Dacă ai călători prin orice oraș important din Olanda anul acesta, probabil că ai fi întâlnit privirea strălucitoare a unui chip destul de uluitor. Personajul cu părul sălbatic, cu ochii largi, care te-a întâmpinat din semne stradale, vitrine, coperți de reviste și cutii de ciocolată este Rembrandt van Rijn (1606-69), maestru pictor al epocii de aur olandeze. Incomparabila artă a lui Rembrandt a fost întotdeauna un punct important de vânzare pentru turismul olandez, dar autoportretul său a fost peste tot în 2006, deoarece holandezii sărbătoresc a 400-a aniversare a celui mai cunoscut artist al națiunii lor. De fapt, Rembrandt 400, un eveniment național de lungă durată, sub patronajul reginei Beatrix, a încheiat o sărbătoare mondială care a implicat muzee și instituții culturale de la Cracovia până la Melbourne. Printre instituțiile americane care participă se află National Gallery of Art din Washington, DC, unde „Strokes of Genius: Prints and Drawings of Rembrandt” va fi vizionată până pe 18 martie 2007.
Toată această atenție reflectă fascinația noastră de durată pentru un artist ale cărui lucrări rămân la fel de emoționante și de semnificative în ziua de azi precum au fost acum patru secole. Rembrandt este apreciat atât pentru tehnica sa expresivă, cât și pentru capacitatea sa de a surprinde inima emoțională a oricărui personaj sau poveste. Subiectul său variază de la trecutul biblic la oameni și locuri din jurul său, dar motivul central al artei sale - și un motiv major pentru care opera sa continuă să ne vorbească la noi secole după moartea sa - este figura umană, redată cu sensibilitate atât la imperfecțiunile povestitoare ale aspectului de suprafață și turbulenței spiritului din interior.
Nu există nicio îndoială că Rembrandt ar fi aprobat utilizarea actuală a propriului său chip distinctiv ca instrument de marketing. El a pictat, gravat și a desenat vreo 70 de autoportrete, mai mult decât oricare alt artist cunoscut al vremii sale. Făcându-și fața punctul central al artei sale, s-a angajat într-un mijloc unic personal de auto-marketing. Îmbrăcat în costum sau asumându-și posturi provocatoare, el a jucat roluri de la fiul cerșetor și risipitor până la potențialul curtenitor și oriental. În mici tipărituri din primii ani, s-a aruncat într-o oglindă și a schițat rezultatele pentru a se învăța el însuși arta înfățișării emoțiilor. Mai târziu în viață, în picturi observate îndeaproape, cum ar fi portretul său de negi și toate Autoportretul din 1659, el a înregistrat fără încetare semnele timpului și ale experienței. Aceste lucrări și-au găsit drum în colecții din întreaga Europă, ajutând să facă din Rembrandt cel mai cunoscut artist olandez din secolul al XVII-lea.
Rembrandt van Rijn s-a născut la 15 iulie 1606, în Leiden, cel de-al nouălea copil al morosului Harmen Gerritszoon van Rijn și al soției sale, Neeltgen van Zuytbrouck. Familia a exploatat o moară de cereale pe râul Rin, care mărginea orașul. Erau oameni prosperi, din clasa muncitoare, iar copiii lor s-ar fi așteptat să se alăture afacerii de la fabrică, așa cum au făcut-o mai mulți dintre frații lui Rembrandt sau au făcut un comerț. Rembrandt trebuie să fi arătat o anumită promisiune specială, pentru că părinții lui l-au înscris la Școala Latină, unde a fost introdus în limbile și literatura clasică. O astfel de educație ar fi trebuit să conducă la minister sau la serviciul public, dar, potrivit istoricului Leiden, din secolul al XVII-lea, Jan Orlers, Rembrandt era mai interesat să facă doodling decât să studieze, iar părinții săi, cedând poate la inevitabil, l-au lăsat să se antreneze cu un pictor local apoi l-a trimis să studieze șase luni cu un artist din Amsterdam.
