Purtați-vă arta pe mânecă

Arta de a purta ocupă un loc unic în universul creativ. Îndepărtând moda, meșteșugul și arta, această clasificare hibridă a căutat istoric să ridice rochia peste rolul său practic. De la prerafahelitele din anii 1890 până în anii 1930 Metalele suprarealiste până la designerii ecologici din ziua de azi, astfel de crafters recunosc că hainele pe care le purtăm reprezintă idei și opinii.

Din această poveste

Arta de a purta

Erte: Arta de purtat: Bijuteria completă

Adesea legați de preceptele suprarealismului sau Dada, acești artiști au început să experimenteze cu formele, modelele și materialele bijuteriilor și îmbrăcămintei. De fapt, suprarealismul ca mișcare a câștigat stima populară din incursiunile sale în modă.

În vârful acestei topiri de artă de avangardă și haute couture, un designer italian laudat, numit Elsa Schiaparelli, a colaborat cu astfel de lumini suprarealiste precum Jean Cocteau și Salvador Dalí. Cu Dali, Schiaparelli a creat una dintre cele mai marcante haine: rochia de homar, o rochie de organza din mătase de culoare cremă, accentuată cu fire de cai sintetice create de Schiarparelli, pe care Dali le-a ornat apoi cu un homar mare, cu pătrunjel.

Numită și mișcarea de îmbrăcăminte, și inclusiv arta în fibră, meșteșugurile din piele, bijuteriile din toate materialele și orice lucru imaginabil pentru a împodobi sinele, mișcarea de artă purtabilă nu s-a identificat ca atare până în anii '60. Cu toate acestea, mulți recunosc artiștii moderni și bijutierii care au creat între 1920 și 1950 se numără printre cei mai primi producători de meșteșuguri.

Săptămâna aceasta lucrările a 50 de artiști care vând totul de la bijuterii, îmbrăcăminte, eșarfe și genți de mână sunt vizionate la evenimentul anual de strângere de fonduri Craft2Wear de la Smithsonian Institution, la National Building Museum din Washington, DC Proceeds din spectacol, produs de Smithsonian Women’s Committee, susține subvenții și dotări pentru cercetare la instituție.

Trei artiști, Starr Hagenbring, Susan Sanders și Kathleen Nowak Tucci, care lucrează într-o varietate de materiale fizice și cu zeci de ani de experiență în design, vor fi printre cei care vor oferi articole de vânzare la eveniment. Arta lor a apărut pe tot globul - de la o copertă a lui Vogue Italia până la reverul lui Margaret Thatcher la televiziunea difuzată.

Unirea acestor trei artiști și a spectacolului Crafts2Wear este un interes constant pentru combinarea artelor și materialelor înalte și scăzute, în concordanță cu misiunea perturbatoare a Mișcării de Artă Wearable conștientă de mediu din anii '60 -'70.

Hagenbring transformă bug-urile în mare măsură în tapiserii complexe, iridiscente, transformând „urâtul în frumos”. Tucci se încântă să creeze „ceva de valoare excepțională din ceva ce s-ar fi sfârșit în depozitele noastre de deșeuri”. Și Sanders, dezvoltând juxtapunerea dintre înalt și materiale scăzute, funcționează într-o platformă ultra-tehnologică - imprimare 3D - cu materiale industriale ieftine, care întâlnesc artă la care poate nu este de așteptat.

Starr Hagenbring: Frumusețea bugurilor

Hagenbring cu sediul în New York continuă tradiția pictată în fibră de artă a lui Dali și Schiaparelli, folosind țesătura ca pânză, împletind fire colorate și aplicând vopsele luminoase și opalescente pentru a crea tablouri uimitoare. Meseria ei, care poate fi văzută și cumpărată în magazinul său Art & Eyes din New Orleans, ocupă numeroase subiecte: siluete clasice și exotice, modele abstracte și, cel mai recent, insecte realiste și abstracte.

Creativitatea ei provine dintr-o dorință de a depăși aversiunile personale.

În copilărie, păianjenii au intrat în panică până când s-a provocat să se angajeze profund în lumea lor. A găsit frumusețea lor complexă. Iar experiența a stârnit o fascinație de-a lungul vieții.

