Cu puțin mai bine de un an în urmă, Jordan Bennett, un artist indigen din provincia canadiană Newfoundland, se gândea la următoarea sa lucrare. Pe un computer, el a deschis baza de date a colecțiilor online a Smithsonian Institution și a introdus cuvintele „Mi'kmaq” - numele propriei națiuni - și „Newfoundland”. A apărut o fotografie, și apoi o mână mai mult, de la negativele deținute. de Muzeul Național al Smithsonian's Indian American. Au fost împușcați de un antropolog în anii 1930 într-o comunitate la câteva ore distanță de a lui Bennett.
În timp ce le privea, numele unuia dintre subiecți i-a atras brusc atenția: Joe „Amite” Jeddore.
„L-am contactat pe prietenul meu John Nicholas Jeddore”, își amintește Bennett, „și el a spus:„ Acesta este stră-strănepotul meu ”.
Intrigat, Bennett și-a propus să revizuiască fotografiile, iar experiența sa a dus la una dintre cele nouă lucrări de artă care sunt acum vizionate în noua expoziție „Transformer: Native Art in Light and Sound” la George Gustav Heye Center din Muzeul Indian American, din George City.
Fotografia de arhivă a pescuitului de somon Jeddore de la Joe „Amite” din Newfoundland (NMAI) Bennett s-a așezat cu familia Jeddore și împreună și-au dat seama exact unde au fost făcute fotografiile, care arătau Amitei Jeddore care se pregătea să meargă la pescuit cu somon. Bennett și prietenul său, John Nicholas Jeddore, au înregistrat audio în fiecare locație, în mare parte sunete ale aerului în aer liber, cu lătratul ocazional al câinilor sau cu oamenii care trec pe lângă ei. Apoi, prin câteva luni de ascultare și reglare, Bennett a îmbrăcat înregistrările, împreună cu cuvintele membrilor comunității Mi'kmaq, într-un peisaj sonor digital multistrat.
În opera de artă, numită Aosamia'jij — Prea mult prea puțin, această coloană sonoră sofisticată din punct de vedere tehnologic apare acum din spatele unei rețele de coșuri tradiționale Mi'kmaq. Ceea ce Bennett numește „boxele de coș hibrid” a fost un proiect în sine. Artista a petrecut două săptămâni în Nova Scotia, împreună cu bunica și o mătușă a verișoarei sale, învățând țesutul cosului despicat. El a construit boxele, a acoperit fronturile cu coșul țesut și le-a tuns cu iarbă dulce, despre care spune că nu este doar un finisaj decorativ clasic pe coșurile Mi'kmaq, ci și important pentru Mi'kmaq atât ca medicament, cât și pentru „spiritual”. scopuri. ”Cu aceste detalii, el spune:„ Adaugi o parte mai profundă din tine. ”Lucrarea finalizată, spune el, abordează„ istoria familiei Jeddores ”, împreună cu„ propria mea învățare, propria mea înțelegere a tradițiilor Mi'kmaq. "
Antropologul care a făcut fotografiile în 1931 a crezut probabil „aceasta era o cultură pe moarte”, spune artistul. „Am vrut să vorbesc înapoi în memoria Amitei, pentru a-i anunța că continuăm să facem această muncă” - pescuitul tradițional cu somon, precum și țesutul coșului. El a adăugat: „Am vrut să elimin distanța dintre ce a avut Smithsonianul și ceea ce avem în Newfoundland”.
Aosamia'jij — Prea mult prea puțin de Jordan Bennett (Joshua Voda / NMAI) Cosuletul lui Bennett poate fi tradițional, dar multe dintre celelalte lucrări din „Transformer” poartă câteva urme ale ambarcațiunilor indigene. În schimb, firul care leagă toate lucrările din spectacol este că artiștii „lucrează în mass-media contemporană pentru a spune o poveste autohtonă”, spune David Garneau, co-curator al expoziției și profesor asociat de arte vizuale la Universitatea din Regina în Saskatchewan. Incorporând lumină sau sunet sau ambele, operele de artă variază de la portrete digitale și videoclipuri la instalații de sunet. Sunt alimentate cu energie electrică, dar reflectă conținutul tradițional autohton.
Într-un sens, nu există nimic nou în legătură cu acest echilibru între mass-media modernă și tradiția autohtonă. Fie că era vorba de mărgele de sticlă europene importate în urmă cu sute de ani, sau de film și video în secolul XX, „artiștii autohtoni au ridicat mereu tehnologiile disponibile”, spune Kathleen Ash-Milby, co-curator al „Transformer”. Acum, și în special în Canada, unde finanțările guvernamentale sprijină în special arta, tehnologia și artiștii indigeni, artiștii autohtoni adoptă și media digitală. (Șase dintre cei zece artiști din expoziție sunt din Canada, un fapt ambii curatori atribuind finanțării mai puternice acolo. Garneau spune simplu: „Există mult mai puțini artiști care lucrează în acest fel în state.”)
În alegerea lucrărilor pentru spectacol, spune Ash-Milby, aceștia au căutat artiști care preiau tehnologia „într-o direcție foarte estetică”, adică punând accentul pe culoare și formă, mai degrabă decât să spună istorie sau să combată stereotipuri.
