WILLEM DE KOONING ÎNCĂ ORBEȘTE | ARTE SI CULTURA | SMITHSONIAN - ARTICOLE, ARTE ȘI CULTURĂ, ARTĂ ȘI ARTIȘTI

În 1926, Willem de Kooning, un artist comercial fără vârstă, în vârstă de 22 de ani, din Țările de Jos, s-a aruncat într-o navă de marfă destinată Americii. Nu avea acte și nu vorbea engleză. După ce nava sa s-a agățat în Newport News, Virginia, și-a făcut drum spre nord cu niște prieteni olandezi spre New York. La început și-a găsit lumea dezamăgitoare. „Ceea ce am văzut a fost un fel de Olanda”, și-a amintit în anii ’60. „Lowlands. Pentru ce dracu am vrut să merg în America? ”Câteva zile mai târziu, însă, în timp ce de Kooning trecea printr-un terminal de feriboturi și trenuri în Hoboken, New Jersey, a observat un bărbat de la un ghișeu care arunca cafea pentru navetii prin alunecare într-o linie de căni. "El a turnat repede ca să-l umple, indiferent ce s-a vărsat și i-am spus:„ Băiete, asta este America. "

Din această poveste

[×] ÎNCHIS

Opera lui Willem de Kooning, prezentată aici este Zowie, Ruth, din 1957, s-a bazat pe o reinventare constantă: „Trebuie să te schimbi”, spunea deseori artistul, „pentru a rămâne la fel”. (Colecția familiei Ovitz, Los Angeles © 2011 Fundația Willem de Kooning / Artists Rights Society (ARS), New York)

Printre artiștii care au apărut în anii ’50 -’60, de Kooning, arătat aici în 1953, a sfidat clasificarea. (Tony Vaccaro / akg-images)

De Kooning a studiat la Academia de Arte Plastice din Rotterdam. „Pregătirea clasică te eliberează pentru a face asta”, ar spune el mai târziu despre lucrarea sa abstractă. În imagine este natura sa moartă din 1917, completată la vârsta de 13 ani (colecție privată / © 2011 The Willem de Kooning Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York)

În Manhattan, de Kooning, cu Arshile Gorky în 1937, a fost atras de pictori moderniști. (Oliver Baker, fotograf. Lucrări Rudi Blesh, Arhivele Artei Americane, Instituția Smithsonian)

Până în anii 40, de Kooning începuse o serie de studii feminine, inspirate în parte de Elaine Fried, cu care s-a căsătorit în 1943. (John Jonas Gruen / Hulton Archive / Getty Images)

După al doilea război mondial, cercul de avangardă al lui De Kooning s-a apropiat de statutul de celebritate. În imagine este grupul, în Viața, 1950; de Kooning se află în rândul din spate, la stânga. (Nina Leen / Time Life Pictures / Getty Images)

Elemente figurale punctează spațiul ambiguu din Atic, 1949, unul dintr-o serie de compoziții alb-negru de la Kooning postbelic. Chiar și cele mai abstracte opere ale artistului, spune savantul Richard Shiff, adesea „a început cu o referire la figura umană”. (The Metropolitan Museum of Art, NY / © 2011 The Willem de Kooning Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York)

Chiar când lumea artei și-a sărbătorit abstracțiunile, de Kooning și-a concentrat energiile asupra figurii feminine, muncind timp de doi ani la Woman I, 1950-52. "Frumusețea", a spus artista, "devine petulantă pentru mine. Îmi place grotescul. Este mai bucuros." (The Museum of Modern Art, NY / © 2011 Fundația Willem de Kooning / Artists Rights Society (ARS), New York)

De Kooning a părăsit orașul în 1963 pentru Springs, Long Island. Arătat aici este de Kooning la 81 de ani în studioul său în 1985. (© 2011 The Willem de Kooning Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York)

