Moartea picturii a fost prevăzută pentru prima dată la mijlocul secolului al XIX-lea, când apariția fotografiei părea să smulgă realitatea din mâna pictorului. „Dacă fotografiei i se permite să apeleze la artă în unele dintre funcțiile sale”, a scris poetul și criticul de artă francez Charles Baudelaire în 1859, „în curând o va înlocui sau o va corupe complet”. Artiștii încearcă de acum încolo să implice implicațiile fotografiei.
Impresioniști precum Monet și Renoir, respingând imaginile statice, mecanice ale fotografiilor, precum și pictura academică neagră a timpului lor, au pornit să-și picteze propriile impresii despre modul în care ochiul percepe lumina și atmosfera în natură. Unii dintre contemporanii lor, inclusiv Degas și Toulouse-Lautrec, au luat o abordare diferită. Au început să folosească fotografii pentru inspirație - să-și croiască imaginile așa cum s-ar putea ca aparatul foto, de exemplu, și să introducă distorsiuni ale perspectivei bazate pe obiectivul camerei.
Apoi, acum o sută de ani, Matisse și Picasso au realizat picturile radicale care ar defini o nouă eră a artei moderne. Matisse a desfigurat figura cu bombătura sa albastră în 1907, pictând dintr-o fotografie pentru a-și elibera imaginația și rupe obiceiurile formate prin tragerea din viață. Picasso a folosit, de asemenea, fotografii pentru a-și picta 1907 Les Demoiselles d'Avignon, fiecare figură parând o expunere multiplă, văzută în unghiuri diferite în același timp - un pas decisiv în cubism.
Pe măsură ce secolul XX a progresat, pictori precum Wassily Kandinsky și Jackson Pollock au abandonat conceptul de artă ca reprezentare cu totul, producând pânze care nu conțineau deloc obiecte de recunoscut. În lucrările lor „abstracte”, vopseaua în sine a devenit subiect. În anii '60, artiștii conceptuali - inspirați de Marcel Duchamp și alți dadaiști ai anilor 1920 - au adoptat ideea că arta ar trebui să vizeze mintea, nu ochiul, arătând tablouri în care ideea din spatele operei era mai importantă decât opera în sine . Cu câteva excepții evidente - Pop Art, Photo Realism și artiști precum David Hockney - arta reprezentativă sau figurativă a fost considerată în mare parte un lucru al trecutului până la sfârșitul secolului XX. Dar în ultimii ani, o serie de pictori contemporani au început să ajungă din nou la rădăcinile artei moderne pentru a găsi noi moduri de exprimare. Ele amestecă figura umană și alte forme recognoscibile cu elemente de abstractizare și narațiune ambiguă în moduri care nu au fost văzute înainte.
"Încântarea din jurul profesiei mele este acum extraordinară", spune Joachim Pissarro, un curator de pictură și desen la New York's Museum of Modern Art. "Acum treizeci de ani, s-a vorbit toată această vorbă despre sfârșitul picturii. Astăzi nimeni nu-i pasă de asta." Pentru generația tânără, spune el, "polarizarea dintre abstractizare și reprezentare care a existat în ultima jumătate a secolului XX este doar lipsită de sens. Ceea ce vedem acum este foarte interesant. Și total nou."
Împrastiați de la Brooklyn la Trinidad până la Leipzig, Germania, artiștii reprezentați în aceste pagini reînnoiesc „o credință în pictură”, spune Laura Hoptman, curator principal la Noul Muzeu de Artă Contemporană din New York.
Peter Doig
"Când oamenii au început să se intereseze de munca mea la sfârșitul anilor 1980, pictura a fost complet în afara agendei", spune Peter Doig, un scotian de 49 de ani care locuiește în Trinidad. „Ceea ce au considerat galeriile de vârf a fost conceptual - pictura despre pictură, artă care spunea ceva despre felul în care este realizată. Am lucrat în mod deliberat împotriva acestui lucru. Pentru mine, odată ce ești pictor, ești constrâns să te uiți la lumea ca subiect potențial pentru pictură. Și asta merge de la a vedea ceva pe stradă, la a vedea ceva într-un film, într-o revistă, totul cu adevărat. "
Studioul lui Doig, într-o distilerie de rom renovată din capitala Trinidad, Port Spania, este plin de pânze mari înfățișând peisaje junglelike, râuri vopsite și figuri ambigue. Când a părăsit Londra pentru a se muta în Trinidad în 2003, mulți dintre prietenii săi au numit-o „făcând un Gauguin”, după artistul francez Paul Gauguin, care s-a mutat la Tahiti în 1891 pentru a deveni unul cu natura. Stilul lui Doig este uneori comparat cu cel al lui Gauguin, dar abordarea lui în pictură este cu totul diferită. El spune că metoda lui se bazează pe un fel de procesare a informațiilor care începe adesea cu o fotografie, deoarece pictura din fotografii îl distanțează de ceea ce este real sau adevărat. "De ce un tablou trebuie să fie veridic?" el intreaba.
