De obicei, originile unei mișcări de artă nu pot fi identificate, dar pictura acrilică aborigenă modelată cu îndrăzneală a apărut pentru prima dată la un moment și loc specific. În iulie 1971, un profesor de artă, pe nume Geoffrey Bardon, a distribuit câteva pensule, vopsele și alte materiale unui grup de bărbați aborigeni din comunitatea de relocare din Papunya, aflată la 160 de mile de cel mai apropiat oraș, Alice Springs. Bardon s-a mutat în apropierea îndepărtatului deșert occidental din Sydney cosmopolită, în speranța păstrării unei culturi aborigene antice, insuflate de dezrădăcinarea populației autohtone din teritoriile lor tradiționale în anii '50 -'60. Bărbații, care l-au văzut pe Bardon distribuind materialele de artă copiilor școlii, au avut un scop mai simplu: căutau ceva de făcut. Împreună au pictat un mural pe un perete al școlii spălate, iar apoi au creat lucrări individuale într-un fost hangar militar pe care Bardon l-a numit Marea Cameră de pictură. În 1972, cu ajutorul său, 11 dintre bărbați au format o cooperativă numită Papunya Tula Artists. Până în 1974 grupul crescuse la 40 de ani.
Continut Asemanator
- Complexul de artă rock Dampier, Australia
Papunya Tula este acum una dintre cele aproximativ 60 de cooperative de arte aborigene, iar arta autohtonă autohtonă generează aproape 200 milioane de dolari în venituri anuale. Nu este doar cea mai mare sursă de venit pentru aborigenii, ci și, probabil, cea mai prestigioasă artă contemporană australiană. Prezentând modele geometrice îndrăznețe în tonuri de pământ, cu cercuri caracteristice, puncte și linii snakelike ondulate, pictura acrilică autohtonă face apel la colecții occidentali atât de artă abstractă, cât și de artă populară. Prețurile au crescut. Un tablou de dimensiuni murale din 1977 pe pânză al artistului Papunya Clifford Possum a stabilit un preț record pentru gen atunci când s-a vândut în 2007 pentru 1, 1 milioane de dolari.
Cu toate acestea, o aură specială se atașează de primele picturi mici, realizate pe plăci de masonit, de obicei mai puțin de 2 pe 3 picioare. Create înainte de a exista interes comercial, acestea beneficiază de percepția că sunt mai „autentice” decât lucrările de pânză întinsă care au venit mai târziu. Este greu de negat energia și inventivitatea plăcilor timpurii; artiștii au folosit instrumente și materiale necunoscute pentru a acoperi suprafețe bidimensionale cu modele pe care le-au folosit în pictura ritualistică a corpului sau mozaicuri cu nisip. Au improvizat, aplicând vopsea cu o crenguță sau vârful unui mâner de lemn al unei pensule. „Perioada timpurie - nu veți găsi niciodată unde să existe atâtea experimentări”, spune Fred Myers, un antropolog al Universității din New York. „Au trebuit să își dea seama totul. Există o energie pe care picturile timpurii o au, pentru că există atât de mult exces pentru comprimare. ”
Prima expoziție din Statele Unite s-a concentrat pe aceste lucrări originale - 49 de tablouri, majoritatea tablelor timpurii de Papunya - au apărut recent la Universitatea New York, în urma unor expoziții la Universitatea Cornell și la Universitatea din California din Los Angeles. Picturile sunt deținute de John Wilkerson, un capitalist de risc din New York, în domeniul medical, și de soția sa, Barbara, fost fiziolog de plante. Wilkersons colecționează artă populară americană timpurie și s-a îndrăgostit pentru prima dată de lucrările autohtone când au vizitat Australia în 1994. „Amândoi ne-am gândit:„ Nu ne place asta - ne place ”, își amintește Barbara. „Ne-a plăcut doar totul.” Cu ajutorul unui galerist din Melbourne, aceștia s-au concentrat curând pe primele tablouri.
Cea mai scumpă placă de la Wilkersons a fost pictura din Water Dreaming de la Kalipinypa din 1972, un patchwork orbitor de forme înfipte, punctate și încrucișate, cumpărate în 2000 pentru aproximativ 220.000 de dolari - mai mult de două ori prețul pe care a fost scos la licitație doar cu trei ani mai devreme. Pictura a fost realizată de Johnny Warangkula Tjupurrula, un membru original al cooperativei Papunya și unul dintre cei mai sărbătoriți. Din păcate, artistul însuși fusese trecut cu mult timp în vedere; în 1997, un jurnalist australian l-a găsit pe Warangkula, pe atunci bătrân și fără adăpost, dormind alături de alți oameni aborigeni într-un albia uscată de lângă Alice Springs. Deși ar fi primit mai puțin de 150 de dolari pentru pictura cea mai cunoscută, publicitatea din jurul vânzării din 1997 și-a reînviat oarecum cariera și a reluat curând pictura. Warangkula a murit într-un azil în 2001.