Opera târzie a lui De Kooning s-a inspirat din mare. Arătat aici este Clamdigger, 1972, care evocă furajerele pe plajă. (© Willem de Kooning Revocable Estate Trust / Adagp - Foto: CNAC / MNAM Dist. RMN - Droits résrvés; (c) 2011 Fundația Willem de Kooning / Artists Rights Society (ARS), New York)

Al cui nume a fost scris în apă, 1975, de de Kooning sugerează suprafețe oceanice. (Solomon R. Guggenheim Museum, NY / © 2011 The Willem de Kooning Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York)

Seated Man, 1939, Willem de Kooning. (Cadoul artistului prin Fundația Joseph H. Hirshhorn, 1972 / Hirshhorn Museum and Sculpture Garden; © 2011 The Willem de Kooning Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York)

Queen of Hearts, 1943-1946, Willem de Kooning. (Cadoul Fundației Joseph H. Hirshhorn, 1966 / Hirshhorn Museum and Sculpture Garden; © 2011 The Willem de Kooning Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York)

Livrare specială, 1946, Willem de Kooning. (Cadoul Fundației Joseph H. Hirshhorn, 1966 / Hirshhorn Museum and Sculpture Garden; © 2011 The Willem de Kooning Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York)

Femeie / Verso: Untitled, 1948, Willem de Kooning. (Cadoul Fundației Joseph H. Hirshhorn, 1966 / Hirshhorn Museum and Sculpture Garden; © 2011 The Willem de Kooning Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York)

Untitled III, 1981, Willem de Kooning. (Cadrul parțial al lui Joseph H. Hirshhorn, prin schimb, și Achiziția muzeală, 1982 / Hirshhorn Museum and Sculpture Garden; © 2011 The Willem de Kooning Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York)

Studiu pentru „Femeia VI”, 1952, Willem de Kooning. (Cadoul lui Joseph H. Hirshhorn, 1966 / Hirshhorn Museum and Sculpture Garden; © 2011 The Willem de Kooning Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York)

Untitled, 1949-1950, Willem de Kooning. (Cadoul lui Joseph H. Hirshhorn, 1966 / Hirshhorn Museum and Sculpture Garden; © 2011 The Willem de Kooning Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York)

Două femei din țară, 1954, Willem de Kooning. (Cadoul lui Joseph H. Hirshhorn, 1966 / Hirshhorn Museum and Sculpture Garden; © 2011 The Willem de Kooning Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York)

Femeie așezată pe o bancă, 1972 / distribuție 1976, Willem de Kooning. (The Joseph H. Hirshhorn Bequest, 1981 / Hirshhorn Museum and Sculpture Garden; © 2011 The Willem de Kooning Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York)

Galerie foto

Continut Asemanator

De ce Elaine de Kooning și-a sacrificat propria carieră uimitoare pentru soțul ei mai faimos
Clyfford Still's Sublime Art
Wayne Thiebaud nu este un artist pop

Și asta a fost de Kooning. Dintre pictorii care au apărut la New York la sfârșitul anilor '40 și la începutul anilor '50 - Jackson Pollock, Mark Rothko și Barnett Newman, printre ei - de Kooning, care a murit în 1997, rămâne cel mai dificil de capturat: este prea vital, neliniștit, jazzy, nepoliticos și imprevizibil pentru a se încadra în oricare singură cupă. A traversat multe dintre limitele artei, răspândindu-se între abstracție și figurație pe o perioadă de 50 de ani - exprimând o mare varietate de stări de spirit - fără nici o preocupare pentru convențiile gustului conservator sau radical. Potrivit lui Irving Sandler, un istoric al artei care a cronicizat dezvoltarea artei americane postbelice, a fost de Kooning care „a putut să continue marea tradiție a picturii occidentale și să o devieze într-o nouă direcție, creând un stil de avangardă care am vorbit cu vremea noastră. ”

