Conectarea prezentului la trecut este misiunea centrală a istoricilor și mai ales a istoricilor care lucrează în muzee. O nouă expoziție, „Dark Fields of the Republic”, pe care am tratat-o pentru Galeria Națională de Portret, privește fotografia lui Alexander Gardner, un student al lui Mathew Brady, care a fost printre primii care au documentat ororile câmpurilor de luptă ale Războiului Civil. În perioada eroică și tragică de mijloc a secolului XIX american, imaginile șocante ale lui Gardner cu morții au fost cele care au ajutat la lansarea în lumea modernă.
Continut Asemanator
- Alexander Gardner s-a văzut ca artist, creând imaginea războiului în întreaga sa brutalitate
- De ce nu ne putem îndepărta ochii de grotesc și macabru?
- Imagini vii cu victime ale războiului civil Inspirați un muzeu interior al unui savant
Martha McDonald, o artistă de performanță din Philadelphia, a fost atrasă de întrebările despre ritualurile victorioase de doliu în lucrările sale anterioare The Lost Garden (2014) și The Weeping Dress (2012) și când am rugat-o să creeze o piesă care să însoțească și să amplifice temele spectacolului Gardner, ea a fost de acord.
Gardner a fost una dintre figurile majore ale revoluției fotografice în artă și cultură care a avut loc în Statele Unite și Europa la mijlocul secolului XIX. Născut în scoțieni și cu o clasă de lucru, Gardner a fost fascinat de tehnologia emergentă a fotografiei și și-a găsit un loc de muncă în studioul lui Brady, pentru care a făcut atât fotografie de portret, cât și, cel mai important, a început să facă poze cu peisajele de luptă ale Războiului Civil. Succesul fotografiilor sale în expoziția sa din 1862, „The Dead at Antietam” i-a permis lui Gardner să se izbească de unul singur, să-și înființeze propria galerie la Washington și să continue să facă poze cu Războiul și mai apoi cu vestul american.
Pentru a sugera dimensiunile complete ale acelei experiențe trecute, programele artistice și culturale în poezie, dans și artă performantă vor susține expoziția. McDonald, care a fost în procesul de creare a lucrării Imnul spitalului: Elegie pentru soldații pierduți, s-a așezat cu mine pentru a discuta intențiile și scopurile ei artistice, precum și cariera ei de artist de performanță. Piesa va debuta pe 17 octombrie la muzeu.
David Ward: Clădirea portretului a fost folosită ca depozit de trupe, ca spital, iar Walt Whitman a lucrat ca asistentă în clădire. Cât de mult s-a jucat istoria clădirii în modul în care v-ați conceput opera?
La prima mea vizită pe site, am fost imediat lovit de ideea că această clădire superbă, impunătoare, a fost odată umplută de bolnavi și muribunzi. Am început să mă gândesc la toate spiritele care erau încă prezente în clădire și m-am gândit că acesta este un teritoriu cu adevărat bogat pentru al meu. M-am întors acasă din acea vizită și am citit Zilele specimenului lui Whitman, care este în mare parte despre timpul său de asistent medical în timpul Războiului Civil. Whitman scrie în mod special despre vizitarea soldaților din spitalul de brevete și despre cât de ciudat era să vezi toate paturile aliniate lângă cazurile modelelor de brevete, mai ales noaptea când erau aprinse. Am fost surprins de cum Whitman era obsedat și de inimă în privința „soldatului necunoscut” - mii de soldați din Uniune și Confederați care au murit departe de casă, fără familie sau prieteni în jur și cât de mulți dintre ei au fost înmormântați în masă, nemarcați morminte, sau nu îngropate deloc, au rămas doar să se descompună în pădure sau pe câmpul de luptă.
