Deși 17 august, Ziua Națională a Magazinului Thrift, este destinată ca o sărbătoare ușoară a unui obicei comercial acceptabil, procesul de a face ca magazinele de prosoape să fie implicate în avocații neobișnuiți. Așa cum descriu în cartea mea recentă De la bunăvoință la Grunge, magazinele de criză au apărut la sfârșitul secolului al XIX-lea, când organizațiile conduse de creștini au adoptat noi modele de filantropie (și au ajutat la reabilitarea imaginii magazinelor second-hand dublându-și magazinele de gunoi „magazine de prosperare”).
Astăzi, există mai mult de 25.000 de magazine revândute în America. Celebritățile se laudă adesea cu scorurile lor second-hand, în timp ce muzicienii au lăudat bunurile folosite în melodii precum hit-ul din 1923 al lui Fanny Brice, „Second-Hand Rose”, și Macklemore și Ryan-ul din 2013, „Thrift Shop”.
Cu toate acestea, în ultimii 100 de ani, artiștii vizuali merită, probabil, cel mai mult credit pentru locul de cumpărături în economie din mediul cultural.
Slavă în aruncat
De la urinarul gata pregătit din 1917 al sculptorului Marcel Duchamp până la popularizarea unui pope de gunoi al regizorului John Waters, artiștii vizuali au căutat de mult timp bunuri de ocazie pentru inspirație creativă, folosindu-le și pentru a critica ideile capitaliste.
În timpul Primului Război Mondial, artiștii de avangardă au început să folosească obiecte aruncate - furate sau strânse, sau achiziționate de pe piețele de vechituri și din magazinele de prosperare - pentru a împiedica comercializarea în creștere a artei. André Breton, Marcel Duchamp și Max Ernst au fost printre primii care au transformat obiectele deoparte direct în opere de artă cunoscute drept „gata” sau „obiecte găsite” sau pentru a canaliza inspirația din astfel de bunuri în tablourile și scrierile lor.
Coincidând cu (și ieșind din) mișcarea de artă anti-artă Dada, care a respins cu ardoare logica și esteticismul capitalismului, mișcarea care înconjura acea ridicare a obiectelor deținute anterior va avea în curând un nume: suprarealism.
În lucrarea sa semi-autobiografică din 1928, „Nadja”, Breton, „tatăl suprarealismului”, descrie cumpărăturile second hand ca o experiență transcendentă. Obiecte aruncate, a scris el, au fost capabile să dezvăluie „sclipiri de lumină care să te facă să vezi, să vezi cu adevărat.” Exilat de guvernul francez Vichy în anii 40, Breton s-a stabilit în New York, unde a căutat să inspire alți artiști și scriitori. luându-i în magazinele de priză inferioară Manhattan și piețele de vechituri.
În timp ce „Fântâna” lui Duchamp este poate cea mai cunoscută piesă de artă sculpturală derivată dintr-un obiect găsit, „Roata Bicicletei” (1913) gata făcută chiar mai devreme. „Cadoul” lui Man Ray (1921) a prezentat un platon de zi cu zi cu un șir de șireturi de aramă fixate la suprafața sa.
În timp ce bărbații păreau să domine suprarealismul, surse recente evidențiază importanța baronezei Elsa von Freytag-Loringhoven, pe care savanții îi sugerează ar fi putut să-i fi donat lui Duchamp faimosul său urinar, făcând colaborarea „Fântână”. În aceeași perioadă, Duchamp a afișat „Fântâna”, în care baronașa excentrică și talentată a creat „Dumnezeu” (1917), o capcană de plumbing din fontă din metal turnat.
„Fântână” a lui Marcel Duchamp din 1917 (James Broad, CC BY-NC) Estetica gunoiului
Suprarealismul s-a bucurat de cea mai mare reputație de-a lungul anilor 1920 și 1930, cu preceptele sale care acoperă totul, de la poezie la modă. Apoi, în anii 1950 și 1960, New York a fost martorul creșterii unei estetice de gunoi de avangardă, care a inclus bunuri aruncate și reînvierea unor teme și personaje trecute din „epoca de aur” a filmului de la Hollywood. Stilul a devenit cunoscut sub numele de „tabără”.
La începutul anilor ’60, Theatre of the Ridiculous, un gen subteran, avangardist, al producției de teatru, a înflorit la New York. În mare parte inspirat de suprarealism, Ridiculous a rupt tendințele dominante ale actului naturalist și ale setărilor realiste. Elementele proeminente au inclus parodii de îndoire a genului de teme clasice și o stilizare cu mândrie gaioasă.