Retrospectiva de Kooning care a fost deschisă luna trecută la Muzeul de Artă Modernă (MoMA) - prima dată dedicată întregii sfere de carieră a artistului de șapte decenii - prezintă o perspectivă bogată, nuanțată, a unui mare pictor american. Pentru curatorul emerit John Elderfield, care a organizat spectacolul, efortul a fost neobișnuit de personal: atragerea artei lui de Kooning a ajutat să-l conducă pe Elderfield, de origine engleză, să se stabilească în America. El susține că de Kooning este un pictor de originalitate care a inventat un nou tip de spațiu pictural modern, unul de ambiguitate. Elderfield sugerează că De Kooning a urmărit să păstreze atât contururile sculpturii, cât și planurile „bombate, răsucite” ale picturii tradiționale, sugerează și planul superficial al artei moderniste găsit în operele cubiste, de exemplu, Picasso și Braque. De Kooning a dezvoltat mai multe soluții diferite la această problemă vizuală, devenind un artist care nu părea să înceteze niciodată să se miște și să exploreze. El a fost, în propria sa transformare enigmatică de frază, un „glimpser alunecător”.

În anii '50, Kooning a devenit cel mai influent pictor al vremii sale. „A fost un artist al artistului”, spune Richard Koshalek, directorul muzeului Smithsonian’s Hirshhorn, care are una dintre cele mai mari colecții ale operei lui Kooning. „A avut un impact deosebit asupra unei game foarte largi de artiști.” Brice Marden, pictor care a făcut obiectul unei retrospective MoMA din 2006, este de acord: „Ați fost crescut la De Kooning. El era stăpânul. El a fost profesorul. ”Pentru mulți a fost, de asemenea, o figură romantică, cu aspect de vedetă de film și un bătaie existențială, în timp ce a băut la Taverna Cedar din Satul Greenwich cu Pollock și s-a mutat din povestea de dragoste în aventura amoroasă.

În ciuda succesului său, de Kooning a plătit în cele din urmă un preț pentru lipsa sa de a urma tendințele dominante. Arta lui în continuă schimbare - în special înfățișarea lui rău de femei - a fost tot mai redusă de critici și istorici de artă în timpul vieții sale. Elderfield sugerează că „nu se potrivește ușor cu acele lucrări gândite pentru a menține istoria modernistă familiară a unei abstractizări din ce în ce mai rafinate.” Curatorii de la MoMA însuși au avut tendința de a-l considera pe Kooning după 1950 ca un pictor în declin, după cum demonstrează muzeul. colecția proprie, care este considerabil mai puternică în Pollock, Rothko și Newman decât în de Kooning.

Cearta s-a încheiat: Retrospectiva actuală modifică. Gama lui De Kooning arată acum ca o forță, iar stilul său seducător - „seducător” este cuvântul potrivit, căci periuța sa este plină de atingere - oferă un deliciu pictorial rar întâlnit în arta zilelor noastre.

De Kooning a crescut lângă port, în Rotterdam, clasa muncitoare. Rareori îl vedea pe tatăl său, Leendert - părinții săi au divorțat când era un băiat mic - iar mama sa dominatoare, Cornelia, care avea tendința unei succesiuni de baruri, și-a mutat constant familia în căutarea unor locuințe mai puțin costisitoare. Ea l-a bătut regulat. Banii erau scurti. La vârsta de 12 ani, a devenit ucenic la Gidding and Sons, o firmă elegantă de artiști și meșteri în inima Rotterdamului la modă care s-a specializat în design și decorare. În curând a atras atenția proprietarilor firmei, care l-au îndemnat să ia ore după muncă șase nopți pe săptămână la Academia de Arte Plastice din oraș.

