Ascultă cu atenție o zvonuri îndepărtată: acum 100 de ani, pe 29 mai 1913, șocul noului a explodat într-un teatru din Paris, când Baletele Ruse ale lui Diaghilev a interpretat Ritul de primăvară al lui Stravinsky . Publicul cu paturi și bejeweled de la Theatre des Champs-Elysees a izbucnit la dansul popular și muzica discordantă care i-a înfruntat. În loc de grația și tradiția unor astfel de balete precum Lacul Swan al lui Ceaikovski , coregrafia neînsuflețită a primăverii și decorul păgânesc din Rusia au lansat un cor de boci care s-a transformat în lupte: despre ce a fost tot ce a făcut piciorul? Unde erau tutusul tradiției? Spre surprinderea și consternarea publicului, „Modernismul” tocmai sosise cu un crash ciomal uriaș.
Serge Diaghilev și Igor Stravinsky și-au propus să folosească această reprezentație ca o proclamare a modernismului - un spectacol menit să izbucnească prin granițele tradiționale în artă, muzică și dans pentru a prezenta ceva total nou și inovator. Ideea de dans-ca-spectacol este ceva care m-a intrigat, întrucât am organizat o expoziție Portrait Gallery despre dans în America, care se deschide pe 4 octombrie. Fără a favoriza revolte, spectacolul a jucat un rol definitoriu în dansul de la Ziegfeld's Follies la Beyonce spectacole de scenă; publicul este mereu nituit de pene, paiete și mișcare frumoasă. Pe măsură ce compozitorii-liriciști Kander și Ebb au scris în piesa tematică „Razzle Dazzle” din Chicago , „Dă-le un act cu multă flash în ea / Iar reacția va fi pasionată”.
Igor Stravinsky de Alvin Langdon Coburn. Imprimeu argintiu gelatin, 1921 (Foto cu amabilitatea Galeriei Naționale de Portret) Îmi place să fiu amețit. Și ca un explorator cultural inveterat, eu sunt mereu în mândrie pentru factorul „wow” - acel lucru magic care îți face ochii să apară. În artele spectacolului, poate fi un moment de oprire a spectacolului pe scenă sau ecran, un salt magnific al unui dansator în ozon sau o voce palpitantă care te lasă fără suflare. Acestea sunt momente cristaline care îți marca psihicul pentru totdeauna.
În ultimul timp, am fost încântat de câteva spectacole extraordinare - un concert al Orchestrei Philadelphia sub noul lor dirijor electrizant, Yannick Nézet-Séguin, și o reprezentație a Gala Gala Kennedy Center din My Fair Lady, în care Jonathan Pryce și Laura Michelle Kelly v-au făcut credeți că au creat pentru prima dată rolurile profesorului Higgins și Eliza.
Dar am fost, de asemenea, amețit de o mega-expoziție care tocmai a fost deschisă la Galeria Națională de Artă: „Diaghilev și Ballets Russes, 1909-1929: Când arta dansează cu muzica.” Baz Luhrmann poate să fi folosit mult glamour și glitz în noua sa versiune 3-D a The Great Gatsby, dar Galeria a creat lumea strălucitoare a lui Diaghilev într-o expunere somptuoasă a adevăratului lucru - arta, muzica, dansul și costumările care au exprimat „căutarea noului” acum un secol . După cum explică co-curatorul expoziției, Sarah Kennel, Diaghilev „nu a vrut niciodată să se sprijine pe lauri. El a fost mereu inovator și reproiectat. ”
Michel Fokine de Clara Sipprell. Imprimeu argintiu gelatin, 1923, bequestul lui Phyllis Fenner (National Portrait Gallery) O colaborare între National Gallery of Art și Muzeul Victoria și Albert, expoziția a fost inaugurată pentru prima dată la Londra în 2010. Expoziția Galeriei este un hibrid al acestui spectacol, încorporând 80 de lucrări din colecția V&A și adăugând aproximativ 50 de obiecte noi. „Diaghilev” prezintă uimitoarele parteneriate artistice întocmite de impresarul rus, și reflectoare, precum compozitori precum Stravinsky, Prokofiev și Satie, și artiști precum Bakst, Picasso și Matisse. Doi coregrafi majori ai lui Diaghilev - Michel Fokine, care a lucrat cu el în primii ani, și George Balanchine, care a lucrat cu Ballets Russes la sfârșitul vieții lui Diaghilev - va imigra în SUA; Fokine a înființat o școală de balet la New York, iar Balanchine va avea un impact iconic asupra dansului american, atât pe Broadway, cât și în balet.
