Edvard Munch, care nu s-a căsătorit niciodată, și-a numit picturile copiii și a urât să fie despărțiți de ei. Trăind singur pe moșia sa în afara Oslo în ultimii 27 de ani din viață, din ce în ce mai venerat și din ce în ce mai izolat, s-a înconjurat de o muncă care datează de la începutul lungii sale cariere. La moartea sa în 1944, la vârsta de 80 de ani, autoritățile au descoperit - în spatele ușilor încuiate la al doilea etaj al casei sale - o colecție de 1.008 de tablouri, 4.443 de desene și 15.391 de imprimeuri, precum și tăieturi de lemn, gravuri, litografii, pietre litografice, blocuri de lemn, plăci de cupru și fotografii. Cu toate acestea, într-o ultimă ironie a vieții sale dificile, Munch este cunoscut astăzi ca fiind creatorul unei singure imagini, care și-a întunecat realizarea generală ca pictor și imprimator de pionierat și influent.
Continut Asemanator
- Oferta lui Gauguin pentru Slavă
The Munch's The Scream este o icoană a artei moderne, o Mona Lisa pentru vremea noastră. În timp ce Leonardo da Vinci a evocat un ideal renascentist de seninătate și autocontrol, Munch a definit modul în care vedem propria noastră vârstă - năprasnită de anxietate și incertitudine. Pictura lui dintr-o făptură fără sex, răsucită, cu față fetală, cu gura și ochii deschiși într-un strigăt de groază, a creat o viziune care îl apucase în timp ce mergea într-o seară în tinerețe cu doi prieteni la apusul soarelui. După cum l-a descris mai târziu, „aerul s-a transformat în sânge”, iar „fețele tovarășilor mei au devenit un galben-alb galben”. Vibrând în urechi, a auzit „un uriaș curs de țipete nesfârșite prin natură”. A realizat două picturi în ulei, două pasteluri și numeroase imprimeuri ale imaginii; cele două tablouri aparțin Galeriei Naționale din Oslo și Muzeului Munch, tot în Oslo. Ambele au fost furate în ultimii ani, iar muzeul Munch încă lipsește. Furturile au adăugat doar nenorocire și notorietate postumă unei vieți pline de ambele, iar atenția adăugată la imaginea purlată a denaturat în continuare reputația artistului.
În scopul corectării echilibrului, o retrospectivă majoră a operei lui Munch, prima care a avut loc într-un muzeu american în aproape 30 de ani, a fost deschisă luna trecută la Muzeul de Artă Modernă din New York. „Toată lumea știe, dar toată lumea nu-l cunoaște pe Munch”, spune Kynaston McShine, curatorul MoMA care a organizat expoziția. „Toți au ideea că îl cunosc pe Munch, dar chiar nu”.
Munchul care se materializează în acest spectacol este un inovator neliniștit ale cărui tragedii personale, boli și eșecuri i-au hrănit activitatea creatoare. „Teama mea de viață este necesară pentru mine, așa cum este și boala mea”, a scris el odată. "Fără anxietate și boală, sunt o corabie fără cârme ... Suferințele mele sunt o parte a sinelui meu și a artei mele. Ele nu se disting de mine, iar distrugerea lor mi-ar distruge arta." Munch credea că un pictor nu trebuie să transcrie doar realitatea externă, ci ar trebui să înregistreze impactul pe care o scenă amintită l-a avut asupra propriei sale sensibilități. După cum s-a demonstrat într-o expoziție recentă de autoportret la Moderna Museet din Stockholm și la Royal Academy of Arts din Londra, o mare parte din opera lui Munch poate fi văzută ca autoportret. Chiar și pentru un artist, era excepțional narcisist. "Opera lui Munch este ca o autobiografie vizuală", observă McShine.