Al doilea lucru care m-a lovit a fost fascinația lui Whitman pentru modul în care natura a servit ca un fel de martor al suferinței și pierderii războiului. El își imaginează un soldat rănit în luptă care se târâie în pădure pentru a muri, trupul său fiind ratat de echipele de înmormântare care au venit câteva săptămâni mai târziu în timpul unui armistițiu. Whitman scrie că soldatul „se prăbușește în pământul-mamă, neîngropat și necunoscut”. Acum știu din citirea Republicii de suferință a lui Drew Gilpin Faust că acesta nu a fost doar un incident imaginat, ci unul care s-a întâmplat cu mii de soldați în război. Atât Specimen Days, cât și poeziile ulterioare ale Războiului Civil din Whitman sugerează că trupurile acestor soldați necunoscuți au devenit compostul națiunii - spiritele lor sunt acum prezente în fiecare lama de iarbă, în fiecare tuns de grâu și în fiecare floare. El scrie: „… morții infiniti - pământul întreg saturat, parfumat cu expiratia lor de cenușă impalpabilă în chimia Naturii distilate și va fi așa pentru totdeauna, în fiecare viitoare grâu de grâu și ureche de porumb și în fiecare floare care crește și fiecare respirație pe care o tragem ... ”
Artista de performanță Martha McDonald își lansează noua lucrare Hospital Hymnal: Elegy for Lost Soldiers la National Portrait Gallery pe 17 octombrie 2015, la 13:00 (Fotografie de Kelly Cobb) DW: Portofoliul lui Gardner, „The Dead at Antietam” a provocat o senzație când a fost expus în New York City în octombrie 1862. The New York Times a comentat că fotografiile aveau o „distinctie teribilă” care aducea realitatea războiului acasă. Ați vorbi puțin despre modul în care au jucat temele expoziției despre modul în care ați conceptualizat piesa?
Mă gândeam cum aș putea exprima această idee într-o reprezentație în Sala Mare și aveam această viziune de a completa întreaga sală cu flori de pâslă roșie - genul de flori pe care o văduvă, mamă sau soră îndurerată le-ar fi putut crea în ea Salonul din secolul al XIX-lea din mătase sau hârtie sau ceara pentru a-l comemora pe persoana iubită pierdută. Am conceput-o ca pe o adunare a muncii tuturor acestor dureri, durerea unei națiuni de jale.
Apoi am avut ideea să sugerez spitalul temporar, căptușind holul cu pătuțuri militare acoperite în foi albe și că aș pune florile roșii în cutii de perne și să eliberez florile în performanță, prin tăierea fiecărei perne deschise pentru a sugera rănile tindeți în Spitalul de brevete și sângele vărsat. Am vrut să sugerez atât pierderea vieții, dar și munca de jale care a fost făcută de toți cei rămași în urmă, care s-au străduit să-și jeleze cei dragi, fără un trup de îngropat.
Aceasta este o problemă similară cu care s-au confruntat îndrăgostiții după 11 septembrie. Această întrebare despre cum vă întristați fără un corp este importantă pentru mine. Așadar, miile de flori pe care le voi elibera sugerează enormitatea pierderii, dar sunt, de asemenea, simboluri de reînnoire și renaștere, așa cum se sugerează în imaginile compostate de Whitman cu flori izvorâte din câmpurile întunecate ale luptei.
DW: Am fost atrasi de tine datorita muncii tale personificatoare. Și am avut conversații despre titlul expoziției „Dark Fields”, care sugerează greutatea și aspectele tragice ale unei perioade cruciale din istoria americană.
În expoziție există o fotografie a lui Alexander Gardner care arată trupurile soldaților morți aliniați pe câmpul de luptă înainte de a fi îngropați. Când am văzut prima oară fotografia, am fost copleșit de numărul mare de morți, dar am găsit, de asemenea, ciudat de felul în care trupurile lor formau un arc lung pe câmp. Este aproape sculptural.
Când mă uit la copia fotografiei pe care am atârnat pe perete în studioul meu și apoi mă uit la mormanul de flori roșii de pe pătuțul pe care l-am instalat acolo, se simte că florile mele roșii pot fi văzute și în picioare. -pentru soldații pierduți, volumul pur de flori aluzând imensitatea pierderii umane. Fotografiile de la Gardner vor informa vizionarea publicului despre abordarea mea mai lirică asupra subiectului.
De asemenea, voi face o broșură mică pentru audiență ca mărime similară cu micile caiete pe care Whitman le ținea în timp ce vizitau soldații. Broșura va avea câteva informații de fond despre utilizarea Biroului de Brevete ca spital și rolul lui Whitman acolo, precum și versuri pentru cântecele pe care le cânt. Astfel, oamenii vor primi un pic de educație și din acest lucru.
