Ce este despre muzeele mici, ciudate, care le fac atât de convingătoare? Poate că se datorează faptului că pot fi urmărite de antichitate, când templele greco-romane vor afișa atât lucrări de artă minunate, cât și moaște păgâne - sulița lui Ahile, Helena din Troia sau „oasele uriașilor” (rămân de obicei mamut pietrificat). Catedrale medievale purtate după tradiție: scoici de broască țestoasă sau „ouăle de grifon” (de fapt cele ale struțurilor) ar putea fi plasate alături de moaștele sfinților. În Renaștere, prinții italieni au început să asambleze dulapuri cu curiozități, afișe eclectice care ar putea include orice creație a omului sau naturii: mumii egiptene, perle, sculpturi clasice, insecte, cochilii uriașe sau „coarne de unicorn” (cel mai adesea de la navelor). Mania colecționară italiană s-a răspândit, astfel încât, până la sfârșitul secolului al XVIII-lea, existau mii de galerii private în case bogate în toată Europa. În marea lor tură a continentului, călătorii au putut călători de la o minunată sufragerie la alta, cercetând obiecte frumoase și mistice.
Continut Asemanator
- Tony Perrottet pe „Micile minuni”
Până la mijlocul anilor 1800, instituții finanțate de stat, cum ar fi Luvru, Muzeul Britanic și Prado-ul din Madrid, au început să achiziționeze aceste colecții private, multe dintre ele fiind moștenite de membrii familiei care nu aveau nici finanțele, fie entuziasmul de a le întreține. Cu toate acestea, în ciuda avantajului financiar al muzeelor mari, muzeele mici și ezoterice s-au menținut cu tenacitate. De fapt, Europa este încă plină de ele și ele induc o devoțiune pe care cei mai mari omologi lor nu o fac adesea.
Multe dintre aceste mici colecții sunt încă adăpostite în casele originale ale proprietarilor și reflectă personalitățile lor. Unele dintre ele se laudă cu colecții care ar avea mândrie de loc în muzeele mai mari, dar setările interne permit un sentiment de intimitate greu de găsit în galerii vaste. Și în ciuda idiosincrasiei lor, aceste muzee de casă oferă adesea o intrare rară în istoria și caracterul orașului. Iată patru favorite:
Londra
Muzeul lui Sir John Soane
A fost o seară londoneză umedă când am traversat piața mare și plină de frunze din Inns Fields de la Lincoln spre un rând plin de gust de case din orașul Georgiei de culoare dună. La o inspecție mai atentă, fațada nr. 13 a anunțat că nu este o casă obișnuită: mortarul în loggia italiană, sau veranda, din piatră creștină Portland erau patru piedestale gotice, în timp ce deasupra au fost montate o pereche de replici de cariatide antice grecești. Însă aceste înfloriri nu au făcut decât să se înțeleagă despre lumea minunată care se află în fosta casă a lui Sir John Soane (1753-1837), unul dintre cei mai remarcați arhitecți din Marea Britanie - și colecționari harnici. Soane nu numai că și-a transformat casa într-un luxos muzeu privat, ci a condiționat că nimic nu poate fi modificat după moartea sa. În consecință, Muzeul lui Sir John Soane poate fi cea mai excentrică destinație dintr-un oraș care se încadrează cu atracții excentrice. Vizitând-o, simțiți că Soane însuși ar putea să intre în orice moment pentru a discuta despre clasici peste un brandy. Pentru a păstra intimitatea experienței, sunt permise doar 50 de vizitatori în același timp. Iar evocarea unui timp trecut este și mai intensă dacă vizitați - așa cum am făcut-o eu - în prima marți seara a lunii, când muzeul este luminat aproape în întregime de lumânări.
Când am sunat clopotul, impozanta ușă de lemn s-a deschis pentru a dezvălui un domn cu părul cenușiu, care ar fi putut fi mai mult majordomul lui Soane. În timp ce am semnat ledgerul pentru oaspeți, un însoțitor a dat peste haina și umbrela, luându-le pentru a le păstra în siguranță. Am fost apoi inaugurat într-un salon roșu pompeian.
