorul pe pământ american. Darul de 500.000 de dolari (aproximativ 12 milioane de dolari astăzi) a dus la stipularea faptului că a fost folosit pentru a crea o instituție pentru „creșterea și difuzarea cunoștințelor”.
Cât de uimitor - și dezamăgitor - trebuie să pară această vânt. Responsabilitatea a fost imensă, în ceea ce privește suma, percepția și, în final, efectul potențial al acestui mandat asupra culturii americane. Într-adevăr, Congresul a avut nevoie de o decadă întreagă de dezbatere înainte de a fi de acord cu ce să facă cu banii.
În cele din urmă, în 1846, Congresul s-a hotărât pe o legislație care solicita ca un muzeu, o bibliotecă și o galerie de artă, împreună cu prelegeri științifice și programe educaționale, să fie susținute de moștenirea lui Smithson.
Astăzi este dificil să-ți imaginezi atmosfera și atitudinile SUA în acel moment. Nu am avut prea multe prin intermediul instituțiilor culturale. Aceasta a fost o generație completă înainte de fondarea marilor muzee de artă americane, care nu au apărut până în anii 1870.
America în 1846 a fost un mediu provocator în care să dezvolte o instituție relativ „înaltă de cultură” precum Smithsonianul propus. Nimic ca acesta nu exista.
Oamenii practici de știință au trebuit să înțeleagă această oportunitate unică și să facă din ea ceea ce au putut. Cum și-ar construi națiunea identitatea și și-ar ocupa locul printre civilizațiile consacrate ale Lumii Vechi? Galeriile de artă europene și muzeele au fost recunoscute ca instrumente de rafinament și patrimoniu cultural. Politicienii și educatorii care au călătorit în străinătate i-au îndemnat pe americani să adopte mai multe modele de artă și cultură. Acasă, artiștii și liderii civici au promovat crearea unor astfel de organizații, ca forțe de stabilizare care ar influența comportamentul public și ar semnala abilitatea culturală a Americii în creștere.
Dar simpla acceptare a darului lui Smithson a stârnit controverse, întrucât mulți din Congres și națiune au purtat sentimente profund anti-europene, caracterizate prin nativism și resentimente persistente împotriva influențelor britanice. Congresistul Indiana, Robert Dale Owen, s-a luptat cu un plan inițial de a folosi moștenirea lui Smithson pentru a crea o bibliotecă națională, luptând împotriva „prafului și a tecii” de pe rafturile bibliotecii monarhiilor europene.
Opiniile sale au fost contracarate de George Perkins Marsh, un Whig din Vermont, care s-a dovedit un avocat crucial în timpul dezbaterilor care au încadrat noua instituție.
Răspunzând lui Owen în aprilie 1846, Marsh a argumentat în mod elocvent în fața Camerei Reprezentanților că legătura lui Smithson a oferit cel mai mare compliment posibil națiunii, întrucât „avea drept scop promovarea tuturor cunoștințelor pentru beneficiul comun al tuturor”.
Marsh nu l-a putut cunoaște la vremea respectivă, dar în curând nenorocirea personală ar contribui la viziunea pe care a descris-o, și, ironic, va oferi o bază pe care să construiască colecția Smithsonian. În 1849, pierderile financiare îl vor obliga să vândă o mare parte din biblioteca sa substanțială. El a oferit un număr de 1.300 de gravuri europene și 300 de cărți de artă Smithsonianului - oferindu-i poate un mic confort în timp ce pleca pentru un nou post în calitate de ministru al SUA în Turcia.
Educația lui Ahile, gravată de Charles-Clement Bervic în 1798, arată centaurului Chiron învățându-l pe tânărul Ahile cum să tragă cu un arc și o săgeată. (Instituția Smithsoniană) 
Silenus, în mitologia greacă, a fost îndrumătorul și însoțitorul zeului vinului Dionisos. Gravura de SA Bolswert a reprodus pictura originală din secolul al XVII-lea de Anthony van Dyck. (Instituția Smithsoniană) 
Forjarea Inimii, gravată de Maestrul IB în 1529, este o tipărită emblematică complicată, considerată a fi o alegorie care încurajează răbdarea în problemele inimii. (Instituția Smithsoniană) 
Madona Alba, gravată de AB Denoyers în 1827 după pictura lui Rafael, a fost deținută de mulți ani de către ducii spanioli de Alba. Acum se află în National Gallery of Art, Washington. (Instituția Smithsoniană) 
O bucată de fructe, gravată de Richard Earlom în 1781 după un tablou din 1723 de Jan van Huysum. Această mezzotint și un tipar însoțitor, A Flower Piece, au fost două dintre cele mai apreciate imagini din copia lui George P. Marsh din The Houghton Gallery. (Instituția Smithsoniană) 
Christ Healing the Sick , gravat de Rembrandt van Rijn în jurul anului 1648. Placa a fost refăcută de căpitanul William Baillie în jurul anului 1775, iar impresia lui Marsh datează din ediția ulterioară. (Instituția Smithsoniană) Joseph Henry, primul secretar al Smithsonianului și un om de știință distins, a aprobat achiziționarea colecției lui Marsh, care, deși a plecat de la accentul științific de atunci al Smithsonianului, a format prima colecție de tipărit public din națiune și a îndeplinit mandatul congresului pentru o galerie de artă.
