Pe 2 decembrie 2016, o petrecere de dans dintr-un depozit din Oakland, California, cunoscut sub numele de Ghost Ship s-a ridicat în flăcări, pretinzând cel puțin 36 de vieți. A fost cel mai mort dezastru de incendiu din istoria orașului.
Continut Asemanator
- Publicul pune mare încredere în muzee, iar acum este timpul muzeele au încredere în public
Până în prezent, nu se cunoaște cauza incendiului. Cu toate acestea, reacțiile timpurii ale presei au apărut într-o lungă listă de reprezentări „v-am spus așa”. Dispunerea navei fantome a fost descrisă ca o trapă de foc, capcană de moarte și „labirint” înfundat. Comunitatea a fost numită un complex, comună și i s-au dat alte etichete care presupun în continuare că acest dezastru aștepta cu siguranță să se întâmple. Că era inevitabil.
Muzeele, în special în zona Golfului, și-au exprimat simpatia pentru eveniment, iar SFMOMA și-a deschis ușile gratuit câteva zile mai târziu pentru ca cei afectați să „reflecte, să plângă și să se vindece”.
Alții din domeniul muzeului au lucrat pentru a reduce decalajul dintre instituții și spațiile de bază. În zilele următoare incidentului Ghost Ship, Kimberly Drew, manager de socializare la Metropolitan Museum of Art, și-a trimis colegii la un document cu o mulțime de oameni, însămânțat de activista de artă Susan Surface, care a fost completat cu sugestii pentru locațiile comunitare despre cum să reduce riscurile. Lauren Zelaya, curator la Muzeul Brooklyn, a arătat programul popular al muzicii din prima sâmbătă ca un efort intenționat pentru producătorii locali de a-și testa proiectele sub siguranța și îndrumarea unui loc instituțional.
În timp ce acestea sunt gesturi importante pentru orice tragedie majoră, muzeele și instituțiile de artă au rămas în mare parte îndepărtate de acest incident. Acest lucru perpetuează presupunerea că spațiile precum Nava Fantomă sunt marginale - și chiar irelevante - pentru lumea artei formale.
De fapt, realitatea este chiar invers.
Depozitele și personalul (DIY) social au apărut pentru prima dată în anii '60, odată cu reducerea industrializării americane, lăsând fabricile mari goale, neutilizate și accesibile. Cartierele care sunt acum cunoscute sub numele de refugii pentru muzee, teatre și galerii - precum SoHo din New York, Downtown Los Angeles și Districtul de misiune din San Francisco - toate au început ca spații de adunare accesibile pentru artiști și patronii lor. Spre deosebire de mediile prestigioase, impunătoare și poate chiar antichizate ale muzeelor, locurile de bricolaj sunt responsabile pentru o estetică strălucitoare, cum ar fi elementele de cărămidă și metal expuse, devenind semnificativi populari ai „spațiului creativ”.
Echipajele de urgență stau în fața locului unui incendiu de luni, 5 decembrie 2016, în Oakland, California, care au primit 36 de vieți. (Marcio Jose Sanchez / AP) Recent, muzeele au reimaginat unele dintre programele lor pentru a ajunge la noi demografii și s-au inspirat agresiv din spațiile care au fost create ca alternative. Nu este rar să găsești un program muzeal sub forma unui spectacol pop-up, purici de artă sau petrecere în bloc.
PS1 din Long Island City a funcționat timp de 30 de ani cu recunoașterea faptului că instituțiile nu aveau voința și infrastructura de a sprijini în mod adecvat artiștii locali și emergenți, până când a fost achiziționată de Muzeul de Artă Modernă în 2000 și redenumită MoMA PS1. Centrul asiatic din America de Pacific din Smithsonian a prezentat recent modelul laboratorului de cultură, cu siguranță un nod asupra modului în care spațiile de bricolaj și de bază servesc în mod unic comunităților creative.
Muzeele și spațiile de bricolaj au împărtășit o istorie lungă și complexă și este esențial pentru muzee să nu interpreteze tragedia recentă de la Ghost Ship ca un inevitabil eșec al artiștilor și curatorilor amatori, ci mai degrabă o reflectare a reticenței instituțiilor de a împărtăși în mod adecvat resurse și informații. cu omologii lor creativi. Unele programe muzeale de astăzi pot arăta și simți similar spațiilor de bricolaj care le-au inspirat, dar acest lucru ar trebui privit ca o oportunitate.
Iată șase modalități prin care muzeele, galeriile și instituțiile culturale își pot folosi cunoștințele și resursele pentru a beneficia de spațiile de bricolaj:
Partajează documente de siguranță și accesibilitate
Muzeele pot ajuta prin acordarea de expertiză în domeniul siguranței, distribuirea personalului și a protocolului și oferirea de a face publice manualele și procedurile de siguranță și accesibilitate pentru a servi drept șabloane. Unele instituții ar putea argumenta împotriva accesării documentelor lor, deoarece aceste documente sunt lungi și complicate, în special pentru străini. Este adevărat că multitudinea de coduri de siguranță, licențe, recenzii și instruiri pot părea că au prioritate asupra creativității. Dar îndrumări minime prin terminologia de bază, acronime și puncte cheie pot merge mult.