În urmă cu aproximativ 25 de ani, în timp ce vizita Birmania, Hagenbring a întâlnit un zid de carport, acoperit aproape în întregime cu insecte de mai multe tipuri și dimensiuni. Așa cum și-a amintit ea, „o afișare a erorilor din Smithsonian Institution”. Prea surprinsă de a fi dezgustată, a examinat „afișarea” și a descoperit o diversitate de dimensiuni, forme de aripi, modelări geometrice, rafturi ascunse și frumusețe generală. Acum, multiplicitatea și puterea acestor creaturi infuză o mare parte din arta ei purtabilă.

Insectele au inspirat crearea obiectelor de artă timp de secole, de la măști tradiționale africane până la picturile cubiste ale lui Picasso, recunoaște o moștenire Hagenbring. Concentrându-se pe frumusețea lor neașteptată și fără a se îndepărta de detaliile mari și cu aspect realist, Hagenbring spune că a depășit „factorul ew ” pe care mulți oameni îl asociază cu bug-uri. Scopul ei este de a-i atrage pe oameni să găsească dragostea neașteptată și să informeze o dorință mai largă de a încuraja oamenii, așa cum spune ea cu emfază: „Opriți, opriți, opriți-vă. Uite ce avem în jurul nostru. "

Kathleen Nowak Tucci: Estetica ecologică

În anii ’60 -’70, noua denumire Wearable Art Move a cuprins, de asemenea, conștientizarea mediului ca parte a misiunii sale, subliniind texturile și calitățile materialelor naturale, durabile. Membrii comunității emergente au îmbinat estetica cu funcția, căutând să perturbe clasamentele sau ierarhiile tradiționale din cadrul comunităților artistice care ridică arta „fină” deasupra meșteșugurilor utilizabile. Un accent pus pe munca textilă - demis anterior din legiunea artiștilor înalți ca „lucrare a femeilor” - a fost asociat cu mișcarea de eliberare a femeilor în creștere.

În mod similar cu moneda politică, activitatea recentă a lui Kathleen Nowak Tucci are legătură cu preocupările crescânde la nivel global asupra distrugerii ecologice, a deșeurilor și a poluării și extinde interesul tradițional al artiștilor purtabili pentru materialele „scăzute” sau outré la tuburile interioare de biciclete aruncate, cablurile de frână din oțel jetoase și capsule de cafea Nespresso folosite. Bijuteriile ei reciclate au început cu tuburi interioare „eliberate” din coșurile de praf ale atelierelor de reparații pentru biciclete.

În timp ce a fost lovită de cantitatea de deșeuri umane pe care o întâlnește, scufundând castofele de la biciclete și magazinele de motociclete Harley-Davidson din Pensacola, Florida, Tucci a fost inițial atrasă de a lucra cu cauciucul, deoarece „materialele sunt atât de fabuloase.” Proprietățile maleabile ale cauciucului și calitățile de protecție ale oțelului creează un aspect vioi care amintește de poștele cu lanțuri medievale - dar mult mai purtabile.

În 2010, Vogue Italia a prezentat bijuteriile lui Tucci pe coperta unei probleme care raportează recentele vărsări de petrol BP din Golf. În timp ce cineva care a asistat la bazinele grase care scurgeau apa, Tucci a fost recunoscător pentru a putea materializa un mesaj de reziliență și speranță de înviere prin podoabele ei recuperat. Nu peste mult timp după aceea, Tucci a scuipat o cutie de capsule Nespresso în formă de bomboane în biroul designerului său grafic și a început să completeze negrul mat de tuburi interioare cu tonuri de bijuterie sclipitoare din aluminiu anodizat salvat din coșurile de gunoi de birou. În cele din urmă, ea și-a dat seama că capsulele Nespresso își țineau propriile piese și au creat piese stricte și strălucitoare. În mai 2015, Tucci a câștigat premiul Saul Bell Design în materie alternativă, o categorie care include orice material și nu un metal prețios. Urmăriți pentru eco-proiectant? Lui Tucci i-ar plăcea să vadă o piesă cu declarații reciclate care să meargă pe covorul roșu de la Hollywood la un eveniment major (Maggie Gyllenhaal sau Tilda Swinton ar putea duce asta frumos).