Cu o jumătate de oră de mers cu trenul din Amsterdam (sau câteva ore cu mersul pe jos, cu calul sau cu barca în ziua lui Rembrandt), astăzi Leiden este dominată de universitatea sa, care a fost fondată în 1575. În secolul al XVII-lea, orașul își datora o mare parte din prosperitate comerțul textil. Muzeul Municipal De Lakenhal ocupă o clădire care a fost cândva o breaslă, unde guvernanții și asasinarii industriei de țesături și-au ținut întâlnirile. Mai multe expoziții importante au avut loc acolo în 2006, inclusiv un sondaj asupra peisajelor lui Rembrandt. În timp ce unele dintre tablourile din acea expoziție prezintă țara din apropierea casei sale, altele sunt pur fantezie. În The Mill, de exemplu, o impozantă moară de vânt se înalță pe o stâncă accidentată în mod diferit, spre deosebire de terenul plat al Olandei. O altă expoziție, „Mama, mitul sau realitatea lui Rembrandt”, s-a concentrat pe două figuri în vârstă care apar în mod repetat în primele opere ale lui Rembrandt. Savanții din secolul al XIX-lea, dornici să romanticizeze viața artistului, au fost repede să-i identifice drept mama și tatăl lui Rembrandt, în timp ce studiile asupra figurilor mai tinere s-au presupus că reprezintă frații și surorile sale. Deși savanții moderni sunt mai sceptici (nu există documente care să verifice aceste identificări), este logic că membrii familiei ar fi modelele cele mai disponibile - și accesibile - pentru un artist care abia începe.
Stilul de semnătură al școlii timpurii Rembrandt, bazat pe o observație precisă din viață, combinat cu costumele istorice exotice, poate fi urmărit în lucrări precum Tobit și Anna (1626) ale lui Rembrandt, opuse, pentru care mama și tatăl său s-ar fi putut modela. În picturi atât de mici și meticuloase, surprindem tânărul artist care își antrenează cu atenție ochiul, dezvoltând în același timp o fascinație cu bătrânețea care va reapărea pe parcursul carierei sale.
Când a ajuns la mijlocul anilor 20, Rembrandt câștiga deja atenție internațională. În timp ce majoritatea contemporanilor săi olandezi și-au vândut lucrarea pe plan local, picturile și imprimeurile sale erau colectate nu numai în Olanda, ci în Italia, Franța și în alte părți. În jurul anului 1630, regele Charles I al Angliei a primit ca cadou trei tablouri ale lui Rembrandt, inclusiv un autoportret și un tablou despre care se crede că este mama mamei artistului. În căutarea unor oportunități mai largi decât ar putea oferi orașul său natal, Rembrandt s-a mutat la începutul anilor 1630 la Amsterdam, un oraș de aproximativ 125.000 de locuitori și apoi, ca și acum, centrul cultural și comercial al Olandei.
Olanda Rembrandt a fost unică în Europa: o republică condusă de cetățeni, nu de o monarhie, cu o economie comercială în plină expansiune în care munca grea și antreprenoriatul au contat mai mult decât un titlu nobil. Era un loc unde diversitatea religioasă era tolerată și unde gustul urban, clasa de mijloc, domina viața culturală. Amsterdam a fost centrul unei piețe de artă pline de viață și, de îndată ce Rembrandt a ajuns acolo, un parteneriat de afaceri cu Hendrick van Uylenburgh, un important dealer de artă, i-a adus artistului unele dintre primele sale comisii de portret - un picior în ușă pentru patronatul din Amsterdam. cetățeni bogați.