Pentru o piesă pe care a făcut-o pe ritualurile de rochie victoriană de doliu, artista Martha McDonald a aflat că moarele din țesături pătea uneori pielea. ( Portret plâns (petele lacrimogene), 2010, fotografie de Matthew Stanton) DW: Cred că uităm cât de obișnuită a fost viața obișnuită în jurul anilor 1850-80 - să nu spunem nimic despre volumul de zgomot într-o luptă precum Gettysburg - și în mod similar mirosul și mirosurile din acea perioadă. Oamenii de astăzi nu își dau seama cât de neplăcut a fost - rahat de cai pe străzi, mori de bronzare, corpuri neînvins, haine care nu au fost niciodată curățate. Cât de mult din asta vei aduce la locul de muncă?
O, mirosurile secolului al XIX-lea! Nu-mi pot imagina decât groaza de toate! Citind „ Specimen Days” și „ Republic of Suffering” al lui Whitman, cu siguranță, mi-au oferit un sentiment al mirosurilor putrute care s-ar fi învârtit în jurul lagărelor de război civil, spitale și câmpurile de luptă, dar orașele erau și locuri destul de mirositoare de păsări.
M-am gândit mult la asta când cercetam rochii victorioase de doliu și cum coloranții instabili pe bază de plante colorau corpurile femeilor. Oamenii s-au scăldat atât de rar, petele atârnând de mult timp, uneori mult timp după ce s-au îndepărtat de jale. Rețetele pe care le-am găsit în revistele de doamne pentru îndepărtarea petelor păreau oribile - principalul lucru pe care îl foloseau era acidul oxalic, ceea ce folosești pentru curățarea obiectelor de argint. Nu mă adresez în niciun fel mirosurilor din secolul al XIX-lea, dar sunt interesat de alte experiențe senzoriale propuse din perioada - sunetul picioarelor mele răsunând prin hol în timp ce merg de la pătuț la pătuț, textura aspră a florilor din pâslă impotriva crocantei foilor albe.
DW: conceptualizăm trecutul prin documente sau portrete scrise - înainte de secolul XX au fost puține înregistrări - avem tendința de a considera trecutul ca fiind silențios, care cred că joacă în romantizarea noastră - înghețat în tăcere ca o expoziție expusă în spatele sticlei. Cum vă veți adresa asta?
Voi cânta o serie de imnuri vechi care au fost populare în perioada războiului civil, unele preluate din tradiția sacului harpului din Sud și altele care sunt imnuri populare din Nord, cum ar fi „Shore Shore”. Am citit recent că [imnul ] a fost foarte popular în rândul soldaților din timpul războiului, dar a căzut din modă, deoarece le-a amintit veteranilor prea mult din război. Nu este de mirare cu refrenul său: „Deocamdată stăm pe firul Iordaniei / Prietenii noștri trec / Și chiar înainte de țărmul strălucitor / Am descoperit aproape.”
DW: Cum joacă acele imnuri în performanța ta?
Muzica pe care o voi cânta se bazează pe amintirea lui Whitman de a fi mers într-un spital la Armory târziu într-o noapte și de a auzi un grup de asistente cântând soldaților. El descrie melodiile drept „imnuri declamatorii” și „melodii vechi ciudate” și enumeră câteva versuri pentru „The Shining Shore”, pe care le învăț acum. El descrie vederea „bărbaților care se culcă și coboară în spital în pătuțurile lor (unii răniți rău - unii nu se ridică niciodată de acolo) pătuțurile cu draperiile lor de perdele albe și umbrele” pe care le aruncă. Cum și-au înclinat capul pentru a asculta.
El spune că unii dintre bărbații care nu erau atât de departe au cântat împreună cu asistentele. Am fost surprins când am citit acel pasaj despre cântat în spitale, dar apoi mi-am amintit toate relatările pe care le citisem despre familii din secolul al XIX-lea care cântau acasă pentru recreere și cântau în jurul patului unui iubit bolnav sau muribund și mi-a amintit. cât de obișnuită a fost muzica (sau „muzica făcută acasă”, așa cum Whitman și-a intrat intrarea despre asistentele care cântă) în secolul al XIX-lea. Oamenii cântau pentru fiecare ocazie.
