„Robert Indiana s-a născut în același nume în 1928”, a început o scurtă descriere biografică scrisă de mână de către artist pentru catalogul primei sale expoziții solo la Stable Gallery în 1962: „A studiat la Chicago și Edinburgh și s-a întors din o bursă de călătorie pentru a trăi (sic) vopsea pe malul apei din New York. Aici, în primul său spectacol cu un singur om, el recapitulează evenimentele primare dintr-o viață americană. "
În timp ce artistul ar deveni inextricabil legat de designul L O VE și de mișcarea Pop Art, corpul mai larg de lucrări din Indiana - infuzat cu numere, cuvinte și simboluri - încorporează referințe autobiografice, literare și istorice pentru a face elegii cu tărie la visul american. .
Născut Robert Clark în New Castle, Indiana în 1928, pictorul, sculptorul și poetul care ar adopta numele Indiana - ceea ce a numit „nomul său de perie” - a crescut pe 19 mai 2018 la vârsta de 89 de ani. Va deveni, ca autor și savant Barbaralee Diamonstein-Spielvogel, a remarcat pentru prima dată, „omul care a inventat Dragostea ”.
L O VE în toate iterațiile sale - traduse de artist în spaniolă și ebraică pentru sculpturi; pictată într-un cuvânt de patru litere neimprimate după o cădere cu Ellsworth Kelly; sau reînființat în 2008 ca H O PE într-o tipărită realizată ca strângere de fonduri pentru prima campanie prezidențială a lui Barack Obama - este adesea o caracteristică scurtă pentru producția artistică a Indiana. Virginia Mecklenburg, curatorul șef al Muzeului American de Artă Smithsonian observă că, în timp ce Indiana a fost asociată cu artiști pop precum James Rosenquist, Roy Lichtenstein și Andy Warhol, el a fost diferit. „Ne-au concentrat percepțiile asupra produselor societății noastre de consum. L O VE nu era despre cultura consumatorului, ci despre emoțiile prin care ne trăim viața. ”
Că indianul nu a protejat niciodată drepturile de autor L-VE, imitat pe larg, a reprezentat un flagel pentru artist, care a adunat o colecție mare de eliminări. Dar dezvăluirile mai personale în lucrare nu sunt atât de ușor plagiate ca liniile sale grafice: în diferite interviuri, Indiana indică L O VE ca inspirație din origini spirituale, mai degrabă decât erotice, ci, ca o mare parte din opera sa, L O VE pictura din 1966 este saturată de culoare și autobiografie.
Robert Indiana și student la Școala de pictură și sculptură din Skowhegan, 1969 (înregistrări la Școala Skowhegan de pictură și sculptură, 1946-2013. Arhivele Ar americanului) 
Fotografia lui Robert Indiana cu Decade Autoportrait 1969 (72 in.), Nu înainte de 1972. (Mary Swift) 
Portretul lui Robert Indiana în studioul său, c. Anii 1980 (Mary Swift, fotograf. Mary Swift, circa 1970-2005. Arhivele artei americane) 
Alan Groh și Robert Indiana (dreapta) instalând un spectacol la Stable Gallery, 1964 (Nancy Astor, fotograf. Stable Gallery records, 1916-1999, vrac, 1953-1970. Archives of American Art) Designul L O VE de Robert Indiana este reprezentat în colecțiile din Smithsonian Institution împreună cu alte lucrări ale artei sale. Acestea exemplifică și oferă o perspectivă completă a carierei artistului.
Istoriile orale de la Smithsonian’s Archives of American Art includ multe interviuri cu artiști care discută despre prietenia lor cu Indiana și opera sa, dar printre cele mai interesante este interviul din 1963 cu artistul însuși realizat de Richard Brown Baker, un colecționar de artă contemporană.
În ea, Indiana vorbește îndelung despre copilăria și educația sa timpurie neliniștită - agravată de tendința mamei sale de rătăcire, care a văzut familia mutându-se în 21 de case până la vârsta de 17 ani - interesul său pentru poezie și literatură și timpul petrecut la Coenties Slip. în Manhattanul inferior, în rândul unei comunități de artiști care a inclus Ellsworth Kelly, Agnes Martin, Lenore Tawney și Jack Youngerman.