Deși mișcarea de artă autohtonă lansată în Papunya are doar patru decenii, este posibil să discernem patru perioade. În primul, care a durat aproape un an, practicile sacre și obiectele rituale erau adesea înfățișate într-un stil reprezentativ. Acest lucru a fost periculos: anumite ritualuri, cântece și obiecte religioase sunt strict limitate pentru femei și băieți neinițiați. În august 1972, la o expoziție din comunitatea aborigenă Yuendumu a izbucnit o dispută furioasă despre redările explicite din tablourile Papunya. Unii membri ai comunității au fost jigniți de reprezentările realiste ale unei palete din lemn pătrunse în aer pentru a produce un sunet zburător în ceremoniile de inițiere care sunt ascunse de femei și copii.
Ca răspuns la furie, artiștii au început să evite imaginile interzise sau să le ascundă sub puncte, stippling și traverse încrucișate. Așa a început următoarea perioadă. Un înaintaș al acelui stil, pictat în jurul lunii august 1972, este Water Dreaming la Kalipinypa, în care vălurile elaborate ale lui Warangkula dobândesc o frumusețe fascinantă care se leagă de tema simbolică a picăturilor de ploaie care aduc vegetația agitând sub pământ.
„Cred că bărbaților mai în vârstă le place să se joace aproape că vă arată”, spune Myers. Nu este doar un joc. Aceste picturi reflectă practica rituală tradițională; de exemplu, într-o ceremonie de inițiere, băieții adolescenți ale căror corpuri sunt pictate în modele geometrice sau punctate apar în fața femeilor noaptea printr-o scrâșnie de fum, astfel încât desenele pot fi văzute, dar nu se văd clar. „Aveți oameni care au deja o tradiție de a lucra cu ascundere și revelație”, spune Myers.
În a treia perioadă, arta a găsit o piață comercială cu pânze de mare anvergură în anii '80. Iar a patra perioadă, aproximativ din anii 90 până în prezent, include picturi comerciale de calitate inferioară - disprețuite de unii dealeri de artă drept „puncte pentru dolari” - care reduc cererea turistică de suveniruri. Unii pictori stabilesc astăzi marcaje geometrice, în stil aborigen, fără niciun secret de bază pentru a deghiza. (Au existat chiar cazuri de artă autohtonă falsă produsă de backpackers.)
Cu toate acestea, continuă să se producă multă muncă fină. "Sunt foarte optimist, pentru că cred că este uimitor că a durat cât a avut", spune Myers. Roger Benjamin, un istoric de artă al Universității din Sydney, care a curat expoziția „Icoanele deșertului”, spune că predicțiile sumbre de la sfârșitul anilor '80 nu au fost luate în considerare: „Mai puțini artiști originali pictează, iar oamenii au crezut că mișcarea era pe moarte. Nu s-a întâmplat asta.
O schimbare izbitoare este că mulți pictori autohtoni sunt astăzi femei, care au propriile povești și tradiții de povestit. „Femeile care pictează în Papunya Tula au acum tendința de a folosi culori mai puternice și, în special doamnele mai în vârstă, sunt mai puțin meticuloase”, spune Benjamin.
Deși aparent abstracte, picturile multistratate reflectă experiența aborigenă de a citi secretele voalate ale deșertului ostil - divizarea apei subterane și prezicerea locului în care vor reapărea plantele în primăvară. Conform mitologiei aborigene, deșertul a fost marcat de mișcările strămoșilor legendari - rătăcirea cunoscută sub numele de Visuri - iar un inițiat poate aminti poveștile ancestrale, studiind și decodând terenul. „În tufiș, când vezi pe cineva care face un tablou, de multe ori izbucnește în cântec”, spune Benjamin. Cântă poveștile Viselor în tablourile lor.
Planul inițial al Wilkersons de a expune picturi în muzeele australiene a căzut după ce curatorii s-au temut că femeile sau băieții aborigeni ar putea fi expuși la imagini sacre. Membrii comunității autohtone au decretat, de asemenea, că nouă reproduceri nu pot fi incluse în catalogul expoziției. (Ediția americană conține un supliment cu imaginile interzise. Smithsonian nu a primit dreptul de a publica niciuna dintre ele.)