- Sper să vă placă casa, șopti însoțitorul.
Pe fiecare masă și manta, lumânările aprindeau în butelii de sticlă. În timp ce coborau cu atenție pe un pasaj, ochii mi se adaptează lumina și am început să aranjez artefacte și mobilier care abia s-au schimbat în 170 de ani. Casa este un labirint complex conceput, plin de capacitate de artă: busturi clasice, fragmente de coloane și frize grecești, vaze chinezești și statui ale zeilor greci și romani, inclusiv un cast al faimosului Apollo Belvedere . Aproape un centimetru de spațiu de perete a fost irosit, și totuși efectul nu este claustrofob: arcadele și cupolele se ridică în sus, oglinzile convexe oferă vederi expansive și balcoane căscate peste curțile interioare. Ca orice cabinet decent de curiozități, afișele includ, de asemenea, ciudățenii precum „o ciupercă mare de pe stâncile insulei Sumatra” (așa cum a descris-o Soane în propriul inventar din 1835) și o ramură cu aspect ciudat al unui copac de cenușă. Adăugând sentimentul de mister și în conformitate cu dorințele lui Soane, nu există etichete pe niciunul dintre artefacte, deși unele informații sunt oferite acum pe „liliacuri” din lemn, care se așează discret pe mesele din fiecare cameră.
„Oamenii răspund cu adevărat la serile lumânărilor”, spune directorul muzeului, Tim Knox. De fapt, gardienii, așa cum sunt numiți paznicii muzeului, au început să stingă luminile în timpul orelor de zi, îmi spune el, „pentru a spori ambianța perioadei. Semi-lumina face ca oamenii să se uite cu adevărat la exponate”.
Soane a fost principalul arhitect britanic timp de aproape cinci decenii, iar numeroasele sale comisii sunt peste tot în Londra - Galeria de imagini Dulwich; Spitalul Regal, Chelsea; Conacul Pitzhanger. (Chiar și emblematicele cabine telefonice roșii ale Marii Britanii au fost inspirate de designul lui Soane pentru mormântul soției sale din grădinile St. Pancras.) Dar era în propria sa casă - proiectată pentru a sublinia ceea ce Soane numea „efectele fanteziste care constituie poezia Arhitecturii” - ceea ce creativitatea lui i s-a dat frâu liber. Din 1792 până în 1824, Soane a achiziționat, demolat și reconstruit trei case de oraș de-a lungul pătratului, începând cu numărul 12 și trecând la 13 și 14. La început erau acasă la el, la soția sa și la cei doi fii ai lor, dar începând din 1806, când a fost numit profesor de arhitectură la Academia Regală, a început să le folosească pentru a-și afișa modelele și modelele arhitecturale. Cu timpul, colecția sa din ce în ce mai mare de antichități a devenit mai importantă și, cu inventivitate nesfârșită, și-a reproiectat interioarele pentru a arăta efectele artefacte.
Obiectele au fost plasate astfel încât fiecare rând să ofere o descoperire. Un minut te confrunți cu o statuie splendidă din marmură romană a Dianei din Efes. Următoarea, intri în Sala de imagini, căptușită cu tablouri precum Hogarth's Rake's Progress, o serie de opt imagini care grafică declinul unui tânăr aristocrat hedonist. Nu mai devreme ați terminat de admirat o serie de desene Piranesi de ruine romane decât un garderobi deschide un panou în perete pentru a dezvălui un grup de tablouri de Joseph Michael Gandy, redactorul lui Soane. Dulapul cu șenile gri, Peter Collins, își poartă garoafă în rever și o batistă roșie în buzunarul de sus. A lucrat la muzeu zece ani și își cunoaște publicul. Se oprește pentru a face efectul înainte de a deschide încă un panou, de această dată dezvăluind un balcon care privește colecția medievală - numit Parour lourile călugărului - umplut cu fragmente gotice și gâlcee groaznice. Într-o alcoolă din apropiere, o nimfă din bronz cu pieptul dezbrăcat se află în mod coyly la nivelul ochilor deasupra unui model de scară a celei mai impresionante realizări arhitectonice a Soane, Bank of England. (Banca, la care a lucrat timp de 45 de ani, a fost demolată în anii 1920 ca fiind învechită - o mișcare pe care mulți istorici arhitectonici o consideră o travestie.)