Și cum am menționat mai devreme, cântarea a oferit o modalitate pentru ca oamenii să exprime emoții intense - prea intense pentru societatea politicoasă - cum ar fi durerea și pierderea. Sunt un mare credincios în puterea vindecătoare a unei melodii triste. Când se cântă un lament, cântăreața invită ascultătorii să intre în contact cu propria lor întristare. Interpretarea unui lament sau a unui imn trist creează un spațiu în care oamenii pot să plângă sau să își trăiască emoțiile în public, într-un mod care este profund vindecător, deoarece permite ascultătorilor să trăiască propriile drame personale într-o mulțime de indivizi care procesează fiecare propria lor întristare sau experimentarea altor emoții profunde.
DW: Ați evoluat o serie de piese care se bazează pe istoria americană, pe care trebuie să le laud ca istoric american. Ce te atrage spre trecut?
Munca mea se angajează într-un dialog între trecut și prezent. Găsesc rezonanță profundă cu meșteșugurile și cântecele populare pe care oamenii le-au folosit în secolele 18 și 19 pentru a face față și a exprima sentimentele de pierdere și dor. Potrivesc aceste forme de artă istorică în spectacolele și instalațiile mele ca un mod de a-mi articula propriile pierderi și dor și de a explora prezența și absența. Privesc spre trecut să reflectez asupra prezentului, dar nu sunt cu siguranță singurul artist american care privește istoria noastră ca sursă de inspirație.
DW: Am impresia că artiștii contemporani nu sunt atât de interesați de istoria americană ca sursă sau inspirație - greșesc?
Lucrarea mea poate fi contextualizată în cadrul unui grup de artiști contemporani care se ocupă de istorie și folclor pentru a explora narațiunea personală și a reflecta asupra actualului climat socio-politic, artiști precum Dario Robleto, Allison Smith și Duke Riley. Acești artiști se potrivesc cu meșteșugurile populare pentru a-și transmite narațiunea personală, inclusiv lucrările de păr din secolul al XIX-lea și arta în șanț de soldați (Robleto), scrimshaw și arta tatuajului marinarilor (Riley) și costumele reeditorului de război civil (Smith).
Au fost câteva expoziții recente ale artiștilor contemporani care se ocupă de istorie, inclusiv „Old American Weird: Folk Themes in Contemporary Art” la Contemporary Arts Museum Houston (2008) și „Ahistoric Occasion: Artists Making History” la MASSMoca (2006) care arată lărgimea acestei tendințe.
DW: Ești o feministă angajată, ai putea vorbi despre recuperarea vocii femeilor ca un aspect al înțelegerii noastre istorice în evoluție.
Întotdeauna am fost interesat să recuperez vocile femeilor în lucrarea mea - fie că privesc stereotipurile feminine din operă, literatură și mitologie, cum am făcut-o în munca mea timpurie, fie că explorez istoria femeilor ca păstrătoare a memoriei în lucrarea mea mai recentă. A fi feministă este parte integrantă a practicii mele de artă.
Opera mea este un fel de răspuns performant la istoria socială a femeilor, în toată bogăția, complexitatea și invizibilitatea ei. Există o carte cu adevărat grozavă pe care am citit-o recent, numită Femeile și cultura materială a morții, care se referă la recuperarea muncii în mare măsură invizibile pe care femeile au făcut-o de-a lungul secolelor pentru a comemora pe cei dragi pierduți și a păstra în viață memoria familiilor, a comunităților și a țării. Drew Gilpin Faust abordează, de asemenea, rolul cheie pe care femeile l-au jucat în vindecarea națiunii după războiul civil din cartea ei.
Sunt inspirat ca artist de aceste forme meșteșugărești, dar cred că este important ca oamenii să știe despre ele ca practici materiale care au ajutat societatea să se adreseze și să trăiască cu moartea și pierderea. Societatea contemporană nu are aceste ritualuri. Negăm moartea și îmbătrânirea. Drept urmare, suntem în afara de contact cu propria noastră impermanență, care provoacă tot felul de probleme precum lăcomia, infracțiunile de ură, distrugerea mediului etc.