Drept urmare, de Kooning a primit o bază puternică atât în designul comercial, cât și în principiile clasice ale artei înalte. Era precoce; retrospectiva de la MoMA include remarcabilul Still Life (1917) pe care l-a făcut la Academie la vârsta de 13 ani. A trebuit totuși să se susțină. La 16 ani, de Kooning a izbucnit singur, circulând pe marginile boemului Rotterdam și luând locuri de muncă aici și acolo. De asemenea, a început să fantasizeze despre America, apoi privită de mulți din Europa ca un pământ mitic de zgârie-nori, stele de film și bani ușori - dar nu, poate, de artă. Când s-a îndepărtat de încărcătură, și-a amintit mai târziu De Kooning, nu a crezut că există artiști serioși în America.

În primii ani în America, inițial la Hoboken, New Jersey, și apoi la New York, a trăit mult așa cum a avut la Rotterdam, găsind muncă ca artist comercial și pictând ocazional în timpul liber. El a descoperit că există, de fapt, artiști serioși în America, mulți dintre ei, de asemenea, au luat slujbe comerciale pentru a supraviețui. El a început să-și petreacă timpul în cafenelele pe care le-au favorizat în Chelsea și Greenwich Village, vorbind pe noapte despre căni de cafea cu nichel. Aproape toată lumea pe care o știa era săracă; vânzarea unui tablou a fost rară. În acest mediu, angajamentul sigur al anumitor artiști - mai ales, devotamentul lui Arshile Gorky față de tradiția picturii moderniste - a avut un impact accentuat asupra de Kooning.

Gorky, un imigrant originar din Armenia, nu a avut răbdare pentru cei care nu s-au angajat fără rezerve pentru artă. Nici nu a avut timp pentru cei pe care îi considera provinciali sau minori în ambițiile lor, precum cei care au romanticizat America rurală sau au atacat nedreptatea socială. („Arta proletariatului”, a spus Gorky, „este o artă săracă pentru oamenii săraci”.) În opinia lui Gorky, dacă ai fost serios, ai studiat munca unor maeștri moderniști precum Picasso, Matisse și Miró și ai aspirat să egaleze sau mai bine realizare. Contemporarii au descris studioul lui Gorky de pe Piața Unirii ca un fel de templu al artei. „Marea emoție din 36 Union Square”, a declarat Ethel Schwabacher, studentă și prietenă a lui Gorky, „a simțit că a evocat munca depusă acolo, munca în desfășurare, zi și noapte, prin ani lungi de pasionat, disciplinat și dedicat efort."

Exemplul lui Gorky, împreună cu crearea Proiectului federal de artă, care a plătit artiștilor un salariu viu în timpul Depresiunii, a determinat în cele din urmă de Kooning să se angajeze să fie un artist cu normă întreagă. În anii 30, Gorky și de Kooning au devenit inseparabile; Discuțiile lor permanente despre artă au ajutat fiecare să devină un pictor major. De Kooning, care se străduiește să creeze un gen nou de artă figurativă, adesea pictat wan, portretele melancolice ale bărbaților și, mai puțin frecvent, ale femeilor. A lucrat și a refăcut imaginile, încercând să-și împace formarea clasică cu convingerile sale moderniste. S-ar putea să permită unei fotografii să părăsească studioul său dacă un prieten l-ar cumpăra, întrucât cronic era lipsit de bani, dar și-a aruncat majoritatea pânzelor în dezgust.

La sfârșitul anilor 30, de Kooning a întâlnit o tânără studentă la artă, pe nume Elaine Fried. S-ar căsători în 1943. Fried nu era numai frumos, vivacitatea ei se potrivea rezervei lui Kooning. Niciodată să nu te prăpădi de lux, îi plăcea să spună, necesitățile vor avea grijă de ele însele. Una dintre prietenele ei, artista Hedda Sterne, a descris-o drept „îndrăzneală”. „A crezut în gesturi fără regret și a încântat în propria sa spontaneitate și exuberanță”, a spus Sterne. „M-am distrat foarte mult ”, își amintește mai târziu Elaine. „Vreau să spun, multă distracție.” De asemenea, ea a considerat de de Kooning un artist major - cu mult înainte de a deveni unul - ceea ce ar fi putut să-i sporească încrederea.