Punctul culminant al colecției se găsește în subsol, unde artele funerare se aglomerează în jurul sarcofagului de alabastru al faraonului egiptean Seti I - Mândria și bucuria lui Soane, achiziționate în 1824 pentru suma de 2.000 de lire sterline (aproximativ 263.000 de dolari astăzi) de la aventurierul italian Giovanni Belzoni . În 1825 Soane a organizat o serie de „petreceri cu sarcofag” pentru lumânări pentru a sărbători sosirea sa. La extravaganțele sociale au participat astfel de lumini precum Ducele de Sussex, Episcopul Londrei, poetul Samuel Colegege și pictorul de peisaj JMW Turner. Barbara Hofland, invitată, ar scrie că, la eveniment, personajele au apărut ca niște fantome din „masele adânci de umbre” și lumânările străluceau „ca halosurile lustroase, capete rotunde de marmură”, creând un efect „ca într-un vis al elisiei poetului”.
Printre numeroasele statui din muzeu, este ușor să ratăm bustul lui Soane însuși, din 1829, la primul etaj, așezat deasupra statuetelor lui Michelangelo și Raphael. Fiul unui zidar, Soane s-a ridicat de la origini umile; pentru abilitatea de a schița, a câștigat o bursă pentru a vizita Europa, ceea ce i-a permis să viziteze Italia și să dezvolte o pasiune pentru arta greco-romană. Când a murit la vârsta matură de 83 de ani, Soane a fost unul dintre cei mai distinși indivizi din Marea Britanie, un bărbat, după cum Hofland a scris despre invitații la petrecerea sarcofagului, aparent „scutit de relele comune ale vieții, dar treaz la toate sensibilitățile sale generoase .“
Această impresie fericită este întărită de un desen Gandy al familiei din 1798: Soane și soția sa, Elizabeth, mănâncă rulouri cu unt, în timp ce cei doi fii ai lor tineri, John și George, păcăleau în apropiere. Desigur, Soane nu a fost mai imun la rătăcirile soartei decât ceilalți dintre noi. Amuzia lui cea mai dragă a fost să găsească o „dinastie de arhitecți” prin fiii săi, dar John a fost doborât în anii 30 de consum și George a crescut să fie destul de rake, să creeze datorii uriașe și chiar să publice atacuri anonime asupra arhitecturii tatălui său. . Și atunci, poate că Soane nu a fost cel mai ușor tată. „Ar putea fi un om cu un farmec deosebit”, spune arhivara muzeului Susan Palmer, „dar a fost, de asemenea, foarte condus, foarte atins și plin de dispoziție, cu un cip real pe umăr despre originile sale sărace”.
Temându-se că George își va vinde colecția la moarte, Soane a prevăzut să se perpetueze în testamentul său și a putut să asigure un act al Parlamentului în 1833 pentru a se asigura că locuința sa va rămâne un loc, așa cum a scris el, pentru „Amatori și studenți din Pictură, sculptură și arhitectură ". Drept urmare, muzeul Soane este condus până astăzi de Fundația Soane, deși în anii 1940 guvernul britanic a preluat costurile de întreținere pentru a-l menține liber publicului, așa cum a fost de la moartea lui Soane în 1837 ". Mulțumesc, domnule Soane nu s-a descurcat cu tânărul George ", a observat unul dintre gardieni cu un râs. "Aș fi fără loc de muncă!"