Cu ajutorul lui van Uylenburgh, Rembrandt a devenit rapid cel mai căutat portretist din Amsterdam. Briliantul său Portret de Agatha Bas, pictat în 1641, arată de ce. Agatha, în vârstă de 30 de ani, o fiică bogată a burgomasterului și soția unuia dintre investitorii van Uylenburgh, ne privește cu o privire demnă și încrezătoare. Mâna stângă se sprijină pe o îmbrățișare din lemn lustruit, în timp ce ventilatorul elegant din mâna dreaptă se încadrează în fața ei. Este acesta un cadru al ferestrei sau cadrul imaginii în sine? Această iluzie, împreună cu poza directă, dimensiunea vieții și jocul subtil de lumină din spatele figurii, creează simțul că suntem față în față cu un alt suflet viu. Uită-te mai atent, dar și detaliile reale ale părului ei frizzed, corset brodat, bijuterii sclipitoare și guler decupat din dantelă se dizolvă în linii și lovituri de vopsea, cu glazuri translucide de culoare stratificate peste impasto gros. Această combinație magică îl deosebește pe Rembrandt de tehnica mai lină, mai șlefuită, favorizată de mulți dintre contemporanii săi.
În 1634, când avea 28 de ani, Rembrandt s-a căsătorit cu vărul lui 21 de ani, Van Uylenburgh, Saskia. De asemenea, ea a fost un model frecvent al artistei, care a aruncat-o în roluri pitorești precum Flora, zeița primăverii. Într-un desen intim de argint din Saskia pe care Rembrandt l-a făcut la doar câteva zile după logodna lor, poartă o pălărie de soare împodobită cu flori și zâmbește timid. În cei opt ani de căsătorie, cuplul a avut patru copii, dar doar unul, Titus, va supraviețui la început. În 1642, la mai puțin de un an de la nașterea lui Titus, Saskia a murit la 29 de ani, din cauza bolilor sau a complicațiilor nașterii. Ea a stipulat că Rembrandt va beneficia de moșia ei, cu condiția să nu se recăsătorească. A avut o aventură cu Geertje Dircx, o asistentă adusă pentru a îngriji copilul, apoi câțiva ani mai târziu a respins-o pentru o femeie mai tânără, Hendrickje Stoffels, care se alăturase gospodăriei ca servitoare. Dircx l-a dat în judecată pentru încălcarea promisiunii, provocând o lungă și amară luptă legală.
În 1654 Stoffels a fost chemată în fața bătrânilor bisericii ei și a fost acuzată că „a trăit în curvă cu pictorul Rembrandt”, dar ea a rămas cu el în ciuda scandalului. Fiica lor, Cornelia, s-a născut mai târziu în acel an. Atât Stoffels, cât și Titus au ajutat la afacerile lui Rembrandt (Titus avea să crească pentru a fi un artist minor și agentul tatălui său), iar băiatul a fost probabil modelul pentru mai multe studii ale figurii evocatoare ale artistului, inclusiv Titus la biroul său, pictat în 1655. Cu câteva lovituri rapide, Rembrandt surprinde texturile pânzei, părului, lemnului și hârtiei, precum și reveria unui școlar care ar prefera să fie oriunde, dar la biroul său. Stoffels a pozat și ea: un portret sensibil al ei la aproximativ 34 de ani se află la Metropolitan Museum of Art din New York.
Timp de aproape 20 de ani, Rembrandt și-a umplut casa spațioasă de pe Sint Anthonisbreestraat din Amsterdam cu agitația de studenți la muncă, clienți veniți să sune și picturi și printuri de vânzare. De asemenea, el a adunat o colecție de obiecte care includeau nu numai opere de artă, dar pene de papagal amazonian, sticlărie venețiană, piei de leu african și alte comori exotice, unele dintre ele oferind motive pentru picturile sale. Niciodată un bun manager de bani, nu a reușit să îndeplinească plățile ipotecare și a pierdut casa după ce a falit în 1656. Inventarul colecției sale de artă consemnate la acea vreme arată că s-a interesat de activitatea predecesorilor cum ar fi Dürer și Titian., precum și alți contemporani flamande precum Rubens și Van Dyck. Rembrandt House (o casă privată până în 1906, când a fost achiziționată de orașul Amsterdam) s-a deschis ca muzeu în 1911.