O senzație proaspătă a figurii feminine, inspirată fără îndoială de Elaine, a început să parcurgă arta lui De Kooning. Culoarea s-a luminat. Granițele au căzut. Nu mai părea constrâns de pregătirea sa clasică: femeile din tablouri amenințau acum să se despartă și să se despartă; distingerea cifrei de pământ a devenit, în anumite locuri, dificilă. Artistul începea să-și stăpânească spațiul ambiguu. Părea firesc ca de Kooning, care a preferat instinctiv mișcarea la liniște și nu credea că adevărul figurii se află doar în aparența sa de suprafață, să înceapă să se deplaseze de-a lungul unui continuum de la reprezentativ la abstract. Cu toate acestea, chiar și imaginile sale cele mai abstracte, așa cum a observat savantul de Kooning Richard Shiff, „fie au început cu o referire la figura umană, fie au încorporat elemente figurative pe parcurs.”

Mișcarea lui De Kooning la sfârșitul anilor '40 spre o ilustrare mai puțin realistă a figurii ar fi putut fi determinată, parțial, de sosirea în oraș, la începutul deceniului, a mai multor artiști celebri din Paris, în special André Breton și cercul său de Suprarealiști, toți refugiați din război. De Kooning nu era în general un fan al suprarealismului, dar accentul mișcării asupra minții inconștiente, a viselor și a vieții interioare și-ar fi consolidat propria nerăbdare cu o ilustrare pur realistă a lumii. Surrealiștii și patronul lor, socialitul Peggy Guggenheim, au făcut un mare strop în New York. Prezența lor a inspirat ambiția în artiștii americani.

Totuși, de Kooning a rămas în marje. Proiectul federal de artă nu mai exista și nu exista o piață mică pentru arta modernă americană. În această perioadă întunecată, de Kooning a început marea sa serie de abstracții alb-negru. El și prietenul său apropiat, pictorul Franz Kline, neputând să-și permită pigmenți costisitori, au ieșit renumit într-o zi și au cumpărat vopsea ieftină cu smalț alb și negru și (conform legendei), cu un abandon al diavolului, ar putea începe lucrări majore. Nu a fost, desigur, atât de simplu. De Kooning muncise de mulți ani pentru a ajunge în acest moment; și, într-un fel, momentul îl găsi acum. Groaza celui de-al Doilea Război Mondial - și relatările Holocaustului care au ieșit din Europa - au creat o nouă percepție în rândul lui De Kooning și al unor artiști americani de o scară metafizică minunată, chiar și sumbră. (De asemenea, aveau în fața ochilor lor, în MoMA, puternica, monocromatică Guernică a lui Picasso din 1937, răspunsul său la bombardamentele fasciste ale orașului spaniol.) Spre deosebire de contemporanii lor europeni, americanii nu trăiau printre ruinele războiului și ei provenea dintr-o cultură care sărbătorește o nelimitare Whitmanesque. De Kooning, al cărui oraș de naștere fusese turnat în dărâmături în timpul războiului, era atât european cât și american, bine poziționat pentru a realiza tablouri de măreție întunecată. În 1948, când avea aproape 44 de ani, și-a expus așa-numiții „negri și albi” la mica și puțin vizitată galerie Egan. A fost primul său spectacol solo. Puține imagini vândute, dar au fost remarcate și admirate pe scară largă de artiști și critici.