Deși și-a început cariera artistică ca student al pictorului norvegian Christian Krohg, care a susținut reprezentarea realistă a vieții contemporane cunoscută sub numele de Naturalism, Munch a dezvoltat un stil încărcat psihic și expresiv pentru a transmite senzație emoțională. Într-adevăr, până când și-a ridicat peria pe șevalet, de obicei nu mai acorda atenție modelului său. „Nu pictez ceea ce văd, ci ceea ce am văzut”, a explicat el odată. Influențat ca tânăr prin expunerea sa la Paris la opera lui Gauguin și van Gogh, care au respins ambele convențiile academice ale Salonului oficial, a progresat spre forme simplificate și blocuri de culoare intensă, cu scopul de a transmite sentimente puternice. La începutul anului 1890, într-o nuanță, Munch a renunțat la clasa unui apreciat profesor de pictură parizian care-l criticase pentru că a portretizat un zid de cărămidă roz, în nuanțele verzi care i se arătau într-o imagine posterioară. În moduri care au antagonizat criticii de artă contemporană, care l-au acuzat că ar fi arătat „o schiță demis-eliminată pe jumătate” și s-au batjocorit de „bloburile de culoare aleatoare”, el avea să încorporeze în tablourile sale zgârieturi asemănătoare cu graffiti sau să-și subțire vopsea lasă-l să picure liber.
Simplitatea radicală a tehnicii sale de sculptură în lemn, în care a folosit adesea o singură culoare strălucitoare și a expus grâul lemnului pe imprimeu, poate părea încă uimitor de nouă. Pentru tăieturile de lemn, el și-a dezvoltat propria metodă, incitând imaginea cu lovituri late și dure și tăind blocurile de lemn finite în secțiuni pe care le-a cernut separat. Stilul său de imprimare, precum și compoziția îndrăzneață și paleta de culori a picturilor sale, ar influența profund expresioniștii germani de la începutul secolului XX, inclusiv Ernst Ludwig Kirchner și August Macke. Însă caracteristic, însă, Munch a scuturat rolul de mentor. Prefera să stea deoparte.
„El a vrut să fie considerat un artist contemporan, nu un maestru vechi”, spune Gerd Woll, curator principal la Muzeul Munch. A îmbrățișat fără teamă șansa. Vizitatorii studioului său au fost șocați când au văzut că și-a lăsat picturile din uși în tot felul de vreme. „Din primii ani, critica lui Munch a fost că nu și-a terminat picturile, au fost schițe și începe”, spune Woll. "Acest lucru a fost adevărat, dacă le comparați cu picturile din salon. Dar el a vrut să arate neterminat. El a vrut să fie brute și aspre, și nu netede și strălucitoare." Era emoția pe care voia să o înfățișeze. "Nu este scaunul care trebuie pictat", a scris el odată, ci ceea ce o persoană a simțit la vederea lui.
Una dintre cele mai timpurii amintiri ale lui Munch a fost mama sa, limitată la tuberculoză, privind cu ochii întinși de pe scaunul ei, pe câmpurile care se întindeau în afara ferestrei casei lor din Kristiania (acum Oslo). Ea a murit în 1868, lăsând Edvard, care avea 5 ani, cele trei surori ale sale și fratele mai mic în grija soțului ei mai mare, Christian, un doctor imbufnat de o religiozitate care s-a întunecat adesea în fanaticism sumbru. Mătușa lui Edvard, Karen, a venit să locuiască cu familia, dar cea mai profundă afecțiune a băiatului a rămas cu Sophie, sora sa mai mare. Moartea ei nouă ani mai târziu, la 15 ani, tot de tuberculoză, l-a lăsat pe viață. Pe moarte, a cerut să fie ridicat din pat și așezat pe un scaun; Munch, care a pictat multe compoziții ale bolii ei și zilele trecute, a păstrat acel scaun până la moartea sa. (Astăzi este deținut de Muzeul Munch.)
Compunând mizeria lui Edvard era propria sa sănătate fragilă. După cum povestește Sue Prideaux în noua sa biografie, Edvard Munch: Behind The Scream, el a avut tuberculoză și a scuipat sânge ca băiat. Preferința exprimată de tatăl său pentru următoarea lume (o trăsătură alarmantă la un medic) nu a amplificat decât sentimentul ființei iminenței morții. Unul dintre cele mai frumoase autoportrete ale lui Munch, o litografie din 1895, înfățișează capul și gulerul cu aspect cleric care se materializează dintr-un fundal negru; o bandă albă subțire din partea superioară a lucrării conține numele său și anul, iar o fâșie corespunzătoare de mai jos prezintă un braț scheletic. „Am moștenit doi dintre cei mai înspăimântători dușmani ai omenirii - moștenirea consumului și a nebuniei - boala, nebunia și moartea au fost îngerii negri care stăteau la leagănul meu”, a scris el într-un jurnal privat nedatat. Într-o saga de nenorocire fără sfârșit, una dintre surorile lui Edvard și-a petrecut cea mai mare parte a vieții instituționalizate pentru boli mintale, iar fratele său, care părea atipic robust pentru un Munch, a murit brusc de pneumonie la 30 de ani. Numai că sora lui cea mai tânără, Inger, care ca el nu s-a căsătorit niciodată, a supraviețuit la bătrânețe.