Am dat jos în jos prin jumătatea luminii, mi-am recuperat haina și umbrela și m-am îndreptat spre Ship Tavern, un pub din secolul al XVI-lea, după colț. În timp ce am săpat în plăcinta unui cioban, mi-am amintit cuvintele lui Benjamin Robert Haydon, un alt invitat la petrecerea sarcofagului: „A fost cel mai tare distracție imaginabilă să văd oamenii venind în bibliotecă după ce au rătăcit mai jos, în mijlocul unor morminte și capiteluri și puțuri, și capete deznădăjduite, cu un soi de expresie de ușurare încântată de a se regăsi printre cei vii și cu cafea și tort. "
Paris
Musée Jacquemart-André
Există zeci de mici muzee împrăștiate prin Paris, iar cei mai devotați patroni sunt parizienii înșiși. Unele au colecții substanțiale, cum ar fi Musée Carnavalet, care este specializată în istoria dramatică a orașului și afișează articole precum un bust al lui Marat, un model al Bastiliei și încuietori ale părului lui Marie Antoinette. Alții sunt fostele reședințe ale artiștilor și scriitorilor francezi consacrați - studioul Delacroix, apartamentul lui Victor Hugo și atrăgătorul toc de casă Maison Balzac, al cărui cel mai ilustru exponat este cofetarul monogramat al autorului.
Dar nimeni nu inspiră atâta loialitate ca Jacquemart-André.
Dacă Muzeul lui Sir John Soane distilează geniul excentric al Londrei, Musée Jacquemart-André este culmea le bon goût, bun gust. Mai mult un muzeu al conacului decât un muzeu al casei, a fost totuși acasă pentru cunoscătorii Édouard André și soția sa, Nélie Jacquemart, un cuplu fabulos de bogat, care în anii 1880 și 90 au construit propria lor lume de artă și frumusețe de sine stătătoare pe Boulevard Haussmann - o bulevardă la modă pe malul drept, nu departe de Champs-Élysées - plină de capodopere pe care curatorii Louvre le pândesc fără îndoială până în zilele noastre.
La prima vedere, muzeul nu putea fi mai diferit de cel al lui Soane. Izbucnind de culoare, emană un sentiment luxuriant de spațiu. Dar nu mai puțin decât cel al lui Soane, îi mărește pe vizitatori într-o altă epocă - în acest caz, Parisul La Belle Époque, când orașul a înflorit capitala eleganței Europei și până în epoca de aur chiar a lui Ludovic al XV-lea și Ludovic al XVI-lea.
Nu mai repede se face un pas de la vechea carosabilă într-o curte formală decât sunetul traficului parizian se estompează. Urcând pași largi de piatră, grași de lei sculptate, se simte o înflăcărare a privilegiului, ca un oaspete care a fost invitat la o soiră privată. În interior, unul este întâlnit de un portret de trei sferturi, însuși, al maestrului, Édouard André - o figură scobitoare în uniforma Gărzii Imperiale sub împăratul Napoleon al III-lea, completată cu broscuță de aur și pantaloni scurți. O gardienă îngrijită îi aduce pe invitați în Galeria de imagini, unde seducția continuă. André a avut o pasiune pentru arta franceză din secolul al XVIII-lea, alimentată de nostalgia sa pentru zilele pre-revoluționare, iar primul etaj este dedicat acesteia. Pe pânzele încadrate cu aur, zeițele voluptuoase plutesc dezbrăcate pe nori și copiii cu obrazul trandafir pozează cu păsări și pisoi. Un vizitator pleacă de la Grand Salon aurit în sala de muzică în creștere, unde oaspeții îmbrăcați în mod formal s-au adunat odată pentru concerte, apoi spre Grădina de iarnă acoperită cu sticlă, plină de plante exotice și marmură strălucitoare, unde o scară dublă extravagantă se învârte până în etajul doi.
