O scurtă istorie a alimentației ca artă

Filippo Tommaso Marinetti a fost primul artist din epoca modernă care s-a gândit la prepararea și consumul alimentelor ca artă. Mișcarea futuristă de avangardă, formată de Marinetti și alți artiști la Milano în 1909, a cuprins epoca industrială și toate lucrurile mecanice - de la automobile și avioane la metode de fabricație și planificare urbană. Ei credeau că gătitul și masa, atât de centrale în viața de zi cu zi a tuturor, ar trebui să fie, de asemenea, centrale pentru idealurile lor vizibile și îndepărtate.

Citiri conexe

Arcimboldo

Continut Asemanator

• Holul produselor lactate din anii 1870 a transformat margarina roz, astfel încât oamenii să cumpere unt

În 1932, Marinetti a publicat The Futurist Cookbook . Nu a fost doar un set de rețete; a fost un fel de manifest. El a aruncat prepararea și consumul alimentelor ca parte a unei noi viziuni asupra lumii, în care divertismentul a devenit performanță de avangardă. Cartea prescria elementele necesare pentru o masă perfectă. O astfel de masă trebuia să prezinte originalitate, armonie, formă sculpturală, miros, muzică între cursuri, o combinație de feluri de mâncare și canapele mici aromate. Bucătarul urma să folosească echipamente de înaltă tehnologie pentru a pregăti masa. Politica nu a putut fi discutată, iar mâncarea a trebuit să fie pregătită astfel încât să nu o necesite articole de argint.

Gândurile lui Marinetti nu ar fi putut prezice rolul mâncării în artă aproape un secol mai târziu. Artiștii contemporani au folosit mâncarea pentru a face declarații: politice (în special feministe), economice și sociale. Au deschis restaurante ca proiecte de artă, au organizat spectacole în care mâncarea este pregătită și servită în galerii și au realizat sculpturi elaborate din materiale comestibile precum ciocolată și brânză. Oribil cum i s-ar putea părea lui Marinetti, unii artiști astăzi chiar îmbrățișează mâncarea ca o respingere a tuturor și a tot ceea ce este obsedat de viitor.

Privind în urmă, mâncarea a jucat întotdeauna un rol în artă: pictorii din peșterile din epoca de piatră au folosit sucul vegetal și grăsimile animale ca ingrediente de legătură în vopselele lor, iar egiptenii au sculptat pictograme de culturi și pâine pe tablete hieroglife. În timpul Renașterii, Giuseppe Arcimboldo, un pictor pentru curtea habsburgică din Viena, iar mai târziu, pentru Curtea Regală din Praga, a pictat portrete generoase de puzzle în care trăsăturile faciale erau compuse din fructe, legume și flori.

Când mă gândesc la mâncare și artă, în mod intuitiv îmi amintesc de viețile mari, frumoase ale epocii de aur olandeze pe care le-am întâlnit pentru prima dată într-o clasă de istorie a artei renascentiste nordice. În aceste picturi glorioase, fiecare suprafață, de la straturile strălucitoare cu pene de carcasă de rață de pe platourile argintii strălucitoare până la pielea de rouă a fructelor și fructelor de pădure, este redată cu atenție pentru a crea iluzia că sărbătoarea stă chiar în fața privitorului. În anii 1600, astfel de tablouri atestau bogăția proprietarilor și implicarea intelectuală. Alimentele înfășurate aveau o semnificație simbolică adesea legată de textele biblice și modul în care obiectele erau aranjate - și care fuseseră consumate - transmiteau un mesaj despre natura trecătoare a timpului sau nevoia de cumpătare.

În calitate de tânăr artist, am studiat redările de mere și portocale ale lui Cezanne. Pentru pictorii postimpresionisti precum Cezanne, observarea din viață a fost doar începutul unui proces în mare măsură imaginativ. Au apreciat culoarea vie și periajele vii asupra hiperrealismului din trecut.

În perioada pop-art-ului, mâncarea a devenit o metaforă socială. Wayne Thiebaud a pictat rânduri de plăcinte și prăjituri în culori pastelate luminoase, care au adus în minte reclame și jucării pentru copii. Prezentat ca afișaje la o cină, mai degrabă decât trăsături casnice ale vieții private, aranjamentele sale reflectau o societate itinerantă în care deserturile somptuoase semnificau abundența americană.

Acest articol este o selecție din Atlasul nostru trimestrial al Călătoriei Smithsonian Journeys Travel

Fiecare cultură are propria bucătărie, iar fiecare bucătărie are propria sa istorie secretă. Această ediție specială a Călătoriilor oferă o privire aprofundată asupra alimentației și culturii culinare de pe glob, incluzând povești aprofundate și rețete preferate.