Susan Sanders: imprimarea 3D a manualului captivant

În anii 80, arta purtabilă reflecta estetica pop și materialele artificiale populare la acea vreme. Stilurile grafice și aplicațiile plate aplică imagini de suprafață. În secolul XXI, creatorii de artă care trebuie să poarte au continuat să experimenteze cu tehnici și materiale, inclusiv cel mai recent, imprimarea 3D. Susan Sanders, originar din Washington, și-a început incursiunea în mediu cu câțiva ani în urmă, după ce a petrecut ani de zile onorându-și estetica pe materiale multiple, inclusiv argint, aur, mătase, microfibră și piatră. Lucrarea ei a apărut în galerii din întreaga lume și a fost vândută unui spectru larg de clienți.

Cu ani în urmă, când Sanders confecționa brose mari și complet articulate din metale prețioase, a produs un țânțar deosebit de mare și izbitor. La puțin timp după ce magazinul muzeului de la Whitney din New York a vândut creația, secretarul de stat al Statelor Unite, Madeleine Albright, a apărut la televizor purtând-o. Pinul apare și în cartea lui Albright Read My Pins: Stories from a Diplomat’s Jewel Box , și ca parte a unei expoziții de turism, care a ajuns la Smithsonian Institution în 2010.

Sanders a folosit atât de multe materiale dispare de-a lungul carierei sale de 42 de ani - în timpul tuturor lucrărilor sale în Alexandria, Fabrica de torpede din Virginia - pentru că îi place să-și păstreze percepția artistică periodic. Așadar, când a văzut pentru prima dată bijuterii tipărite 3D în urmă cu câțiva ani, interesul ei a fost îngrijorat. După un curs de software comunitar-colegiu, un atelier de weekend, nenumărate videoclipuri cu instrucțiuni YouTube și chiar mai multe ghiciri și experimente, Sanders a început să producă propriile sale bijuterii tipărite 3D, la început cu negru mat, iar apoi pictat manual în nuanțe strălucitoare îmbunătățind multe dintre unghiurile care se întrepătrund din munca ei captivantă. Sanders, care are o diplomă în design industrial de la Carnegie-Mellon, spune că „gustul se apleacă spre forme geometrice”, iar procesul abstract de formulare a desenelor sale se simte ca „a venit acasă”.

Modelele ei 3D sunt create dintr-o singură piesă, dar au adesea multe părți în mișcare: îmbinări invizibile, balamale și bile cu carcasă curios. Plasticul ușor de nailon utilizat în procesul de imprimare face posibilă Sanders să creeze piese mai mari, care sunt încă foarte purtabile - și accesibile. Costul relativ redus al procesului îi permite să ajungă la o audiență de cumpărare mai largă, o schimbare plăcută de la lucrul cu metale prețioase.

Toate cele trei femei sunt de acord că clienții care poartă produsele lor trebuie să fie deținători de sine, trebuie să fie dispuși să fie văzuți. Rochia, indiferent de pulover sau un palton acoperit de gândac strălucit, este performantă. Ceea ce purtăm este legătura mereu fascinantă dintre personalul nostru privat și percepția publicului. Artiștii din acest an de la Craft2Wear oferă numeroase modalități de a elimina acest decalaj cu umor, fler și individualitate.

Spectacolul Smithsonian Craft2Wear din 2015 va avea loc în perioada 1 - 3 octombrie la National Building Museum din Washington, DC . Spectacolul se deschide joi, 1 octombrie cu Advance Chance Party & Fashion Show, între 17:30 și 21:00 Biletele sunt de 75 USD și trebuie fi cumpărat în avans. Intrarea zilnică pentru vineri, între orele 10 și 20, iar sâmbătă, între orele 10 și 17 este 10 USD (doar în numerar), plătibil la ușă. Pe 2 octombrie, între orele 17:30 și 20:00, Artful Happy Hour (17:30 - 20:00) le va oferi cumpărătorilor o șansă să gâdăie îndemânarea artiștilor și să celebreze susținerea îndelungată a Comitetului Femeilor Smithsonian în domeniul științei și artelor . Biletele pentru raftle pentru o pereche de cercei de tip mic de perla neagră, donate de artistul Keith Lewis și o geantă din plasă de păun donate de artiștii meșteșugari Bozenna și Lukasz Bogucki pot fi achiziționate cu 5 USD fiecare sau cinci pentru 20 de dolari în fiecare zi a spectacolului.