Și astfel casa se desfășoară, oferind o galerie orbitoră după alta. Biblioteca, unde Édouard și Nélie făceau o părere asupra cataloagelor de artă și își puneau la punct cumpărăturile, găzduiește gama de tablouri olandeze de talie mondială, inclusiv trei Rembrandts și trei Van Dycks. Ceramica japoneză și antichitățile persane însuflețesc Sala de fumat, unde Édouard s-ar retrage după cină cu tovarășii săi masculi pentru a fuma trabucuri și pentru a discuta problemele zilei, în timp ce Sala de Tapiserie, folosită pentru întâlniri de afaceri, este căptușită cu scene din viața de țăran rus. de fabrica de tapiserie de la Beauvais în 1767. Pe măsură ce se urcă la etajul doi, o frescă ludică Tiepolo pe peretele scării înfățișează venirea lui Henric al III-lea la Veneția. Nivelul superior este dedicat „Muzeului italian” al cuplului - o singură cameră pentru sculptură renascentistă, o a doua pentru arta florentină, inclusiv două tablouri de Botticelli și o a treia cameră pentru îndrăgita colecție de artă a Veneției.
Conacul, care a fost proiectat pentru André de arhitectul Henri Parent, a fost finalizat în 1875, când Boulevard Haussmann era una dintre cele mai elegante adrese ale Parisului, iar André era unul dintre burlacii cei mai eligibili ai orașului. Moștenitor al unei averi bancare enorme, se dezamăgise de viața publică și a decis să se dedice culegerii de artă și publicării unei reviste de arte plastice. În 1881, când avea aproape 50 de ani, s-a căsătorit cu Nélie Jacquemart, femeia care-și pictase portretul cu nouă ani mai devreme. În multe privințe, ea a fost un meci puțin probabil pentru acest bulevard aristocratic. Aproape 40 de ani înșiși, Jacquemart nu era o frumusețe de înaltă societate. Era o femeie independentă dintr-un fundal umil - în mod evident ilegitim - care se sprijinise ca portretistă, o realizare neobișnuită pentru o femeie la acea vreme.
A fost o căsătorie bazată pe gustul comun. În cei 13 ani de zile împreună, cuplul a călătorit o parte din fiecare an, cel mai adesea în Italia, unde au participat la licitații cu ajutorul unor experți de la Luvru, care au fost motivați să câștige artă pentru Franța. După ce Édouard a murit în 1894, la 61 de ani, Nélie a continuat să călătorească în lume, mergând până în Birmania pentru cumpărăturile ei. La moartea ei, la 71 de ani în 1912, a donat casa Institutului de Franță (organizație academică care administrează fundații și muzee) cu condiția ca colecția să rămână intactă, pentru ca publicul francez să poată vedea, a spus în testamentul său, „unde o pereche de iubitori de artă amatori au trăit o viață de plăcere și lux.”
Într-adevăr, este o plăcere enormă de a fi privit de la a vedea picturile și sculpturile cuplului amestecate cu obiectele lor de artă și mobilier fin într-un cadru casnic. După un timp, însă, chiar și cel mai fin gust poate fi puțin supraîncărcător. Vizitatorii nu se pot abține să vorbească cu tonuri reduse, pentru a nu supăra echilibrul rafinat.
Dar conacul izbucnește într-o viață exuberantă în sala de mese - fosta inimă a conacului original - care a fost transformată într-unul dintre cele mai somptuoase cafenele-restaurante din Paris. În această cameră aerisită, în care cuplul și-a distrat prietenii sub tapițeri fastuoase, acum se poate bucura de o niçoise salată și un pahar de sauvignon blanc. Există un sentiment ciudat de a fi urmărit aici și nu doar de colegii de serviciu: tavanul este o glumă minunată, o altă frescă Tiepolo - aceasta înfățișând o mulțime de nobili venețieni care se apleacă pe o balustradă, arătând și zâmbind spre mesele de mai jos.
Cocoțată pe manta este un bust al lui Nélie Jacquemart. Mulți nu s-au potrivit cu setul la modă al orașului - mai târziu în viață, s-a retras în castelul său rural, Chaalis, astăzi un alt muzeu al casei mari, la 30 de mile în afara orașului - dar a luat cu siguranță o mândrie aprigă în colecția ei și una își imaginează încă bazându-se în plăcerea pe care o creează.