Cam în aceeași perioadă, artiștii au început să folosească mâncare reală ca material de artă. În 1970, artistul sardonic elvețian-german Dieter Roth, cunoscut și sub denumirea de Dieter Rot, a realizat o piesă intitulată „Staple Cheese (A Race)” - un punct pe „steeplechase” - care a cuprins 37 de valize umplute cu brânză și alte brânzeturi presate pe pereți cu intenția de a se scurge, sau „a alerga” spre podea. La câteva zile după deschiderea expoziției în Los Angeles, expoziția a dat dovadă de o duhoare insuportabilă. Galeria a devenit depășită de vrăjitori și muște, iar inspectorii de sănătate publică au amenințat că o vor închide. Artistul a declarat că insectele erau de fapt publicul său destinat.

Artiste feministe de la sfârșitul anilor ’60 și începutul anilor ’70 au considerat relația americană cu mâncarea în termenii constrângerilor pe care le-a pus asupra femeilor. Feministele au afirmat că aspectele personale - inclusiv cele mai banale din viața de zi cu zi - erau politice. În 1972, Miriam Schapiro și Judy Chicago au închiriat o casă vacantă cu 17 camere din Los Angeles, care era programată pentru demolare și a transformat-o într-o instalație de artă masivă. Schapiro și alte artiști de sex feminin au creat o instalație imersivă în sala de mese, imitând procesul pe care fetele îl urmează atunci când decorează casele de păpuși. Proiectul lor, atât de performanță, cât și de instalație, a condamnat dublul standard al societății - disparitatea dintre așteptări și oportunități pentru bărbați și femei. În timp ce băieții erau pregătiți să reușească în lume, fetele erau așteptate să păstreze casă pentru soții lor. Ulterior, artiștii feministi precum Elizabeth Murray ar sugera ca femeile să fie suficient de puternice pentru a se descurca atât pe plan mondial, cât și pe cele domestice în lucrări precum „Kitchen Painting” (1985), în care o lingură globby legată de o figură care prezidează o bucătărie pare să se încolăcească. planul de imagine și confruntați privitorul.

În 1974, Chicago s-a arătat din nou pe tema mesei de luat masa când a început „The Dinner Party”, un tur de concept conceptual de acum găzduit în Elizabeth A. Sackler Center for Feminist Art, la Brooklyn Museum. Cu o echipă de artizani talentați, de-a lungul câțiva ani, Chicago a conceput o masă de cină triunghiulară de 48 de metri, cu setări pentru 39 de femei notabile din punct de vedere cultural, unele reale și unele mitice, de la preistorie până la mișcarea modernă a femeilor. Fiecare set include un șervețel handmade, o farfurie ceramică, un pahar și un alergător, toate cu iconografie personalizate pentru femeia specifică. Pe măsură ce linia de timp converg în prezent, plăcile devin din ce în ce mai tridimensionale, simbolizând libertatea și puterea politică a femeilor.

În decursul anilor ’90, mulți artiști au fost atonați de înstrăinarea personală care ar rezulta din introducerea computerului de acasă și a altor activități bazate pe ecran. Pentru a remedia anomia naștere, unii au inaugurat disciplina „esteticii relaționale” - cunoscută mai puțin opac ca „sculptură socială” - conform căreia interacțiunea umană, inclusiv mâncarea împreună, a fost concepută ca o formă de artă în sine. Unul dintre cei mai de seamă practicanți a fost Rirkrit Tiravanija, care a început să gătească și să servească mâncare spectatorilor la galerii, lăsând vasele, tăvile și mâncărurile murdare în galerie pe toată durata expozițiilor sale.

Astăzi, artiștii începători încă învață să picteze vieți fixe de fructe și legume. Mai târziu, mulți se îndepărtează de pictură pentru a urmări medii mai noi, mai experimentale, dar artiștii centrați pe alimente continuă adesea să creadă în puterea pigmentului pe pânză. Pictorii din New York Gina Beavers, Walter Robinson și Jennifer Coates sunt exemple bune. Beavers pieptene pe Internet pentru fotografii cu mâncare, pe care apoi le combină în colaje cu imagini multiple și picturi pe pânze mari. Robinson este pre-ocupat cu whisky, cheeseburgers și alte obiecte de dor. Coates se concentrează pe mâncarea de gunoi, realizând tablouri în care s'mores, brânză mac 'n' și pizza iau forme abstracte. În general, există o tensiune sănătoasă între tradiție și iconoclasmă în arta alimentară contemporană. La aproximativ 85 de ani de la publicarea sa, cartea de bucate a lui Marinetti pare în continuare curbă, deși poate nu prea departe.