De asemenea, la sfârșitul anilor 1940, Jackson Pollock a început să-și facă legendarele abstractizări de „picurare”, pe care le-a pictat pe podeaua studioului său, țesând fragmente ritmice de vopsea pe pânză. Tablourile lui Pollock, de asemenea, în principal alb-negru, au avut un caracter foarte diferit de cel al lui Kooning. Deși în general abstracte, imaginile înnodate ale lui De Kooning au rămas pline de părți și gesturi umane văzute; Pollock a transmis un sentiment transcendent de eliberare din lume. Titlurile celor mai mari două imagini din seria alb-negru a lui de Kooning, mansardă și excavație, sugerează că artistul nu intenționează să uite ce îngroapă sau pune deoparte lumea. (De Kooning, fără îndoială, s-a bucurat de implicațiile schimbătoare ale titlurilor. Mansarda, de exemplu, se poate referi la o mansardă reală, poate sugera înălțimile cerului sau să-și amintească de Grecia antică.) Fiecare tablou este plin de incident figurativ - o întoarcere de umăr aici, o umflătură de șold acolo, dar un anumit corp nu poate fi discernut în niciuna dintre ele. „Chiar și forme abstracte”, a spus de Kooning, „trebuie să aibă o asemănare.”

De Kooning a finalizat Excavation, ultima sa și cea mai mare imagine din serie, în 1950. Regizorul MoMA, Alfred Barr, a selectat apoi tabloul, împreună cu lucrările lui Pollock, Gorky și John Marin, pentru a reprezenta Statele Unite la Bienala de la Veneția. —Un semn de onoare pentru toți cei patru moderniști americani. Jurnaliștii au început să ia act. Pollock a fost subiectul unei fotografii răspândite în revista Life în 1949. Lumea celebrității începea să se concentreze pe ceea ce fusese un colț obscur al culturii americane. Galeria Sidney Janis, care s-a specializat în maeștrii europeni, a început acum să joace de Kooning și alți artiști americani ca urmași demni ai lui Picasso sau Mondrian. Criticii, curatorii și dealerii de artă au început să argumenteze din ce în ce mai mult că, în ceea ce privește arta, New York era noul Paris.

La începutul anilor '50, De Kooning era un pictor cu renume în creștere, cu un stil abstract de cipuri albastre. Majoritatea contemporanilor săi credeau că va continua să producă tablouri în acel stil. Dar, într-una dintre cele mai contrare și independente acțiuni din istoria artei americane, a renunțat la abstracțiile sale alb-negru pentru a se concentra mai ales, încă o dată, pe figura feminină. S-a luptat peste o singură pânză timp de aproape doi ani, prietenii săi fiind din ce în ce mai preocupați de bunăstarea lui, în timp ce-i revizuiau continuu și răzuiau imaginea. El a lăsat în sfârșit tabloul de disperare. Doar intervenția influentului istoric de artă Meyer Schapiro, care a cerut să o vadă în timpul unei vizite de studio, l-a convins pe Kooning să atace pânza din nou - și a ajuns la concluzia că a terminat Femeia I (1950-52). Apoi, în succesiune rapidă, a completat mai multe picturi pentru femei .

De Kooning a descris-o pe Femeia I ca pe o zeiță zâmbitoare - „mai degrabă ca idolii mesopotamieni”, a spus el, care „se ridică mereu drept, privind spre cer cu acest zâmbet, de parcă erau uimiți de forțele naturii ... nu despre problemele pe care le aveau una cu cealaltă. ”Zeițele lui erau complicate: deodată înfricoșătoare și hilară, antică și contemporană. Unii critici i-au asemănat cu bimbosurile de la Hollywood; alții le-au crezut opera unui misogin. Sculptorul Isamu Noguchi, un prieten al lui de Kooning, a recunoscut ambivalența lor: „Mă întreb dacă urăște cu adevărat femeile”, a spus el. „Poate că îi iubește prea mult.” O mare parte din complicații provin din amestecul volatil de vulgaritate și un rafinament în periajul lui Kooning. „Frumusețea”, a spus odată de Kooning, „devine petulantă pentru mine. Îmi place grotescul. E mai bucuros. ”

Nu este surprinzător, de Kooning s-a îndoit că spectacolul său despre opera recentă din 1953 va avea succes, iar principalul critic de artă al vremii, Clement Greenberg, a crezut că de Kooning a luat o întorsătură greșită cu seria Woman . Surpriza de la Kooning, cu toate acestea, spectacolul a fost un succes, nu doar în rândul multor artiști, ci și al unui public din ce în ce mai dornic să îmbrățișeze pictura americană.