Madrid
Muzeul Sorolla
Madrid este un oraș de fațade extravagante ale căror adevărate atracții se află în spatele ușilor închise. Ascuns dincolo de un zid de piatră din fostul district al clasei muncitoare din Chamberí, la 10 minute de mers cu taxiul din agitația Plaza Mayor din centrul Madridului, se află muzeul Sorolla plin de soare. Fostul studio de casă și artă al unuia dintre cei mai îndrăgiți pictori din Spania, Joaquín Sorolla y Bastida, este o grădină suculentă de fântâni sclipitoare și flori exuberante, o explozie de culoare mediteraneană și joie de vivre .
Din 1911 până în 1923, această casă în stil andaluz a fost reședința unuia dintre cei mai cunoscuți artiști din lume. Născut într-o familie umilă din Valencia în 1863, Sorolla și-a păstrat distanța de mișcările de avangardă ale Europei, dar a câștigat faima internațională pentru tehnica sa subtilă, evocând jocul de soare în scenele sale cu plaje mediteraneene și imagini din viața de zi cu zi spaniolă.
Intrarea în limitele seducătoare ale compusului, unde Sorolla locuia împreună cu soția și cei trei copii, este ca și cum ai intra într-unul dintre picturile luminoase ale artistului. Cu înfloririle sale moroase, bazinele liniștite și sunetul mereu prezent al apei curgătoare, grădina era locul în care cel mai iubea să picteze. Când am vizitat, Arcadia privată a lui Sorolla s-a umplut de studenți serioși de artă care experimentau cu acuarele în colțurile umbroase. Pașii cu gresie duc până la casă, ale căror prime camere își afișează lucrările, la fel cum au făcut acum 80 de ani pentru cumpărătorii potențiali. Spațiile de locuit ale casei conțin mobilierul Art Nouveau original al familiei și lămpile Tiffany. Dar miezul emoțional al casei este studioul lui Sorolla, o cameră mare boltită vopsea un roșu roz și sufocat de soare. Șevaletele lui Sorolla stau gata, de parcă tocmai ar fi plecat pentru o siesta; paletele, periile și tuburile de vopsea pe jumătate folosite sunt aproape. Un pat mic turcesc ocupă un colț al camerei și o carte cu cântece din secolul al XVI-lea este deschisă pe un stand. Un desen Sorolla realizat din celebrul portret al lui Velázquez al papei Inocențiu X prezide toate.
Sorolla s-a mutat în casa, pe care a construit-o, în 1911, în punctul cel mai înalt al carierei sale. Până atunci își expusese lucrările de la Londra la St. Louis, Missouri, se dăduse cu premii internaționale, intelectuali și artiști împrieteni, printre care John Singer Sargent, pictase portretul regelui spaniol Alfonso al XIII-lea și al președintelui american William Howard Taft și, sub Archer Huntington, patronul moștenitorului feroviar, fusese însărcinat să picteze o vastă murală în Societatea Hispanică a Americii din New York.
După moartea sa la 60 de ani în 1923, reputația internațională a lui Sorolla a avut de suferit, umbrită de munca postimpresionistilor precum Cézanne și Gauguin. La fel ca și cu prietenul său Sargent, mulți critici au decis că Sorolla este prea conservator și comercial. Dar la Madrid, poziția artistică a lui Sorolla nu a fost niciodată zguduită și de la deschiderea de către văduva și fiul său în 1931, Muzeul Sorolla, care adăpostește și cea mai extinsă colecție a operelor sale din lume, s-a bucurat de un curent constant de pelerini. Astăzi, credința lor este reivindicată; Sorolla este reevaluată de critici, care îl plasează ca punte de legătură între vechii maeștri spanioli precum Velázquez și Goya și postimpresioniștii. În 2006, prestigiosul muzeu Thyssen-Bornemisza din Madrid a găzduit „Sargent / Sorolla”, o expoziție care urmărește carierele paralele ale perechii.
