La 11 metri înălțime, se află - turnuri, într-adevăr - peste privitor. O revoltă de culoare izbucnește dintr-un cadru asemănător unei piramide atârnate de coșuri roșii, verzi, albastre și portocalii realizate din ace de siguranță din margele. Sub ele stă un manechin fără față acoperit din cap până în picioare într-un costum negru și fuchsia.
În vârf, piece de résistance: un iepuraș din papier, accentuat în bomboane roz, cu ochi de desene animate și un zâmbet vag, ușor neobservant. Iepurașul ține un ou, înscris cu mesajul „Paște fericit”.
Cei care sunt familiarizați cu opera artistului Nick Cave vor recunoaște rapid această lucrare din 2009 ca fiind unul dintre semnăturile sale „Soundsuits”, iar acolo se află o saga măturată, de zeci de ani, de sculpturi purtabile din obiecte găsite.
Piesa, aflată în prezent la muzeul Hirshhorn, este un favorit peren în rândul vizitatorilor. „Este distractiv, este plin de umor, este deasupra și este la care oamenii se pot lega”, spune curatorul Evelyn Hankins. „Dar cred că ceea ce este atât de interesant în opera lui Cave este că aceste Soundsuits sunt destinate să fie purtate. Sunt performanți. ”
Cave, un originar din Missouri, care este acum președintele departamentului de modă de la School of the Art Institute of Chicago, a studiat atât artele frumoase, cât și dansul ca tânăr. Și-a primit MFA de la Cranbrook Academy of Art din Michigan în 1989, dar și-a petrecut timp în New York, studiind cu Alvin Ailey American Dance Theatre.
În urma bătăii lui Rodney King în 1991, Cave s-a găsit în parc într-o zi, „simțindu-se aruncat și demis” ca un bărbat afro-american. S-a aplecat și a ridicat o crenguță de pe pământ, și apoi alta, fixându-le în ceea ce el a descris ca un efort pentru a-și proteja propria identitate de lumea exterioară.
Abia când o formă a început să ia contur, ideea de mișcare a apărut. „Construisem o sculptură, de fapt, spune el. „Și atunci mi-am dat seama că îl pot purta și că, prin purtarea și mișcarea, se auzea sunet. Atunci, asta m-a determinat să mă gândesc la [cum] pentru a fi ascultat, trebuie să vorbești mai tare, astfel încât rolul de protest a intrat în joc. Acesta este într-adevăr modul în care Soundsuits a evoluat. ”
De atunci, Cave a produs peste 500 de sunete apreciate pe scară largă într-o gamă amețitoare de materiale și siluete. Lucrările s-au soldat cu mai multe spectacole publice, inclusiv în 2013, Heard Ÿ NY la Grand Central Terminal.
Sunetele au evoluat de-a lungul deceniilor, dar principiile lor fundamentale rămân neschimbate. Toate sunt construite din obiecte găsite sau aruncate; ele ascund toți indicatorii de rasă, sex sau clasă; și sunt menite să fie purtate în performanță, sau cel puțin să sugereze ideea de performanță, așa cum este cazul piesei de la Hirshhorn.
Artiștii au folosit materiale găsite în lucrările lor încă de la începutul secolului XX, când Pablo Picasso, Georges Braque și alții au început să încorporeze tăieturi de ziare și alte obiecte cotidiene în sculptura, colajul și asamblarea lor. Peștera continuă în această linie, favorizând cel mai recent obiectele de artă meșteșugărească de epocă, pe care le susține din piețele de epocă din țară și internațional.
„Nu sunt materiale tradiționale de artă, sunt materiale meșteșugite în mod hotărât”, spune Hankins. „De obicei nu găsești iepurași de Paști în galerii de artă.”
După cum s-a dovedit, iepurasul de Paște - nu schița sau modelul - a servit ca instigator al acestei piese. „Mi-a plăcut acest tip de referință la o anumită perioadă în educația mea de copil și cu cei șapte frați ai mei și am fost îmbrăcată de Paște și am avut parte de aceste vânătoare uimitoare de Paște, înfăptuitoare, la fermă ... Dar mă simțeam în acel moment ca un copil. că ai fost autentic și ai fost minunat și frumos, pentru că asta ți s-a spus. "
Procesul Peșterii este extrem de intuitiv și spune că, odată ce a decis să plaseze iepurasul în vârful sculpturii, piesa a început cu adevărat să prindă contur. Pe măsură ce progresa, a adunat noi straturi de semnificație, evocând idei despre primăvara și renașterea, ritualul de înmormântare african, ritmul, identitatea, arta înaltă și joasă, culoarea, mișcarea și, desigur, sunetul.