Talentul precoce al lui Edvard a fost recunoscut din timp. Cât de rapid a evoluat arta sa (și personalitatea sa) se poate observa din două autoportrete. Un profil mic, de trei sferturi pe carton, pictat în 1881-82 când avea doar 18 ani, înfățișează aspectele clasice bune ale artistului - nasul drept, gura arcul de cupidon, bărbia puternică - cu o perie fină și corectitudine academică. Cinci ani mai târziu, lucrarea cuțit-palet a lui Munch într-un autoportret mai mare este impresionistă și plină de impresie. Părul și gâtul lui se estompează pe fundal; privirea coborâtă și bărbia afară, îi împrumută un aer insolent; iar jantele roșii ale ochilor sugerează nopți năstrușnice, nedormite, începutul unei coborâri îndelungate în alcoolism.
Pentru un portret întreg, în 1889, al lui Hans Jaeger, nihilistul din inima mulțimii boem din Kristiania cu care Munch a fraternizat din ce în ce mai mult, artistul l-a pozat pe scriitorul notoriu într-un soar pe o canapea, cu o sticlă de sticlă pe masa din față. de el și o pălărie jos pe frunte. Capul lui Jaeger este nemișcat, iar ochii i se îndreaptă spre o poziție arogantă și dizolvată. Alături de astenie psihologică, portretul convingător demonstrează conștientizarea lui Munch de evoluțiile recente ale picturii. Brățarea albastră și gri-albă a hainei lui Jaeger sugerează impresionismul, în special opera lui Cézanne, pe care norvegianul ar fi putut să o vadă în călătoriile la Paris în 1885 și 1889.
Pentru Christian Munch, care se lupta să plătească cheltuielile educației fiului său, asocierea lui Edvard cu tovarăși dubioși a fost o sursă de angoasă. Edvard a fost sfâșiat. Deși îi lipsea credința tatălui său în Dumnezeu, totuși își moștenise sentimentul de vinovăție. Reflectând mai târziu prietenii săi boemi și îmbrățișarea lor de dragoste liberă, el a scris: „Dumnezeu - și totul a fost răsturnat - toată lumea râde într-un dans salbatic, deranjat al vieții ... Dar nu m-am putut elibera de frica mea de viață. și gânduri ale vieții veșnice ".
Aparent, prima sa experiență sexuală a avut loc în vara anului 1885, când avea 21 de ani, cu Millie Thaulow, soția unui văr îndepărtat. S-ar întâlni în pădurea din apropierea fermecătorului sat pescăresc din Aasgaardstrand. El a fost înnebunit și încântat în timp ce relația a durat și chinuită și dezolantă când Millie a încheiat-o după doi ani. Tema unui bărbat îndepărtat și a unei femei dominante l-a fascinat pe Munch. Într-una din cele mai celebre imagini ale sale, Vampire (1893-1984), o femeie cu păr roșu poate fi văzută scufundându-și gura în gâtul unui iubit cu aspect disconsolat, tulburile ei curgându-se peste el ca niște penei otrăvitoare. Într-un alt tablou major, cenușa sa din 1894, o femeie care amintește de Millie se confruntă cu privitorul, rochia albă dezlipită pentru a dezvălui o alunecare roșie, cu mâinile ridicate în părțile laterale ale capului, în timp ce un iubit îndurerat își ține capul în disperare.