Sper ca munca mea să le amintească oamenilor despre impermanență și să se gândească la propriile lor vieți și la cum ar putea adapta unele dintre aceste ritualuri pentru a face față și a trăi cu pierderea care este în jurul lor.
DW: Vorbeste putin despre evolutia sau traiectoria ta artistica si despre cum ai fost antrenat initial.
De obicei mă refer la mine ca un artist interdisciplinar. Realizez instalații și obiecte pe care le activez în performanță pentru a transmite narațiune. În ultimii 10 ani, munca mea s-a concentrat mult pe intervențiile specifice site-ului în muzeele și grădinile istorice ale casei unde am atras site-ul și poveștile acestuia pentru a explora cum aceste locuri publice se conectează cu istoriile private și cu stările emoționale.
Practica mea de artă s-a dezvoltat printr-o traiectorie destul de neconvențională. Am început să lucrez ca jurnalist. Am fost scriitor de ziare și reviste. De asemenea, am cântat cu ansambluri baroce profesionale - spectacol în biserici și săli de concerte. La mijlocul anilor 1990, am străbătut cărări cu o scenă de artă performantă, extrem de politizată din Philadelphia, în spectacole în cabarete și cluburi de noapte.
În timp ce îmi cântam ariile baroce în acest mediu al reginelor drag și al activiștilor SIDA, am descoperit potențialul puternic al costumelor de a transmite narațiuni. Nutrit de regine binevoitoare drag în acest mediu super teatral, am dezvoltat piese de spectacol care au atras artificiul operei baroce și personajele mitologice care i-au atras pentru a explora genul, identitatea și puterea și propriile narațiuni personale.
Mi-am atras fondul jurnalismului pentru a face cercetările grele și pentru a scrie monologuri despre care am vorbit publicului. Am făcut o piesă despre sirene, sirene și harpii - jumătate din femei / jumătate-bestii care nu se încadrează pe uscat, pe mare sau în aer - și relația mea cu ele. Am explorat pe Madwoman în Opera. Am făcut o altă piesă mare analizând munca epică a mitologiei Penelope de a țesea și de a nu dori să exploreze durerea așteptării și a acceptării, bazându-mă pe moartea mamei mele. Aceste spectacole includeau deseori proiecții video (am cântat duetul de sirenă al lui Henry Purcell cu mine în videoclip), seturi elaborate și uneori alți cântăreți și dansatori.
DW: Ca persoană interesată să creeze artă, cum ați evoluat într-un artist de performanță.
După ani de zile în care am arătat o muncă în teatre, am început să mă simt într-adevăr limitat de planitudinea prosceniei teatrale și distanța publicului care stă pasiv în teatrul întunecat. În acea perioadă am fost invitat de muzeul și biblioteca Rosenbach din Philadelphia să fac o piesă ca răspuns la colecția lor de cărți rare și arte decorative.
Am fost fascinat de modul în care frații Rosenbach și-au folosit colecțiile pentru a se reinventa: au crescut ca fii ai unor comercianți evrei de clasă mijlocie care au dat faliment, dar în timp ce frații au acumulat o avere din vânzarea de cărți rare în anii 1920, și-au asumat stilul de viață generos. a domnilor din țara engleză. Spectacolul meu a condus publicul într-un tur al muzeului, concentrându-se pe obiecte care se prefacu că sunt altceva - oglinzi chinoiserie, mobilier Empire, folii Shakespeare forjate - pentru a examina modul în care ne folosim obiectele pentru a ne redefini.
Făcând spectacolul Rosenbach m-a făcut să-mi dau seama că nu eram atât de interesat să creez „magie scenică” pentru a transporta publicul în altă parte. Ceea ce voiam cu adevărat să fac a fost să-i duc literalmente pe site-uri și să le descopăr istoriile ascunse printr-un fel de turneu de cântece.