Costum pentru Pablo Picasso pentru consilierul chinez de la Parade, c. 1917 (© Victoria and Albert Museum, Londra) Organizate cronologic, cele cinci secțiuni majore de expoziție spun povestea carierei lui Diaghilev: „Primele anotimpuri”, „Vaslav Nijinsky - Dansator și coregraf”, „Avangarda rusească”, „Avangardul internațional” și „Modernismul, Neoclasicism și suprarealism. ”Există, de asemenea, o fascinantă componentă audio-vizuală care include imagini rare din Baletele Ruse și Nijinsky, Rudolf Nureyev interpretând în după-amiaza unui faun și Mikhail Baryshnikov dansând fiul risipitor.
În urmă cu treizeci de ani, această fabuloasă expoziție ar fi fost numită „blockbuster”. În vorbirea muzeală contemporană, acest cuvânt este în favoarea: blockbusters-ul a căzut în traversul criticilor critice la un moment dat, iar lumea muzeelor de azi favorizează adesea o dependență reducțională de ziduri cenușii și covoare cenușii, mai degrabă decât abordări mai flambante. În calitate de cineva care a început în epoca de blockbuster, găsesc astăzi lipsa de amețire a unui comentariu tulburător despre cât de departe s-au distanțat muzeele de un public înfometat de inspirație.
Costum de Henri Matisse pentru un doliu din The Song of the Nightingale, pâslă din lână 1920 și per ansamblu de catifea (V&A, Londra) Dar expoziția Diaghilev m-a zâmbit în momentul în care am intrat în îmbrățișarea ei: de la costumul Boris Godunov purtat de Chaliapin în 1908 până la cortina gigantică de la The Blue Train (1924) , spectacolul Diaghilev este o amintire a expozițiilor.
Mark Leithauser este șeful de design și curator principal la Galeria Națională de Artă și, aici, a creat o lume enormă de wow. Răspunzător de proiectarea multor repere ale acelui muzeu, el mi-a vorbit despre cum noțiunea de „blockbuster” nu se referă la dimensiune: este vorba despre un fenomen. Primul blockbuster, „King Tut”, avea doar 52 de obiecte. Când s-a deschis la Galeria în 1976, oamenii au stat la coadă ore întregi. Regizorul J. Carter Brown a declarat că spectacolul a fost popular datorită „calității sale vizuale” și „vârstei uluitoare” a obiectelor, alături de sentimentul de a fi îndrăgostit de a fi la o vânătoare de comori. Pe de altă parte, „Casele de comori ale Marii Britanii”, în 1985, avea peste o mie de obiecte și a ajutat la conectarea „bigness” la ideea populară a blockbuster-ului.
Leithauser crede cu tărie că o expoziție ar trebui să fie înrădăcinată în povestiri. În „Casele de comori”, povestea a fost de aproximativ 500 de ani de colectare în Marea Britanie, dar a fost și aproximativ 500 de ani de transformare arhitecturală în casa de țară britanică - o transformare evocată în scenele arhitecturale și mediul creat în expoziție.
Serge Diaghilev (© Victoria and Albert Museum, Londra) Pentru spectacolul Diaghilev, Leithauser a spus că designul trebuie să fie la fel de teatru ca povestea - instalația trebuia să creeze o experiență teatrală care să cuprindă lumea lui Diaghilev. Adevărul, potrivit Leithauser, este că expozițiile „trebuie să fie ceea ce sunt”.
Capacitatea proiectantului de a pune în scenă atât de strălucit permite vizitatorilor să înțeleagă colaborările artistice ale lui Diaghilev atât intelectual cât și visceral. Leithauser este un showman care apreciază spectacolul: degetele mari pentru orbirea razei!