O felicitare de Crăciun găsită în lucrările Dorothy Miller, care a fost curator la Muzeul de Artă Modernă, oferă o previzualizare a L O VE în faza sa de început. După cum descrie curatorul de manuscrise al Arhivei, Mary Savig descrie în cartea ei Handmade Holiday Cards de la Artiștii secolului XX:
Una dintre primele iterații ale subiectului cel mai adorat al lui Robert Indiana, motivul LOVE, a fost un card vândut de MoMA în 1965. Pentru cardul său de vacanță din 1964, Indiana făcuse frecări în creion ale cuvântului LOVE, completat de semnătura lui O; un destinatar al cardului său a fost curatorul MoMA, Dorothy Miller. Anul următor, MoMA a comandat din Indiana o abordare mai colorată asupra designului original pentru linia sa de carduri de vacanță.
Felicitarea pe care Robert Indiana a trimis-o lui Dorothy C. Miller, 1964 (. Lucrări ale lui Dorothy C. Miller, 1853-2013, vrac 1920-1996. Arhivele artei americane) În 1964, în același an, Robert Indiana și-a trimis cartea de vacanță L O VE, a colaborat la un film, Eat, cu Andy Warhol, în care, prin intermediul vrăjitoriei de editare a filmului, Indiana mănâncă o ciupercă care se reface continuu timp de 35 de minute. Pentru târgul lumii din New York, el a fost unul dintre zece artiști însărcinat de Phillip Johnson să creeze o lucrare de artă pentru fațada curbată a Pavilionului de stat din New York. Creația Indiana, un semn înalt de 20 de metri de cinci cercuri negre, aranjate ca fața unei matrițe cu cinci fețe, cu scrisori aprinse pentru a scrie EAT, a fost cuprinsă între lucrările lui Ellsworth Kelly și Robert Rauchenberg. Cuvintele EAT, DIE, HUG și ERR ar fi conceput că Indiana s-a întors în timp și din nou - Mecklenburg le numește „comenzi iconice” - cu EAT, ultimul cuvânt pe care i l-a spus mama lui înainte de a muri, fiind unul dintre cele mai profund autobiografice. .
Într-un cuvânt plin de umor, curatorii de artă din Philadelphia, Joan Kron și Audrey Sabol au modificat designul Fair's World's Indiana într-o broșă fabricată de Tiffany pentru compania lor electrică autentică - una dintre mai multe întreprinderi de afaceri pe care femeile le co-dețin. După o scriere a proiectelor lor din New York Times, au primit numeroase întrebări cu privire la ace, unele dintre ele fiind găsite în lucrările lui Kron din Arhive. Printre ele se află și o notă a doamnei Daniel D. Krakauer, de la Great Neck, Long Island, care întreabă unde poate obține una dintre brosele EAT care să poarte la petrecerea de 50 de ani de la surprinderea soțului ei: anunțând că „Cina este servită” decât prin „aprinderea. . "" Scrisoarea ia o ironie vicleană; oficialii de la Târgul Mondial au trebuit să comande semnul Indiana pentru a fi oprit după o singură zi, deoarece mulțimile se plimbau în pavilion confundându-l cu un loc de mâncare. După cum scria Indiana, „Prea mulți oameni au reacționat, în prima zi, la imperativ.”
În 1974, după ce Smithsonian a primit colecția de artă a finanțatorului și filantropului Joseph Hirshhorn și a deschis Muzeul și Hărțile Sculpturei Hirshhorn ca muzeu național de artă contemporană, Smithsonian Associates a comandat patru afișe pentru ziua de deschidere, inclusiv unul de Robert Indiana cu un o stea albastră care face ochi și un design grafic îndrăzneț.
La deschiderea muzeului existau doar două picturi timpurii din Indiana - The Eateria, 1962 și Beware-Danger American Dream # 4, 1963 - în colecția Hirshhorn. Ambele, spune Evelyn Hankins, curatorul principal al lui Hirshhorn, „sunt exemple iconice ale modului lui Robert Indiana de a folosi vernacul american, precum indicatoarele rutiere, pentru a crea opere de artă izbitoare în centrul artei pop.”