Munch a fost la Paris în noiembrie 1889, când un prieten i-a trimis o scrisoare. Verificând că conține o veste proastă, el și-a luat rămas bun prietenului și a plecat singur la un restaurant din apropiere, părăsit, cu excepția a câteva chelneri, unde a citit că tatăl său a murit de un accident vascular cerebral. Deși relația lor a fost plină - „Nu mi-a înțeles nevoile; nu am înțeles lucrurile pe care le prețuia cel mai mult”, a observat Munch odată - moartea nu l-a afectat. Acum șef al unei familii presate din punct de vedere financiar, el a fost supărat de responsabilitate și strâns de remușcări că nu a fost cu tatăl său când a murit. Din cauza acestei absențe, nu și-a putut elibera sentimentele de durere într-un tablou al scenei morții, așa cum o făcuse când mama și sora sa Sophie au murit. Noaptea în Saint Cloud (pictată în 1890), un interior albastru plin de atmosferă al apartamentului său din Paris din suburbie, îi surprinde starea de spirit. În ea, o figură de umbră într-o pălărie de vârf - colegul său de cameră, poetul danez Emanuel Goldstein - privește pe o fereastră la luminile luminoase de pe râul Sena. Lumina de seară, care curge printr-o fereastră plictisită, aruncă pe podea un model simbolic al unei cruci, evocând spiritul devotatului său tată.
După moartea tatălui său, Munch a pornit pe cea mai productivă - dacă este cea mai tulburată - etapă a vieții sale. Împărțindu-și timpul între Paris și Berlin, a întreprins o serie de tablouri pe care le-a numit Friseul vieții . A produs 22 de lucrări ca parte a seriei pentru o expoziție din 1902 a frizei de la Berlin. Sugestiv pentru starea lui de spirit, tablourile purtau astfel de titluri precum Melancolie, Gelozie, Disperare, Anxietate, Moartea în Sickroom și The Scream, pe care le-a pictat în 1893. Stilul său variază dramatic în această perioadă, în funcție de emoția pe care o încerca. a comunica într-un anumit tablou. El a apelat la un Art Nouveau sultriness for Madonna (1894-95) și la un simbol simbolizat, încărcat psihologic pentru Dream Night's Dream (1893). În superbul său autoportret cu țigara din 1895, pictat în timp ce era împrietenit febril cu The Frieze of Life, el a folosit pensula strălucitoare a lui Whistler, zgâriat și frecat la sacoul costumului, astfel încât corpul său să apară la fel de evanescent ca fumul care urmărește din țigara pe care o ține mocnit lângă inimă. În Death in the Sickroom, o evocare emoționantă a morții lui Sophie pictată în 1893, el a adoptat contururile grafice îndrăznețe ale lui Van Gogh, Gauguin și Toulouse-Lautrec. În ea, el și surorile sale se află în prim-plan, în timp ce mătușa și tatăl său rugător participă la moartea fetei, care este întunecată de scaunul ei. Peste vastul spațiu care împarte frații vii (înfățișați ca adulți) de sora lor muribundă, privirea privitorului este atrasă de patul vacant și de medicamente inutile din spate.
Frisa a obținut o largă aprobare la Berlin, iar Munch a fost brusc colectabil. „Din combinația de încântare nordică crudă în ceea ce privește culoarea, influența lui Manet și un penibil pentru reverie, ceva cu totul special”, a scris un critic. - Este ca un basm, se bucură Munch într-o scrisoare către mătușa sa. Dar, în ciuda plăcerii sale pentru succesul întârziat, Munch a rămas departe de a fi fericit. Unele dintre cele mai puternice tablouri din serie au fost cele pe care le-a finalizat cel mai recent, cronicizând o poveste de dragoste care a indus mizeria de care spunea adesea că îi cere pentru arta sa.