Achiziția a reprezentat o înțelegere remarcabilă, dar oarecum prematură, în Smithsonian, despre rolul potențial al unei colecții de artă publică, chiar și în timp ce liderii instituției și-au dat seama ce ar trebui să însemne pentru evoluția mandatului său și pentru țara în ansamblu.
Colecția lui Marsh a inclus cărți și imprimeuri ilustrate, atât impresii originale vechi de maestru, cât și reproduceri fine gravate de pictură și sculptură. Multe dintre cărți erau compilații de gravuri care reproduceau lucrări în Louvre și în alte galerii europene. Gravura sa de Rembrandt, Christ Healing the Sick, a fost evidențiată pentru elogii în raportul anual Smithsonian din 1850, iar locul său în clădire a fost remarcat în ghidurile timpurii. În The Crayon, o nouă revistă de artă, jurnalistul de la Washington, Benjamin Perley Poore, i-a sfătuit pe iubitorii de artă să caute imprimeurile Marsh și să „se bucure de frumusețile lor”.
Achiziția s-a dovedit a fi mai scăzută - gravurile ofereau mult mai multă artă pentru bani decât pictura sau sculptura, oferind totuși un mijloc de acces la expresia artistică. În raportul anual al lui Smithsonian, din 1850, bibliotecarul Charles C. Jewett a observat că „gravura pare a fi singura ramură a artelor plastice pe care, în prezent, o putem cultiva. O imagine sau o statuie bună ar costa mai mult decât o colecție mare de amprente. "
Smithsonian a aliniat achiziția colecției Marsh cu canonul tradițional al artei europene, iar achiziția a avut loc într-un moment în care astfel de imagini deveneau mai cunoscute. Referințe la artiști proeminenți precum Dürer și Rembrandt au apărut cu o frecvență din ce în ce mai mare în literatura populară, care a abordat meritele artelor plastice. Pe măsură ce republica timpurie a dezvoltat o identitate națională, unii dintre cetățenii săi au căutat opere de artă pentru a oferi modele de frumusețe și pentru a inspira decorul.
S-a observat un vârf notabil în mențiunile de tipărituri și tipografii în periodice americane începând cu anii 1840 și până în anii 1850, dezvoltarea organizațiilor de apartenență precum Art Unions și creșterea magazinelor de artă, a vânzătorilor de print și a comerțului de gravură, extinsă piața de încadrare a pieselor și publicațiilor ilustrate și a demonstrat un gust în creștere rapidă pentru imprimeuri.
Figuri simbolice, cum ar fi Libertatea, icoane patriotice precum George Washington, subiecți shakespearieni și alte imagini au apărut pe toate, de la amprente mari, extrem de finisate la încadrare, până la bancnote și publicitate.
Bibliile familiale au inclus farfurii bazate pe tablouri europene, iar noul gen de reviste ilustrate și cărți de cadouri a adus referințe pictoriale în casa americană. Catharine Beecher și sora ei Harriet Beecher Stowe au scris despre amprente specifice care ar fi de ajutor copiilor să studieze. Alți autori au comentat seninătatea și înălțarea morală oferite de petrecerea timpului cu gravuri precum Transfigurarea lui Rafael și numeroasele reproduceri ale Madonei sale Sixtine atestă popularitatea acelei imagini pentru un public larg. Printurile și cărțile obținute din colecția lui Marsh, în felul lor liniștit, au fost destinate ca o resursă pentru Smithsonian să-și stabilească rolul de influență pozitivă asupra societății.
Henry și Jewett credeau că această „colecție valoroasă de gravuri”, împreună cu celelalte programe ale noii Instituții, ar oferi un loc pentru autoritatea culturală și mândria națională. Până în anii 1880, expoziția permanentă de arte grafice de la Smithsonian conținea zeci de printuri, plăci, blocuri și instrumente, afișate pentru a arăta modul în care sunt realizate imprimeurile. A inclus tipărituri din colecția Marsh și alte surse dintr-o narațiune structurată după cronologie și proces pentru a reprezenta progresul artei.
Astăzi, Marsh Collection este apreciată pentru valoarea sa inerentă culturală, precum și legătura cu dezbaterile care au încadrat Smithsonianul. A stabilit un standard de calitate patrician și a acceptat semnalat de imagini tradiționale europene. Abordarea largă a lui Smithsonian, pentru a reprezenta în expozițiile sale dezvoltarea incrementală a artei ca industrie, a atras interesul personal al lui Marsh pentru istoria gravurii și lărgit pe acest concept pentru a-și educa vizitatorii în spiritul moștenirii lui James Smithson. Colecția Marsh a constituit o bază importantă pentru Smithsonian ca instituție și pentru țară. În moduri subtile, dar de durată, moștenirea sa a modelat cultura și relația noastră cu arta.
Helena E. Wright este curator principal de arte grafice la Smithsonian’s National Museum of American History și autoarea The First Smithsonian Collection: European Gravings of George Perkins Marsh and the Role of Prints in the US National Museum . Un catalog online al colecției Marsh este disponibil aici.
Acest eseu face parte din Ce înseamnă să fii american, un parteneriat al Muzeului Național de Istorie americană din Smithsonian și Piața Publică Zócalo.
