Este o viziune familiară oricărui vizitator pe axa istoriei artei din New York, Muzeul Metropolitan de Artă - artiști de șevalet parcați în fața unora dintre cele mai mari capodopere ale colecției, pictând sau desenând imaginile pe care le văd în fața lor într-o stare de aproape sfântă concentrare nebună. Dar ce fac acolo, oricum? Nu, nu sunt acolo pentru a hog spațiu sau chiar pentru a plagia greții: așa cum scrie artista Laurie Murphy în blogul muzeului, acestea fac parte din programul cel mai îndelungat al muzeului.
Programul Copyist a fost în vigoare încă de la doi ani după ce muzeul și-a deschis porțile în 1870. Proiectat pentru a face din muzeu un fel de studio extins pentru artiști, acesta deschide muzeul pentru artiști, individual și de grup. Solicitanții trebuie să depună o cerere pentru a copia o piesă de artă individuală, pentru a specifica suportul pe care intenționează să-l folosească și pentru a trimite imagini digitale ale propriei opere de artă pentru a fi acceptate. Odată admiși în program, li se acordă până la opt săptămâni pentru a petrece în galerii - sub rezerva unei serii de termeni și condiții care includ să nu picteze pe pânze uriașe sau să le vândă opera. (Vizitatorii care ar prefera să schițeze folosind creionul nu au nevoie de permisiune, ci trebuie să respecte recomandările muzeului.)
Deși poate părea contraintuitiv pentru artiștii în dezvoltare să copieze lucrările altora, de fapt, a fost o parte vitală a artelor vizuale timp de milenii. Marii maeștri s-au angajat în mod obișnuit în proces, obținându-și cotletele pictorilor de la cei care au venit înaintea lor. Paul Cézanne, de exemplu, era obsedat de opera lui Eugène Delacroix, copiindu-și lucrările din nou și din nou, în încercarea de a face un tribut demn de muză. Vincent van Gogh a copiat și arta și, după cum subliniază Murphy, copiștii operei lui Caravaggio au ajutat la păstrarea tablourilor pierdute în timp.
Astăzi, programul copiștilor Met și programele similare de la Luvru, Galeria Națională de Artă și alte instituții sunt râvnite, competitive și iubite de publicul care urmărește artiștii expuse. Dar copiștii nu erau întotdeauna venerati. După cum scrie Paul Duro, mulți vizitatori ai muzeului din secolul al XIX-lea au presupus că femeile copiști erau fete bogate cu patronaj guvernamental sau verificări mari din partea taților lor, nu artiști serioase. Și în 1887, The New York Times a publicat un articol care îi batjocorește pe copiștii de la Louvre drept „aceste personificări ale ironiei care au fost aruncate la picioarele capodoperelor ... oameni săraci ridicoli care ridică firimituri și pomană de artă la picioarele zei.“
Din fericire, această părere a copiștilor s-a stins - până la urmă, imitația este o formă atât de măgulit, cât și de învățare, iar toată lumea, de la critici de artă la șefii de muzeu, salută cu drag căutarea. Se dovedește că, în ciuda incapacității lor de a vorbi, picturile neînsuflețite și alte piese de artă pot comunica lecții importante artiștilor care își respectă meseria. Așa că data viitoare când veți vedea un copist, nu-i învinuiți să preia proprietăți imobiliare din galeria prețioasă. Mai degrabă, aruncați o privire la munca lor și savurați șansa de a vedea o educație artistică în timp real. Și dacă vă pasionați de un copist, Met-ul acceptă în prezent cereri pentru sezonul său de toamnă 2016.