Afișul zilei de deschidere a Indiana, spune Evelyn Hankins, de la Hirshhorn, „este foarte reprezentativ pentru motivul pentru care Robert Indiana este esențial pentru lumea pop-artului - utilizarea lui de grafică dură, care sunt uneori de sărbătoare și, uneori, pun întrebări dure despre partea mai întunecată. din visul american. ”(Hirshhorn) Afișul zilei de deschidere din Indiana, spune Hankins „cu steaua sa îndrăzneață grafică și paleta de culori limitate”, nu numai că se încadrează bine în colecție și în opera artistului, dar a fost „foarte reprezentativ pentru motivul pentru care Robert Indiana este pivot în lumea pop-artului - utilizarea lui de grafică de vârf, care sunt uneori de sărbătoare și alteori pune întrebări dure despre partea mai întunecată a visului american. ”În acest caz, în special, de sărbătoare.
Criticul de artă, Lucy Lippard, a declarat Indiana drept „romantică ieșită din comun”, menționând că „contribuția artistului a fost căsătoria cu poezia și claritatea geometrică prin includerea literaturii și istoriei americane într-o artă non-obiectivă.”
Tendințele sale romantice sunt evidente în sculpturile sale columnare realizate din lemn și obiecte găsite, inclusiv în cele adăpostite în colecțiile Muzeului American de Artă Smithsonian. Potrivit muzeului Virginia Mecklenburg, care a prezentat expoziția individuală a artistului „Lucrări din lemn: construcții de Robert Indiana”, în 1984, aceste piese indică inteligența și procesul său de lucru. „El a vrut să facă concepte totemice. Și-a văzut sculpturile ca totemuri, precum stelele care au servit drept căutători de-a lungul drumurilor romane din cele mai vechi timpuri. Sculpturile din Indiana reprezintă prezența, puterea, individualitatea, precum și cuvintele, semnele, simbolurile, modalitățile de a marca emoția, locurile. Era intenționalitate - aceste lucruri erau în mintea lui. ”
Cinci de Robert Indiana. (Smithsonian American Art Museum, cadoul artistului) La momentul expoziției din 1984, Indiana și-a înzestrat pictura The Figure Five, iar muzeul și-a cumpărat sculptura Five . Amândouă sunt critici ale picturii lui Charles Demuth I Saw the Figure 5 in Gold - realizată ca răspuns la poezia lui William Carlos Williams „The Great Figure”, scrisă după o întâlnire cu un camion de pompieri care scârțâia într-o noapte ploioasă din Manhattan - și sunt pietre de temelie din exploatațiile muzeului din Indiana.
Printre ploaie și lumini am văzut figura 5 în aur pe un motociclet roșu mișcându-se. . . .
„Lui Bob i-a plăcut ideea ca sculptura și pictura să fie împreună”, povestește Mecklenburg. „Demuth a fost influențată de poezia experiențială a lui Williams - viteza, lumina, sunetul camionului de pompieri clamant - Bob a găsit o altă modalitate de a exprima acest lucru din moment.”
Întrebată despre cum a fost să lucrezi cu Indiana la expoziție, Mecklenburg spune că Indiana era timidă, dar totuși i-a permis accesul la jurnalele sale personale, pagini care sunt reproduse în catalogul emisiunii. „A fost destul de uimitor. . . el a fost prieten ”, spune ea. „Avea un simț profund al istoriei americane, numindu-se pentru statul în care a crescut - nu era Robert Massachusetts! A fost o afirmație a Americii de Mijloc și asta spune ceva despre ceea ce a apreciat. ”
După cum i-a spus lui Diamonstein, „când eram copil, mama mea îl conducea pe tatăl meu să lucreze în Indianapolis și vedeam, practic, în fiecare zi a vieții mele tinere, un semn uriaș Phillips 66. Deci este roșu și verde al acelui semn împotriva cerului albastru Hoosier. Albastrul din Dragoste este cerulean. Prin urmare, Iubirea mea este un omagiu adus tatălui meu. ”
La sfârșitul interviului de istorie orală al lui Robert Indiana, Richard Brown Baker a sugerat ca artistul să nu fi fost „dezvăluit în întregime”, dar Mecklenburg susține că Indiana acordă un acces mare spectatorului dispus să facă o lectură profundă a operei sale. Ea spune că „a fost un om care și-a făcut amprenta asupra lumii prin arta sa.”
De fapt, Indiana, care s-a văzut ca un pictor al semnelor, a afirmat cândva: „Vopsesc scena americană”.
Așa cum a explicat clar în declarația artiștilor pentru Galeria Stabilă: „Arta mea este o scufundare înaltă disciplinată - înălțare mare, simultană și policromă, o exaltare a verbului-vizual. . . dialogul meu. "