De atunci am condus publicul printr-o grădină botanică din secolul al XVIII-lea, un cimitir victorian (ambele din Philly), pe o barcă minusculă care călătorește pe un râu prin centrul Melbourne, Australia, și pe drumurile de transport și într-un particular în -home teatru proiectat de Leon Bakst în anii 1920 în subsolul unui conac din Baltimore. În toate aceste piese, interesul meu principal a fost să trezesc publicul din experiența de a fi pe site - mirosul și gustul ierburilor din grădina de bucătărie, vântul în copaci și înghițiturile care se hrănesc cu insecte din cimitir, navele de containere uriașe care au înnegrit micuța noastră barcă pe râu și unghiul soarelui apus la amurg. Am început să vorbesc din ce în ce mai puțin în spectacolele mele și să las site-ul și obiectele mele să vorbească mai mult.
Cântarea a fost întotdeauna centrală în practica mea de artă. Este probabil cel mai esențial mod de exprimare pentru mine. Simt că îmi permite să comunic cu un public mult mai profund decât poate vorbi. Permite un alt tip de contact emoțional. Ca membru al audienței, am o emoție atât de mare când simt vibrația vocii unui cântăreț - mai ales aproape de aproape - în propriul meu corp. Știu cât de puternic poate fi asta. Cântarea îmi permite, de asemenea, să explorez și să activez acustica acestor spații și să evoc amintirile oamenilor care au trăit și au lucrat acolo. Este aproape ca și cum le conving spiritele prin cântec.
Când m-am mutat în Australia în 2008, am avut ocazia și libertatea incredibilă de a experimenta cu munca mea, de a încerca lucruri noi și de a-i împiedica pe alții. Am încetat să cânt muzică barocă în acel moment pentru că voiam să petrec mai mult timp făcând obiectele și costumele și mai puțin timp păstrându-mi vocea în formă. Trebuie să fii ca un sportiv profesionist care să cânte muzica respectivă - vocalizând câteva ore pe zi, 5-6 zile pe săptămână. Când am început să lucrez în Australia cu privire la cultura de doliu victoriană, m-am reconectat cu muzica populară Appalachiană și îmi găsesc în continuare melodiile și versurile bântuitoare atât de bine pentru a exprima dorința și pierderea. De asemenea, mă interesează foarte mult modul în care imigranții anglo-irlandezi au adus aceste melodii în America, ca rețineri ale caselor pe care le-au lăsat în urmă. Mă fascinează modul în care oamenii folosesc oamenii pentru a se lega de oamenii și locurile pe care le-au pierdut și de a-și exprima sentimente pe care nu le sunt capabile sau nu au voie să le exprime în societatea politicoasă.
Mă interesează să duc publicul într-o călătorie fizică prin timp și spațiu, adesea plimbându-i literalmente printr-un site. Dar, de asemenea, vreau să le duc într-o călătorie emoțională prin muzica și imaginile vizuale pe care le creez - pentru a-i încuraja să se gândească la propriile lor vieți și la propriile pierderi.
DW: Ca o întrebare finală, ce sperați să obțineți în crearea și interpretarea acestei piese?
Bănuiesc că sper să obțin mai multe lucruri cu performanța: aș dori să creez o experiență pentru publicul care îi trezește pe site-ul Marii Săli - la acustica uimitoare, arhitectura grandioasă și istoria „ascunsă” a acesteia utilizarea ca spital temporar în timpul soldaților din Războiul Civil unde au murit soldați.
Aș dori ca publicul să se gândească la volumul pierderilor din Războiul Civil în urmă cu 150 de ani și poate la modul în care se raportează la pierderile actuale pe care le întâmpinăm în conflictele în curs de desfășurare în regiunea Golfului și în escaladarea violenței rasiale, care are loc în toată țara. chiar acum.
Și, în sfârșit, aș dori să invit publicul să se gândească la propriile vieți și la propriile pierderi și să aibă ocazia să se împărtășească într-un moment colectiv de durere și reînnoire. Probabil că este foarte mult să cer de la o audiență, dar asta lucrează pe măsură ce dezvolt proiectul.
Pe 18 septembrie 2015, Galeria Națională de Portret va deschide expoziția „Câmpurile întunecate ale Republicii. Alexander Gardner Photographs, 1859-72. ”Martha McDonald își va debuta opera ca parte a unei serii de artă performantă, „ Identificați ”, care va fi inaugurată anul acesta la Galeria Națională de Portret pe 17 octombrie 2015, la 13:00.