La Muzeul Sorolla, ca în toate muzeele casei, intră o coardă de melancolie: artistul, aflăm, picta un portret în iubita sa grădină în 1920, când, la 57 de ani, a suferit un accident vascular cerebral. Deși a trăit încă trei ani, a produs puține lucrări noi. Dar astfel de meditații sumbre nu se potrivesc casei sau spiritului senzual al Madridului modern. Cea mai bună soluție - așa cum probabil ar fi fost de acord Sorolla însuși - este să vă îndreptați către o cafenea din apropiere pentru a sorbi un pahar de vino blanco și a face coș în soarele spaniol.
Praga
Casa Madonei Negre: Muzeul cubismului ceh
Neatins de două războaie mondiale, inima Praga se simte ca o fantezie a Europei Vechi. Spirele gotice încadrează cafenelele Art Nouveau, iar pe Ceasul Astronomic Medieval, alături de casa copilăriei lui Franz Kafka din Piața Vechiului Oraș, o statuie a Morții trage în continuare cordonul clopotului pentru a lovi ora. Dar dacă cobori o stradă barocă numită Celetna, te confrunți cu un aspect foarte diferit al orașului - casa neagră și surprinzătoare a Madonei Negre, una dintre primele clădiri cubiste din lume și acasă la Muzeul Cubismului Ceh. Proiectată de arhitectul din Praga Josef Gocar, Casa a fost șocant de modernă, chiar revoluționară, când a deschis ca magazin mare în 1912 - și se pare încă și astăzi. Forma de ansamblu este în mod corespunzător în formă de cutie și probabil austeră, dar la o inspecție mai atentă fațada este ruptă prin utilizarea inventivă a unghiurilor și planurilor. Ferestrele mari ale golfului ies ca niște cristale de cuarț, iar ornamentația unghiulară aruncă umbre subtile. Interiorul nu este mai puțin neobișnuit, prima utilizare a orașului din beton armat care permite construirea unor spații deschise generoase. Numele ciudat al Casei provine de la statuia secolului al XVII-lea al Madonei Negre și Copilului salvat dintr-o structură anterioară de pe șantier și acum cocoțat ca un cap de figură pe un colț al clădirii.
Dar nici măcar Madona nu a putut proteja Casa de încolăcirea istoriei cehe. În urma celui de-al Doilea Război Mondial și ascensiunea comuniștilor la putere, magazinele au fost treptat defalcate și împărțite în spații de birouri. După ce Revoluția de catifea din 1989 a încheiat stăpânirea comunistă, clădirea a avut o viață scurtă ca centru cultural, dar abia în 2003 și-a găsit rolul logic în țesătura Praga - ca un altar al gloriilor cubismului ceh.
Cei mai mulți dintre noi considerăm cubismul ca o mișcare esoterică de avangardă avansată de artiștii parizieni Pablo Picasso, Georges Braque și alții în anii premergători Primului Război Mondial, dar mișcarea a cuprins Europa și a fost îmbrățișată și în capitalele rusești și est-europene ... nicăieri mai avid decât la Praga, unde cubismul a fost confiscat, doar pentru un moment incandescent, ca o posibilă cheie a viitorului.
„La Paris, cubismul a afectat doar pictura și sculptura”, spune Tomas Vlcek, directorul Colecției de artă modernă și contemporană din Galeria Națională a țării, care supraveghează Muzeul cubismului ceh. "Numai la Praga a fost adaptat cubismul la toate celelalte ramuri ale artelor vizuale - mobilier, ceramică, arhitectură, design grafic, fotografie. Așadar, cubismul din Praga a fost un mare experiment, o căutare a unui stil modern, care ar putea fi distinct Ceh."