Patru generații de Jon Corbett (NMAI) Întâmplător - sau nu - acești artiști s-au dovedit, de asemenea, aceiași „care s-au bazat cu adevărat pe tradiție în opera lor”, spune ea, adăugând ulterior, „Atât de multă expresie tradițională istorică națională a fost legată vizual de formă și design, nu ar trebui Nu va fi surprinzător că această relație continuă.
În videoclipul lui Nicholas Galanin, Tsu Heidei Shugaxtutaan (Vom deschide din nou acest recipient de înțelepciune care a rămas în grija noastră), 1 și 2, dansatorii nativi și non-nativi schimbă rolurile, peruanul-american făcând șoldul cu membrele libere. hop improvizație la o melodie tradițională Tlingit, iar dansatorul Tlingit interpretează un dans tradițional la muzica electronică contemporană. În corbul lui Stephen Foster aduce lumina, o poveste veche de pe coasta de nord-vest este redusă, în mod obișnuit, în sunete de pădure înregistrate și în lumină și umbră pe pereții unui cort.
În cazul celor patru generații ale lui Jon Corbett , tradiția poate fi încorporată chiar în pixeli. Această serie de portrete de familie este alcătuită din imagini digitale cu margele dispuse într-o spirală pe un ecran, cu fețele care apar lent și dispar pe măsură ce mărgelele sunt adăugate și scăzute într-un ritm fascinant. Pixelii de pe ecranul computerului sunt în general dispuse într-o grilă, dar Garneau spune că grila dreptunghiulară are o istorie apăsătoare ca instrument al inspectorilor europeni care au despărțit așezările autohtone în secolul al XIX-lea. Deci, în schimb, artistul a pus margele într-o spirală, o formă mai semnificativă în culturile indigene. Lucrarea răsună cu beadwork-ul autohton, spune Garneau, în timp ce găsește un mod inedit „de a trece peste grila care este ecranul”.
Tsu Heidei Shugaxtutaan (Vom deschide din nou acest recipient de înțelepciune care a fost lăsat în grija noastră), 1 și 2 de Nicholas Galanin (ANM) 
Tsu Heidei Shugaxtutaan (Vom deschide din nou acest recipient de înțelepciune care a fost lăsat în grija noastră), 1 și 2 de Nicholas Galanin (ANM) Marianne Nicolson, The Harbinger of Catastrophe, se ridică cu amenințări care sunt foarte mari din secolul XXI. Comunitatea ei de origine, Kingcome Inlet, BC, a suferit inundații dezastruoase de râu în 2010. „Întreaga comunitate a fost evacuată cu elicopterul”, spune ea. „Am fost acolo de mii de ani și nu a existat niciun precedent pentru aceasta.” Ea crede că inundațiile au fost rezultatul unui secol de exploatare comercială, care a modificat cursul râului, însoțit de schimbările climatice, ceea ce provoacă un ghețar care hrănește râul să se topească. În instalația ei, Nicolson a așezat o lumină mișcată în interiorul unei cutii de sticlă, în stilul unei cutii tradiționale de bentwood Coast Northwest Coast, iar umbrele pe care le aruncă cu centimetri în sus pe pereții galeriei, precum apele inundabile.
În ceea ce privește dimensiunea și forma cutiei, incrustarea ei de coajă și figurile de pe laturile sale, lucrarea se bazează puternic pe tradițiile vizuale indigene din coasta de nord-vest. Dar referințele sale se orientează și spre exterior pentru a include ideile artistului despre pericolele capitalismului și schimbărilor climatice. Nicolson spune că s-a inspirat din situl muzeului din Manhattanul inferior, lângă Wall Street. Pe un capăt al cutiei, ea prezintă achiziția olandeză de Manhattan și „schimbul de bani pentru pământul pe care coloniștii l-au făcut cu indigeni”. Și apele inundate în creștere pe care le evocă, spune ea, ar putea fi la fel de bine cele care a inundat cartierul muzeului după uraganul Sandy în 2012.
Lucrarea include, de asemenea, o imagine a unei broaște țestoase, un animal care este semnificativ pentru multe alte culturi autohtone, dar nu pentru ea. „Am vrut să-l deschid, așa că nu era doar specific locului meu special din acest țar, ci și în toată America de Nord”, spune ea. „Speranța mea este ca învățarea populației autohtone” - cum să aibă grijă de pământ pe termen lung - să fie preluată de cultura mai largă. Avem soluțiile, dacă alte persoane nu le-ar demite. ”
The Harbinger of Catastrophe de Marianne Nicolson (Joshua Voda / NMAI) La fel ca ceilalți artiști din „Transformer”, Nicolson caută urgent noi moduri de a comunica idei vechi. După cum spune Garneau, „Un artist care este autohton se confruntă cu această dilemă: vor fi o persoană tradițională în arta lor”, lucrând strict în media tradițională, cum ar fi quilling sau beading, de exemplu? „Atunci sunt o persoană contemporană, dar nu fac artă contemporană.”
„Unii artiști”, spune el, „încearcă să găsească un spațiu între ei”.
„ Transformer: Native Art in Light and Sound” este vizibil în New York la Muzeul Național al Indiei Americane, George Gustav Heye Center, până pe 6 ianuarie 2019.