În timp ce colecționarii de artă occidentali pot aprecia lucrările în funcție de cât de bine au fost executate, oamenii aborigenii tind să le clasifice după importanța Visului în ele. „Oamenii albi nu pot înțelege tabloul nostru, ci doar văd o„ imagine frumoasă ”, a remarcat o dată artistul Papunya Michael Tjakamarra Nelson.
Unele dintre imaginile din expoziție sunt inteligibile pentru străini informați, în timp ce altele sunt ambigue sau complet opace. Pentru mulți spectatori occidentali, conținutul religios secret al tablourilor - inclusiv, în tablourile timpurii, imaginile despre care se spune că sunt fatale pentru aborigenii neinițiați - nu face decât să le adauge. Ca și arta mult ordonată geometric, pictura aboriginală este frumoasă. Tantalizant, de asemenea, emană mister și pericol.
Jurnalistul freelance din New York, Arthur Lubow, a scris ultima dată pentru Smithsonian despre soldații din terracotă din China.
La Papunya, în apropierea deșertului occidental, Geoffrey Bardon (în dreapta cu Old Tom Onion în 1971) i-a încurajat pe aborigenii să ia pictura. (Colecția Allan Scott / Geoffrey Bardon) 
Un exemplu al noii forme de pictură autohtonă a fost Mystery Sand Mosaic, de Shorty Lungkarta Tjungurrayi. Subiectul său „rămâne un mister”, a scris mai târziu Bardon, deși cele patru ovale din partea de jos sunt „obiecte de ceremonie sau bastoane sacre folosite în ceremonii”. (Colecția lui John și Barbara Wilkerson) 
În Big Cave Dreaming with Ceremonial Object de Mick Namararri Tjapaltjarri, jumătatea de sus sugerează plante, roci și straturi geologice, în timp ce partea de jos este gândită să arate o peșteră în care bărbații (în formă de U) se adună în jurul unui obiect ritual (tija de aur). (Colecția lui John și Barbara Wilkerson) 
Procesul de Charlie Tarawa Tjungurrayi se crede că simbolizează condamnarea unui intrus teritorial de către alți bărbați (cercuri albe). (Colecția lui John și Barbara Wilkerson) 
Povestea medicinii de Uta Uta Tjangala se crede că se bazează pe o legendă despre un vrăjitor (culcat în partea de jos), care a rătăcit, posibil cu soacra sa, și al cărui penis (falusurile verticale) și testiculele (cercurile) au continuat. propria lor călătorie „walkabout”. (Colecția lui John și Barbara Wilkerson) 
Ovalul central din Povestea ceremonială a lui Uta Uta Tjangala poartă mărci precum cele din picturile tradiționale cu nisip; un alt oval înfățișează un șarpe. (Colecția lui John și Barbara Wilkerson) 
Cumpărat de colecționarii John și Barbara Wilkerson pentru aproximativ 220.000 de dolari, despre Visul de apă al lui Charlie Tarawa Tjungurrayi la Kalipinypa se spune că reprezintă un loc ancestral al deșertului unde apa de ploaie colectează, plantele prospera și alimente precum „stafidele sălbatice” (pete negre). (Colecția lui John și Barbara Wilkerson) 
Visarea apei pentru copii, Shorty Lungkarta Tjungurrayi, 1972. (Colecția lui John și Barbara Wilkerson) 
Water Dreaming, Mick Namararri Tjapaltjarri, 1972. (Colecția lui John și Barbara Wilkerson) 
Povestea curcubeului și a apei, Old Walter Tjampitjinpa, 1972. (Colecția lui John și Barbara Wilkerson) 
Untitled, Turcia Tolson Tjupurrula, 1973. (Colecția lui John și Barbara Wilkerson) 
Women Dreaming About Bush Tucker "Yarlga", Clifford Possum Tjapaltjarri, 1972. (Colecția lui John și Barbara Wilkerson) 
„Ne-a plăcut doar totul”, își amintește colecționarul Barbara Wilkerson (cu soțul John) despre prima lor viziune de artă autohtonă. (Max S. Gerber) 
Johnny Warangkula Tjupurrula (dreapta) în Sala Mare de pictură din 1972 cu Charlie Tarawa Tjungurrayi. (Michael Jensen)