Coteria cubiștilor cehi - în principal Gocar, Otto Gutfreund și Bohumil Kubista - s-au reunit pentru prima dată în 1911, fondând o revistă numită Artistic Monthly și organizând expoziții proprii în anii premergători Primului Război Mondial. A fost o perioadă de optimism intens și energie în Praga. Această mică metropolă din Europa de Est, una dintre cele mai bogate din Imperiul Austro-Ungar, și-a atras tradițiile vibrante cehe, germane și evreiești pentru o explozie creativă. Artiști expatriați se întorceau de la Paris și Viena pentru a împărtăși noi idei radicale în saloane; Kafka scria primele sale povești de coșmar; Albert Einstein a ținut prelegeri în oraș ca profesor. „A fost ceva asemănător cu paradisul”, spune Vlcek, arătând neliniștit.
Astăzi, Muzeul Cubismului Ceh este un altar al perioadei înalte a mișcării (1910-19), clădirea în sine fiind expoziția principală. Intrarea este un studiu unghiular în fier forjat. În interior, unul urcă imediat o scară cu design cubist. Spre deosebire de scările din Nude Descending a scale de Marcel Duchamp, treptele sunt uniform, dar balustrada metalică este o interacțiune complexă a formelor geometrice. Există trei etaje de exponate cubiste, umplute cu forme de artă unice Praga. Canapele elegante, mesele de îmbrăcăminte și fotoliile de salon toate au linii oblice dramatic. Există sculpturi și picturi abstracte, grafică îndrăzneață, în zig-zag, și vaze cockeyed, oglinzi și căni de fructe.
Deși este posibil să nu fie strict un muzeu al casei, acesta are un sentiment domestic. Numeroasele portrete alb-negru ale artiștilor obscuri din pălăriile și papionurile dezvăluie dezvăluie o distribuție înfloritoare, boemă de personaje: o canapea, învățăm, a fost „proiectată pentru actorul Otto Boleska”, alta pentru „profesorul părinte Zaviska. " Ceea ce sună ca o parodie Woody Allen a autoabsorbției culturale surprinde natura idiosincratică a Praga în sine, un oraș care se mândrește cu istoria sa cea mai arcană. Și ca toate micile muzee în legătură cu originile lor, trăsăturile unice au readus fantomele foarte mult la viață. Vizitatorii pot acum să se retragă în restaurantul cubist originar al clădirii, Grand Café Orient, proiectat de Gocar în 1912. Acest hangout al artiștilor de odinioară a fost închis în anii 1920 și scăpat în perioada comunistă, dar cercetătorii meticuloși au folosit puținele planuri de supraviețuire și fotografii pentru a-l recrea. Acum, după un hiatus de opt ani, o nouă generație de boemi se poate așeza sub candelabre cubiste în scaune cubiste (nu la fel de incomode pe cât sună) pentru a argumenta politica în privința unei vârfuri de Pilsener nepasteurizate. În sfârșit, la parter, magazinul muzeului a recreat o serie de căni, vaze și seturi de ceai cubiste din designurile originale ale arhitectului și artistului Pavel Janak și oferă reproduceri ale mobilierului cubist de Gocar și alții.
După o după-amiază cufundată în toate acele unghiuri, am început să observ urme subterane cubiste în cornucopia arhitecturală a străzilor din Praga - pe ușa unui fost sediu al sindicatelor, de exemplu, și pe un arc elegant care încadra o sculptură barocă lângă o biserică. . Inspirat, am decis să depistez o lampă cubistă despre care auzisem, proiectată în 1913 de către un Emil Kralicek. A fost nevoie de o mică luptă cu numele străzilor cehe, dar am găsit-o în cele din urmă pe o alee din spate în Orașul Nou: părea o stivă de cristale așezate pe capăt.
Îmi puteam imagina că Sir John Soane - transportat la Praga modernă - oprindu-se în fața ei cu admirație neclintită.
Cea mai recentă carte a lui Tony Perrottet, Napoleon's Privates, o colecție de povești excentrice din istorie, este publicată luna aceasta de la HarperCollins.