De Kooning și-a găsit brusc o stea - prima celebritate, probabil, în lumea artei moderne americane. Singurul pictor de la începutul anilor '50 cu o statură comparabilă sau mai mare a fost Jackson Pollock. Însă Pollock, căzând apoi într-un alcoolism avansat, locuia în principal în Springs (un cătun de lângă East Hampton, pe Long Island) și era rar văzut în Manhattan. Prin urmare, lumina reflectoarelor s-a concentrat pe de Kooning, care a devenit centrul unei scene animate. Mulți l-au găsit irezistibil, cu aspectul său de marinar olandez, un englez rupt idiosincratic și un accent fermecător. Iubea argoul american. El ar fi numit o imagine „grozavă” sau un prieten „un cartof fierbinte”.

În această lume cu căsuțe, de Kooning a avut multe aventuri de dragoste încurcate, la fel ca Elaine. (S-au despărțit în anii 1950, dar nu au divorțat niciodată.) Aventura lui De Kooning cu Joan Ward, un artist comercial, a dus la nașterea, în 1956, a singurului său copil, Lisa, căruia i-a fost întotdeauna devotat - deși nu a devenit niciodată mult a unui tată de zi cu zi. De asemenea, a avut o aventură îndelungată cu Ruth Kligman, care fusese prietena lui Pollock și care a supraviețuit accidentului auto din 1956 care l-a ucis pe Pollock. Kligman era atât o artistă aspirantă, care tânjea să fie musa unui pictor important, cât și o tânără plină de viață, care evoca stele precum Elizabeth Taylor și Sophia Loren. „A pus cu adevărat plumb în creionul meu”, a spus de Kooning faimos.

În urma serialului Woman, de Kooning a dezvoltat o serie de abstractizări (cea mai cunoscută este Luni de Paște ) care surprind senzația de viață înfiorătoare, înfiorătoare în New York, la mijlocul secolului. În anii 50 de mai târziu, el și-a simplificat lovitura de perie. Acum, lungi lungi canale de vopsea începură să se strecoare pe pânză. Petrecuse cantități din ce în ce mai mari în Springs, unde mulți dintre prietenii lui aveau locuri de vară. Imaginile de la sfârșitul anilor '50 fac adesea lumină și culoarea țării, conținând, desigur, elemente figurative. Row's Zowie (1957) are un fel de élan declarativ și de încredere. (Kligman a oferit titlul când a intrat în studioul lui Kooning și, văzând imaginea, a exclamat „Zowie!”) De Kooning însuși nu a învățat niciodată să conducă o mașină, dar i-a plăcut să călătorească pe noile mari autostrăzi americane. În 1959, lumea artei a mobilizat deschiderea galeriei a ceea ce uneori se numește seria autostrăzii sale: peisaje mari, îndrăznețe.

De Kooning nu a fost niciodată complet confortabil ca o celebritate. A rămas mereu, în parte, un băiat sărac din Rotterdam. (Când i-a fost prezentată doamnei John D. Rockefeller III, care tocmai cumpărase Woman II, a tâmplat și a bătut, apoi a scos din belșug: „Arătați ca un milion de dolari!”) Ca mulți dintre contemporanii săi, a început să bea foarte mult. . În vârful succesului său către sfârșitul anilor '50, de Kooning era un băutor băut, dispărând uneori mai mult de o săptămână la un moment dat.