În 1642, Rembrandt și-a completat cel mai cunoscut tablou, imensul portret de grup cunoscut sub numele de The Night Watch, care înfățișa o companie de gardieni civici care ieșeau în apărarea orașului. (Tabloul a fost atracția vedetă la Rijksmuseum din Amsterdam de la instalarea sa în 1885.) Amsterdamul din 1642 era, de fapt, un oraș pașnic și prosper, iar garda civică a servit mai mult ca un club social pentru cetățeni ambițioși decât o adevărată forță militară . Scena imaginată a lui Rembrandt este o legătură simbolică a mândriei lor disponibilități de a sluji. Ceea ce face ca această pictură să devină revoluționară este faptul că Rembrandt a luat ceea ce ar fi putut fi un rând plictisitor de figuri și a transformat-o într-o scenă plină de acțiune plină de viață. Un contemporan a spus că a făcut ca alte portrete de grup să arate la fel de plate ca cărțile de joc. De-a lungul secolelor, The Night Watch a fost decupat pentru a se potrivi într-o locație strânsă, rostogolit și stăpânit într-un buncăr pentru a-l proteja de naziști, trântit cu un cuțit de pâine (în 1975), stropit cu acid de un vizitator al muzeului deranjat (în 1990) și interpretat pe steins de bere, tricouri și lucrări ale artiștilor moderni. Dar, datorită invenției îndrăznețe a lui Rembrandt și a portretizării spiritului patriotic pe care s-a întemeiat națiunea, nu și-a pierdut niciodată statutul de icoană națională olandeză.
Pentru unii admiratori ai artei olandeze, Rembrandt concurează cu van Gogh pentru titlul de fiu preferat. Însă în acest an, chiar și muzeul Van Gogh din Amsterdam a găzduit un spectacol blockbuster Rembrandt - „Rembrandt-Caravaggio”. Stăpânul italian Caravaggio, care a murit în 1610, când Rembrandt era doar un copil, este cunoscut mai ales pentru tratamentul său subiecților biblici cu un adevăr accidentat la natură, sporit de lumina dramatică. Abordarea sa revoluționară a stârnit o mișcare internațională care a ajuns la Rembrandt (care nu a părăsit niciodată Olanda) prin artiști olandezi care au călătorit la Roma. Spectacolul din 2006 a comparat cele două tratamente ale maeștrilor din mai multe teme înrudite, dar nu trebuie să căutăm departe pentru a găsi dovezi ale interesului lui Rembrandt pentru ideile lui Caravaggio, în special noțiunea sa de povești biblice, ca drame emoționale adoptate de oameni care încă ne lovesc ca profund uman.
Un exemplu emoționant din anii de mai târziu ai lui Rembrandt este Iacobul său, din 1656, Binecuvântând fiii lui Iosif (mai sus, dreapta). Aici, îl vedem pe patriarhul Iacob, tulburător și aproape orb, în timp ce se întinde pentru a-i binecuvânta pe cei doi nepoți ai săi. Iacov întinde mâna dreaptă către fratele mai mic, Efrem, nu către cel mai în vârstă, Menaseh. Rembrandt urmărește textul din Geneză în timp ce îl înfățișează pe tatăl băieților, Iosif, încercând cu ușurință să schimbe mâna patriarhului. Dar bătrânul este adânc, acțiunea sa profetică: știe că fiul mai mic este destinat măreției. Privind liniștit este mama băieților, Asenath. Prezența ei nu este menționată în pasajul relevant, dar este numită în altă parte din Geneză, așa cum știa clar Rembrandt. Prin includerea ei în imagine, artista subliniază că aceasta este, în fond, o criză de familie. (El poate, de fapt, să fi pictat această lucrare pentru o familie olandeză, fiecare membru în fața unui personaj biblic.) În ciuda consecințelor fatidice ale momentului, simțim, mai ales, iubirea profundă și credința împărtășită de trei generații, închise în un cerc intim de lumină. În timp ce jocul puternic al umbrei datorează ceva lui Caravaggio, suprafața groasă, aproape sculpturală a vopselei, aplicată cu lovituri largi și rapide, dar încă minunat descriptivă, este singura lui Rembrandt - contribuția sa cea mai originală la istoria tehnicii.