Genul s-a bazat în special pe materiale de ocazie pentru costume și seturi. Actorul, artistul, fotograful și cineastul subteran Jack Smith este văzut ca „părintele stilului”. Lucrarea sa a creat și tipificat sensibilitatea ridicolă și a avut o dependență aproape obsesivă de materialele second-hand. După cum a spus Smith odată, „Arta este un mare magazin de prosperare.”
Probabil este cel mai cunoscut pentru filmul său grafic din 1963, „Flaming Creatures”. Cenzorii șocante, cu accentuarea penisului flasc și sânii jigging, filmul a devenit zero în luptele anti-porn. Afișările sale suprarealiste de interacțiuni sexuale ciudate între bărbați, femei, travestiți și un hermafrodit au culminat cu o orgie alimentată de droguri.
Potrivit lui Smith, „Flăcări creaturi” a fost întâmpinată de dezaprobare nu din cauza actelor sale sexuale, ci din cauza esteticii sale de imperfecțiune, inclusiv folosirea hainelor vechi. Pentru Smith, alegerea îmbrăcămintei demodate a fost o formă mai mare de subversiune decât absența îmbrăcămintei.
După cum subliniază Susan Sontag în faimoasa sa evaluare a taberei, genul nu este doar o sensibilitate ușoară, batjocoritoare. Mai degrabă, este o critică a ceea ce este acceptat și ce nu. Lucrarea lui Smith a respins obiceiul reflexiv al artiștilor de a face eforturi pentru noutate și noutate și a ajutat la popularizarea unei estetice neobișnuite care a continuat în trupe precum The New York Dolls și Nirvana. O listă lungă de artiști îl citează pe Smith ca o inspirație, de la Andy Warhol și Patti Smith, la Lou Reed și David Lynch.
Revolta a început
În 1969, articole din enormul cache de articole second-hand de la Smith, inclusiv rochii din anii 1920 și mormane de boas, și-au găsit drumurile în dulapurile unei trupe de dragoste psihedelice din San Francisco, Cockettes. Grupul s-a bucurat de un an de popularitate sălbatică - chiar a marcat un spectacol mult așteptat al orașului New York - la fel de mult pentru costumările lor prospere, cât și pentru producțiile lor satirice extraordinare. Termenul „genul de sex” a ajuns să însemne estetica grupului de bărbați cu barbă, bătuți și născuți, un stil încapsulat de liderul păstorit al Cockettes, Hibiscus.
Stills of Hibiscus din documentarul din 2002 „The Cockettes” („Cockettes”) Cockettes s-au împărțit anul viitor în urma unei dispute privind admiterea taxării, însă membrii au continuat să influențeze cultura și stilul american. Fostul membru al Cockettes, Sylvester, va deveni o vedetă a discotecii și unul dintre primii muzicieni de factură de top în mod deschis gay. Un membru ulterior al Cockettes, Divine, a devenit apreciatul muzeu al lui John Waters, jucând un șir de „filme de gunoi” - printre care „Hairspray”, care a însumat 8 milioane de dolari SUA pe plan intern - care aproape că a luat teatrul ridicul în mainstream. Până atunci, o estetică plină de gunoi, care se baza pe bunurile de ocazie, a devenit un simbol al rebeliunii și o expresie a creativității pentru nenumărați copii din clasa mijlocie.
Pentru mulți astăzi, cumpărăturile de prosperați sunt un hobby. Pentru unii, este un vehicul pentru a perturba ideile opresive despre sex și sexualitate. Și pentru alții, înflorirea este o modalitate de a reutiliza și recicla, o modalitate de a subvertiți subtil capitalismul mainstream (deși unele lanțuri de prosperitate mamut cu practici de muncă controversate tind să obțină cele mai mari avantaje monetare). Conducând taxa, artiștii au conectat produsele de ocazie cu creativitatea individuală și disprețul comercial. Ceea ce a început cu suprarealiștii continuă astăzi cu hipsterii, iubitorii de epocă și studenții de grad, care sărbătorește opțiunile outré și potențialul de economisire a costurilor pentru mărfuri aruncate.
Acest articol a fost publicat inițial pe The Conversation.
Jennifer Le Zotte, profesor asistent de cultură materială și istorie, Universitatea din Carolina de Nord Wilmington