În anii '50, mulți artiști tineri au imitat de Kooning; criticii i-au numit pictori „a doua generație” - adică adepți ai pionierilor precum De Kooning. Cu toate acestea, în anii '60, lumea artei se schimba rapid, în timp ce artiștii Pop și Minimal, precum Andy Warhol și Donald Judd, au adus o ironie interesantă și cunoscută artei care era străină de sensibilitatea luxuriantă a lui Kooning. Acești tineri artiști nu doreau să fie „a doua generație” și au început să renunțe la opera pictorului mai vechi ca fiind prea dezordonată, personală, europeană sau, după cum ar putea spune De Kooning, o pălărie veche.

În 1963, când de Kooning se apropia de vârsta de 60 de ani, a părăsit New York City pentru Springs împreună cu Joan Ward și fiica lor. Viața lui pe Long Island a fost dificilă. I s-a dat melancolie și s-a resentit că a fost tratat ca un pictor lăsat în urmă de istorie. El a continuat să se îndoiască periodic, care s-a încheiat uneori cu internarea sa la spitalul Southampton. Dar arta lui a continuat să se dezvolte în moduri extraordinare noi.

De Kooning s-a cufundat în mediul rural din Long Island. El a construit un studio mare, excentric, pe care îl asemăna cu o navă și a devenit o figură familiară în jurul Springsului, bicicletând pe drumurile nisipoase. Opera sa figurativă din anii '60 era deseori tulburătoare; Gustul său pentru caricatură și grotesc, aparent în Woman I, a fost găsit și în astfel de lucrări încărcate sexual ca The Visit (1966-67), o imagine umedă și suculentă a unei femei de broască zâmbitoare, întinsă pe spate. În imaginile sale mai abstracte, corpul feminin și peisajul păreau să fuzioneze din ce în ce mai mult în vopseaua liberă și apoasă.

De Kooning a început, de asemenea, să facă sculpturi figurative extraordinar de tactile: Clamdigger (1972) părea smuls din zarva primordială. Picturile care au urmat, cum ar fi ... al cărui nume a fost scris în apă (1975), nu au fost mai puțin tactile, dar nu au avut aceeași noroi. Erupții extatice de apă, lumină, reflecție, vopsea și senzație corporală - poate o reflecție, în parte, a pasiunii de de Kooning pentru ultima mare dragoste din viața sa, Emilie Kilgore - tablourile nu arată ca nimic altceva în arta americană. Și totuși, la sfârșitul anilor '70, de Kooning s-a încheiat brusc și, de obicei, seria. Pozele, a spus el, veneau prea ușor.

De asemenea, la sfârșitul anilor '70, De Kooning a început să prezinte semne de demență. Soția sa, Elaine, care a revenit în viața sa în acest moment, a început să-l monitorizeze cu atenție. Din ce în ce mai mult, pe măsură ce au purtat anii 80, el ar depinde de asistenți pentru a-și muta pânzele și pentru a-și pune vopselele. Unii critici au disperat picturile din ce în ce mai de rezervă din această perioadă. Elderfield, însă, tratează stilul târziu cu respect. În cea mai bună dintre lucrările târzii, de Kooning pare să-i urmeze mâna, inimitabilul periuță eliberat de orice povară și totuși plin de viață ca întotdeauna. „Atunci este un timp în viață”, a spus el în 1960, în timp ce obosea New York City, „când faci o plimbare: și te plimbi în propriul peisaj.”

De Kooning a murit pe 19 martie 1997, la studioul său Long Island, la vârsta de 92 de ani. El a parcurs o distanță enormă în timpul vieții sale lungi, deplasându-se între Europa și America, vechi maestru și modernist, oraș și țară. Arta lui De Kooning, a spus pictorul Robert Dash, „pare mereu să-și ia la revedere.” De Kooning însuși îi plăcea să spună: „Trebuie să te schimbi pentru a rămâne la fel”.

Mark Stevens este co-autor, alături de soția sa Annalyn Swan, câștigător al premiului Pulitzer de Kooning: Un maestru american .