Pentru mulți spectatori moderni, acesta este cel mai bun Rembrandt, dar în timpul său, suprafețele sale dure de vopsea, iluminarea dramatică și personajele pensive, de pe pământ îl determină din ce în ce mai mult de tendințele dominante. Spre sfârșitul vieții sale, un gust pentru frumusețea ideală mătura Europa, iar cunoscătorii olandezi cereau figuri și setări elegante, lumină clară și tehnică rafinată. Pentru a refuza să se conformeze acestei moduri, Rembrandt a fost etichetat în 1681 de dramaturgul Andries Pels drept „primul eretic din istoria artei”. Pentru Pels și alți susținători ai clasicismului, manevrarea expresivă a vopselei de către Rembrandt părea tristă și neterminată. Cu toate acestea, potrivit biografului din secolul al XVIII-lea Arnold Houbraken, Rembrandt a susținut că „o lucrare este terminată atunci când maestrul și-a atins intenția în ea”. O altă țintă pentru critici a fost tratarea lui pentru nud. În timp ce clasicienii susțineau că artiștii ar trebui să aspire la perfecțiunea mișto a sculpturii grecești, Rembrandt a înregistrat în mod asiduu ridurile și mărunțelele subiectului său, genunchii înfocați și părul șters. Pentru aceasta, el a fost acuzat că nu a stăpânit regulile proporției și anatomiei.
Rembrandt nu a fost mai puțin inconformistul în relațiile sale cu clienții. Cei mai mulți artiști i-au întâmpinat în studiourile lor, dar Rembrandt era crunt. Dacă un potențial cumpărător ar încerca să privească prea atent un tablou, scrie Houbraken, Rembrandt l-ar îndepărta, avertizând că „mirosul vopselei cu ulei te va îmbolnăvi”. Într-un document notarial din 1654, un comerciant portughez, pe nume Diego d'Andrada, a plâns lui Rembrandt că portretul unei fete pe care o comandase nu semăna cu ea. El dorea ca artistul să-l schimbe sau să-i returneze depozitul. Rembrandt i-a spus notarului că nu va atinge tabloul până când D'Andrada nu va plăti soldul cuvenit. Apoi, a spus el, îl va transmite directorilor breaslelor pictorilor pentru judecata lor și va face modificări numai dacă vor fi de acord cu clientul. Dacă D'Andrada nu ar fi încă mulțumit, Rembrandt ar păstra tabloul și l-ar vinde la licitație. Nu s-a menționat nicio vorbă despre returnarea depozitului. Modul în care a fost rezolvat cazul nu este cunoscut, dar atitudinea lui Rembrandt a fost la fel de riscantă și curajos. Cu siguranță l-a costat ceva afacere, dar pe termen lung, impactul său de durată este dator mult independenței sale creative, o marcă a artistului „modern”.
În momentul în care a murit la 63 de ani în 1669, Rembrandt a vândut picturi și printuri pentru colecționari distinși din întreaga Europă, a antrenat zeci de studenți, a făcut și a pierdut o avere și a creat unele dintre cele mai memorabile opere din secolul al XVII-lea. În timp ce abordarea sa îndrăzneață, neconvențională atât asupra vieții, cât și a artei a fost admirată de unii spectatori mai mult decât de alții, autenticitatea fundamentală a răspunsului său la condiția umană rămâne neîndoielnică. În Ochii lui Rembrandt, un studiu elocvent al artistului și al mediului său, istoricul cultural Simon Schama observă că pentru Rembrandt, „imperfecțiunile sunt norma umanității. Tocmai de aceea, el va vorbi întotdeauna de-a lungul secolelor celor pentru care arta ar putea fi ceva în afară de căutarea formelor ideale ".
Stephanie Dickey preda istoria artei la Queen's University din Kingston, Ontario și este autoarea a trei cărți despre Rembrandt.