În 1898, într-o vizită la Kristiania, Munch a întâlnit-o pe femeia care avea să devină muza lui crudă. Tulla Larsen era fiica înstărită a principalului comerciant de vinuri al Kristianiei, iar la 29 de ani, era încă necăsătorită. Biografii lui Munch s-au bazat pe conturile sale uneori conflictuale și departe de conturile dezinteresate pentru a reconstrui relația chinuită. El a dat cu ochii pe Larsen când a ajuns la studioul său în compania unui artist cu care a împărțit spațiul. Încă de la început, ea l-a urmărit agresiv. În povestirea sa, aventura lor a început aproape împotriva voinței sale. El a fugit - la Berlin, apoi într-o lună de timp în toată Europa. A urmat. El avea să refuze să o vadă, apoi să cedeze. El a memorializat relația lor în Dansul vieții din 1899-1900, stabilit în noaptea de vară în Aasgaardstrand, satul de pe litoral unde a încercat odată cu Millie Thaulow și unde, în 1897, a cumpărat o cabană minusculă. În centrul imaginii, un personaj masculin cu ochi vacanți, reprezentându-l pe Munch însuși, dansează cu o femeie într-o rochie roșie (probabil Millie). Ochii lor nu se întâlnesc, iar trupurile lor rigide mențin o distanță nefericită. În stânga, Larsen poate fi văzut, cu părul auriu și zâmbind binevoitor, într-o rochie albă; în dreapta, apare din nou, de data aceasta încruntându-se într-o rochie neagră, înfățișarea ei la fel de întunecată ca îmbrăcămintea pe care o poartă, cu ochii înfocați în dezamăgire sumbră. Pe o peluză verde, alte cupluri dansează pofticios în ceea ce Munch numise acel „dans al vieții deranjat” - un dans la care nu îndrăznea să se alăture.
Larsen tânjea ca Munch să se căsătorească cu ea. Cabana sa Aasgaardstrand, care acum este un muzeu al casei, conține căsuța de nuntă antică, făcută pentru un trousseau al miresei, pe care i-a oferit-o. Deși a scris că atingerea „buzelor ei înguste și înfundate” se simțea ca sărutul unui cadavru, el a cedat imprecierilor ei și chiar a mers până a făcut o propunere zgârcitoare. „În nenorocirea mea cred că cel puțin ai fi mai fericit dacă ne-am căsători”, i-a scris el. Apoi, când a venit în Germania să-i prezinte actele necesare, le-a pierdut. Ea a insistat să călătorească la Nisa, întrucât Franța nu a necesitat aceste documente. Odată ajuns acolo, a scăpat peste granița în Italia și, eventual, la Berlin, în 1902, pentru a pune în scenă expoziția The Frieze of Life .
În vara aceea, Munch s-a întors la cabana sa din Aasgaardstrand. El a căutat pace, dar a băut foarte mult și s-a luptat public, nu a reușit să o găsească. Apoi, după mai mult de un an de absență, Larsen a reapărut. El a ignorat răgazurile ei, până când prietenii ei l-au informat că se află într-o depresie suicidară și luând doze mari de morfină. El a acceptat cu reticență să o vadă. A existat o ceartă și, într-un fel, povestea completă este necunoscută - s-a împușcat cu un revolver, pierzând o parte a unui deget pe mâna stângă și, de asemenea, infligându-și o vătămare psihologică mai puțin evidentă. Propensă unor sentimente de persecuție exagerate - în tabloul său Golgota din 1900, de exemplu, s-a înfășurat în cuie pe o cruce - Munch a mărit fiasco-ul în mintea sa, până când a presupus o scară epică. Descriindu-se la persoana a treia, el a scris: „Toți se uitau la el, la mâna deformată. A observat că cei cu care împărțea o masă erau dezgustați de vederea monstruozității sale”. Furia lui s-a intensificat atunci când Larsen, la scurt timp, s-a căsătorit cu un alt artist. "M-am sacrificat inutil pentru o curvă", a scris el.
În următorii câțiva ani, băutura lui, care fusese multă vreme excesivă, a devenit incontrolabilă. „Furia venea din ce în ce mai des acum”, a scris el în jurnalul său. "Băutura a fost menită să-i calmeze, mai ales dimineața, dar pe măsură ce ziua m-a purtat am devenit nervoasă, supărată." Supărat cum a fost, a reușit totuși să producă unele dintre cele mai frumoase lucrări ale sale, inclusiv un tableau (executat în mai multe versiuni) în care se folosește ca model pentru ucisul revoluționar francez Marat, iar Larsen este distribuit ca asasinul lui Marat, sumbra., implacabilă Charlotte Corday. Autoportretul său din 1906 cu o sticlă de vin, în care se pictează singur la o masă de restaurant, cu doar o farfurie, o sticlă de vin și un pahar, mărturisește o neliniște intensă. Doi chelneri stau în spatele lui în restaurantul aproape gol, evocând cadrul în care citise despre moartea tatălui său.