Mediul periculos al unor spații de bricolaj nu se datorează, de obicei, unei dorințe de a face spațiile în siguranță, ci mai degrabă din lipsa de capacitate sau de conștientizare. În timp ce instituțiile de artă beneficiază de personal care echilibrează expertiza creativă și administrativă, multe proiecte DIY sunt eforturi orientate spre viziune, unde producătorii învață în timp ce merg. Această metodologie de încercare și eroare este adesea eficientă și inofensivă, dar am aflat că consecințele pot fi și grave.
Educați operatorii de bricolaj cu privire la cele mai bune practici
Organizați ateliere și împărtășiți metode pentru asigurarea siguranței publice, chiar și în cazul unei capacități și resurse limitate.
Este posibil ca chiar și artiștii cu pregătire în domeniul artei formale să nu fie familiarizați cu procedurile standard privind stresul (rutele de ieșire de urgență), rata de ardere (inflamabilitatea materialelor) și reglementările ADA (accesibilitate). Muzeele pot oferi tutoriale (cum ar fi cele mai populare Wikipedia edit-a-thons și seminarii de subvenții) sau pot posta webinars sau videoclipuri scurte cu sfaturi.
Colaborați cu producătorii
Muzeele pot servi mai bine aceste comunități prin a ajunge și a colabora cu artiștii. Oamenii care s-au angajat să creeze proiecte, indiferent de cunoștințe și resurse limitate, sunt puterea proiectelor de bază. Sunt obișnuiți să învețe prin informații care să mănânce bucată și să-i observe pe alții.
Oferirea de încurajare sub formă de posturi de voluntariat, muncă contractată și chiar oportunități de angajare nu poate decât să consolideze atât muzeele, cât și comunitatea de arte din jur într-o manieră benefică reciproc. Prin dezvoltarea de legături cu acești producători, muzeele beneficiază de competențe - adaptabilitate, gândire critică și conștientizare locală - care fac producții de bricolaj de succes.
Participa la evenimente
Profesioniștii muzeului pot fi voci puternice de implicare pentru programele de bază, dar începe cu experiență personală. Multe dintre ipotezele referitoare la pericolele evenimentelor, precum la Ghost Ship sunt de la oameni care nu au participat niciodată. În timp ce acoperirea presei despre tragedia navelor fantome ar putea duce una în paralel la o petrecere de depozit la un câmp minier, adevărul este că majoritatea producțiilor fac considerații de siguranță de bază, chiar dacă nu prin protocol formal.
Profesioniștii muzeului pot oferi sfaturi pe măsură ce observă evenimentele, împărtășind expertize care pot îmbunătăți siguranța și accesibilitatea în aceste locații.
Plătiți artiști
Sunt multe de spus despre condițiile sociale care îi determină pe artiști și producători să recurgă la infrastructura instabilă și să renunțe la protocoalele de siguranță, dar o mare parte din aceasta poate fi urmărită la capacitatea economică. La fel ca profesioniștii din alte domenii, artiștii lucrează pentru a-și maximiza resursele, oricât de limitate.
Majoritatea muzeelor au un anumit nivel de informare locală în misiunile lor, dar deseori artiștii și colaboratorii locali sunt rugați să își ofere serviciile gratuit sau pentru tarife foarte mici. Artiștilor li se cere să renunțe sau să își reducă taxele atunci când colaborează cu mici scopuri non-profit, ci se cere să facă același lucru atunci când lucrează cu instituții cu buget mare - sub presupunerea că artiștii vor beneficia de compensații imateriale sau „expunere”.
Plătind salarii corecți artiștilor nu numai că le permite să continue să trăiască și să lucreze în orașe din ce în ce mai scumpe, dar le permite și să-și extindă proiectele creativ și logistic. Muzeele ar trebui să-și reconsidere ratele de plată pentru artiști, înțelegând că acest lucru nu contribuie numai la nevoile de bază, cum ar fi chiria și mâncarea, dar și la locații de calitate, să expună resurse materiale și de siguranță.
Un ghid excelent pentru determinarea ratelor rezonabile pentru artiști, bazat pe bugetul anual al oricărei organizații este calculatorul furnizat de WAGE (Working Artists for a Greater Economy).
Fiți o punte de legătură către contacte și resurse
Chiar dacă un muzeu nu dispune de resurse financiare pentru a plăti artiștii, este posibil să aibă relații cu organizații guvernamentale locale și naționale, parteneri corporativi și instituții dornice să lucreze cu artiști. În unele cazuri, administrațiile locale oferă subvenții puțin cunoscute, beneficii fiscale sau locuințe și spații de lucru subvenționate ca mijloc de încurajare a zonelor de întreprindere pentru artiști. Deoarece artiștii pot avea mai multe șanse să apeleze la muzee decât primăriile lor pentru ajutor, muzeele își pot folosi relațiile pentru a-i ajuta pe artiștii aflați în nevoie să găsească resurse existente, dar neutilizate.
Deoarece elementele programelor de bricolaj continuă să inspire practica muzeală, este important ca muzeele să nu acopere proiecte existente și în curs de dezvoltare cu o atitudine „ne putem descurca de aici”. Mai degrabă, o linie deschisă de comunicare și schimb reciproc poate asigura că operațiunile de bază sunt capabile să prospere în arene urbane din ce în ce mai provocatoare, în timp ce muzeele pot accesa comunitatea locală a patronilor cărora li s-a stabilit.