În mâinile lui Cave, obiectele sunt apreciate atât pentru nostalgia pe care o provoacă, cât și pentru potențialul lor de a fi îndepărtat din contextul inițial. Nu ne așteptăm să vedem crenguțe, noisemaker, figurine de păsări din porțelan sau iepurași de Paște la un muzeu, dar atunci când este prezentat ca parte a unui Soundsuit, privitorul își imaginează materialele care se balansează, se jonglează, se învârtesc sau se aglomerează într-un mod surprinzător. Aceste obiecte, care altfel ar fi aruncate ca „artă scăzută”, produc o experiență senzorială cu totul nouă.
The Hirshhorn's Soundsuit este în prezent afișat în „At the Hub of Things”, expoziția de 40 de ani de la muzeu. Hankins spune că ea și co-curatorul Melissa Ho au decis să organizeze spectacolul prin gruparea artiștilor din diferite perioade în jurul temelor dezlănțuite. Soundsuit împărtășește o galerie cu lucrări de Christo, Claes Oldenberg și Isa Genzken. Cea mai veche lucrare este Barajul lui Robert Rauschenberg, o combinație din 1959 creată în același an în care s-a născut Peștera.
„Rauschenberg, desigur, a fost faimos pentru că a vorbit despre faptul că a dorit să pună capăt decalajului dintre artă și viață - sau de a lucra între cei doi”, spune Hankins. „Cred că unul dintre lucrurile pe care muzeele le prind acum este modul de documentare și captare a performanței, care este prin definiție un eveniment efemer. La fel cum Rauschenberg a redus decalajul dintre artă și viața de zi cu zi, Peștere se reduce distanța dintre obiectele statice și performanță. "
„De obicei, nu găsești iepurași mari de Paști în galeriile de artă”, spune unul dintre curatorii lui Hirshhorn. (Nick Cave 2009 Soundsuit, Hirshhorn Museum) Opera lui Cave ar putea fi amintită pentru că a forțat lumea artei să reconsidere acest decalaj, dar ceea ce face ca opera sa să fie atât de atrăgătoare este că atinge atât de multe teme diferite. „Se poate vorbi de colaj și asamblare, se poate vorbi de performanță, se poate vorbi de idei despre autenticitate și originalitate, și rolul artistului și originalitatea în artă și toate aceste alte lucruri”, spune Hankins. „Și cred că acesta este unul dintre motivele pentru care Peștera este respectată atât de mult, deoarece munca - mai ales în cazul piesei noastre - lucrarea la început pare să fie doar un fel de amuzant și kitschy, dar de fapt este această implicare foarte serioasă cu aceste diferite teme și istorie. ”
Cave spune că a asistat adesea spectatorilor angajați într-o conversație sufletească despre munca sa. Acesta este tocmai efectul pe care îl urmărește: „Vreau ca spectatorul să poată privi lucrarea și să putem vorbi despre mai multe lucruri. Dar nu se înscrie doar în acest singur mod de a gândi despre obiect. Putem vorbi despre asta ca obiect decorativ. Putem vorbi despre asta ca o formă sculpturală. Îl putem descompune și vorbim despre piese individuale în întregul ansamblu. Putem vorbi despre model. Putem vorbi despre culoare. Putem vorbi despre ritm, sunet. Deci devine cu adevărat mai universal în mesajul său. ”
La mai bine de 20 de ani după ce Cave a ridicat acea primă crenguță, impulsul emoțional pentru Soundsuits rămâne mai relevant decât oricând. Artista spune că în prezent lucrează la o serie despre Trayvon Martin pentru un viitor spectacol în Detroit. El spune că intenționează, de asemenea, să abordeze unele dintre cele mai recente cazuri de profilare rasială în locuri precum Ferguson și New York.
„Toate aceste incidente care s-au întâmplat în ultimul an au fost doar scandalos”, spune Cave. „În acest moment, lucrez la ceea ce las în urmă. Dar cred că această lucrare nu se poate încheia niciodată . ”
Vedeți Soundsuit de Nick Cave, 2009, la expoziția de la Hirshhorn „La hub of Things: New Views of the Collection”, aflată în prezent la etajul al treilea al muzeului. Spectacolul dezvăluie o perspectivă nouă asupra clădirilor de artă moderne și contemporane ale muzeului și prezintă recentele renovări ale galeriei. În mod sigur, expoziția include instalații la scară largă de Spencer Finch, Robert Gober, Jannis Kounellis, Bruce Nauman și Ernesto Neto, precum și picturi și sculpturi de Janine Antoni, Aligheiro e Boetti, Cai Guo-Qiang, Isa Genzken, Alfred Jensen și Brice Marden, printre altele.