În toamna anului 1908, Munch s-a prăbușit la Copenhaga. Auzind voci halucinante și suferind o paralizie pe partea stângă, el a fost convins de vechiul său coleg de cameră din apartamentul Saint-Cloud, Emanuel Goldstein, să se bage într-un sanatoriu privat de la marginea orașului. Acolo și-a redus băutura și și-a recăpătat o anumită stabilitate mentală. În mai, a plecat, viguros și dornic să se întoarcă la șevalet. A rămas aproape jumătate din viața sa. Cu toate acestea, majoritatea istoricilor de artă ar fi de acord cu faptul că marea preponderență a celei mai bune opere a sale a fost creată înainte de 1909. Anii lui târziu ar fi mai puțin tumultoși, dar la un preț de izolare personală. Reflectând această viziune, MoMA dedică mai puțin de o cincime din spectacol producției sale de după 1909. „În anii lui de mai târziu”, explică curatorul McShine, „nu există atât de multe picturi înfăptuitoare ca atunci când a fost implicat în viață”.
În 1909, Munch s-a întors în Norvegia, unde a început să lucreze la o serie importantă de picturi murale pentru sala de adunări de la Universitatea Oslo. Încă pe loc, decorațiile Aula, așa cum sunt cunoscute picturile murale, au semnalat noua hotărâre a lui Munch de a arăta pe partea strălucitoare, în acest caz destul de literal, cu o piesă centrală a unui soare orbitor. În noua independență a Norvegiei, Munch a fost salutat ca artist național, în măsura în care Henrik Ibsen și Edvard Grieg au decedat recent, în calitate de scriitor și compozitor național. Alături de noua sa faimă a venit bogăția, dar nu seninătatea. Păstrându-și distanța față de un public alternativ adorabil și disprețuitor, Munch s-a retras în Ekely, o proprietate de 11 acri de la periferia Oslo pe care a achiziționat-o în 1916 pentru o sumă echivalentă cu prețul a două sau trei dintre tablourile sale. Și-a apărat uneori izolarea ca fiind necesară pentru a-și produce munca. În alte momente, el a presupus că este nevoie pentru a-și menține sănătatea. "A doua jumătate a vieții mele a fost o luptă tocmai pentru a mă menține în poziție verticală", a scris el la începutul anilor '20.
La Ekely, Munch a preluat pictura peisajului, înfățișând mediul rural și viața de fermă din jurul său, la început cu o culoare veselă, mai târziu în tonuri mai sclipitoare. De asemenea, a revenit la imagini preferate, producând noi redări ale unor tablouri din The Frieze of Life . În anii următori, Munch și-a sprijinit membrii familiei supraviețuitoare și a comunicat cu ei prin poștă, dar a ales să nu îi viziteze. Și-a petrecut mare parte din timp în singurătate, documentând necazurile și indignările anilor săi înaintați. Când a fost lovit de o gripă aproape fatală în marea pandemie din 1918-1919, și-a înregistrat figura gâfâită, cu barbă într-o serie de autoportrete imediat ce a putut ridica o perie. În 1930, după ce un vas de sânge i-a izbucnit în ochiul drept și i-a afectat viziunea, el a pictat, în lucrări precum Autoportretul în timpul bolii ochilor, cheagul care i se părea - o sferă mare, neregulată, purpurie. Uneori, dădea sferei un cap și un cioc ascuțit, ca o pasăre de pradă demonică. În cele din urmă, a zburat; viziunea lui a revenit la normal.
În autoportretul dintre ceas și pat, care datează din 1940-42, nu cu mult înainte de moartea lui Munch, putem vedea ce a devenit din omul care, după cum scria, a atârnat înapoi de „dansul vieții”. Arătând rigid și stânjenit din punct de vedere fizic, stă înfipt între un ceas al bunicului și un pat, de parcă și-ar cere scuze că ocupă atât de mult spațiu. Pe un perete din spatele lui, „copiii” lui sunt așezați, unul deasupra celuilalt. Ca un părinte devotat, el a sacrificat totul pentru ei.