Doig a realizat mai multe tablouri dintr-o carte poștală veche pe care a cumpărat-o într-un magazin de gunoi din Londra care înfățișează o scenă de râu din India. "Când pictez direct din natură", spune el, "sunt prea prins în încercarea de a o face corect. Folosind fotografie, sau o carte poștală, îmi permite doar să iau ce vreau și să las restul afară. Am făcut o fotografie. a micuțului guru din poștă și am făcut o altă fotografie cu asta, și am aruncat-o, astfel încât a devenit un blobry blobry, și am pictat din asta, și a devenit un fel de bărbat cu barbă, ceva misterios și negru. Nu știu dacă el este un personaj religios sau este un fanatic, dar este ceva genial de spiritual ”.
El indică o pânză de 9 pe 12 metri de o figură schițată care urcă pe un palmier, îmbrățișând trunchiul și aruncând o privire dintr-un gol abstract de pensule, picături și fisuri. „Aceste picături și fisuri sunt tipurile de lucruri frumoase din pictură care sunt unice”, spune el. „Aveți șanse și vă sunt date, dar le-aș ura să devină un manierism sau un gimmick”. Cu toate acestea, figura a fost cea care l-a lovit cel mai mult pe directorul SITE-ului Santa Fe, Laura Heon, când tabloul a fost arătat la Bienala din 2006 a muzeului. „Într-un anumit sens, este o revenire la umanism”, spune ea. "Există ceva foarte generos în a face o imagine a unei ființe umane."
O retrospectivă majoră a operei lui Doig se va deschide la Tate Modern din Londra în februarie.
Dana Schutz
În tablourile Dana Schutz, falsul și realul sunt greu de diferențiat. „Știu că imaginile mele sunt construite, dar cred în ele când pictez”, spune ea în studioul său dintr-o clădire industrială veche, transformată în colaborarea artiștilor din Brooklyn. Lui Schutz, de 30 de ani, îi place să creeze figuri și să le pună în diferite scenarii într-o serie de tablouri, în care par să ducă o viață proprie. Una dintre astfel de serii este reprezentată de cifre pe care le numește „mâncătorii de sine” - o formă dezabusită de oameni care supraviețuiesc hrănindu-se cu părți ale propriului corp și apoi reconstruindu-se. Picturile, cu imaginile lor fantastice și ceea ce îi numește ei „culori extrovertite” - vârfuri și roșii, purpuri electrice și verzi din junglă - au fost lăudate ca un nou expresionism și este ușor să le interpretezi în termeni de boli sociale - din modele anorexice pentru consumismul răvășitor - sau chiar ca o privire asupra psihicului artistului. Schutz nu este de acord însă.
„Nu sunt expresionist”, protestă ea. „Aceste tablouri nu sunt despre mine care exprim modul în care mă simt deloc”. Spune ea „Mâncătorii de sine, „ sunt o soluție picturală; îi puteți îndepărta și le puteți pune din nou. Este ca și cum au devenit materiale ”.
Dar Schutz spune că picturile ei sunt uneori inspirate de ceea ce vede pe Internet sau se gândește la vremea respectivă. „Vreau ca aceste tablouri să înceapă undeva în imaginația publică, unde oamenii simt că ar putea ști acea poveste, cum ar fi chirurgia plastică sau consumul de producție, sau modalitățile prin care ne facem istorii alternative pentru noi înșine”, spune ea. „Din ce în ce mai mult simt că cel mai radical lucru pe care îl poate face arta este să ofere cuiva o experiență pe care o simte că nu este cunoscută într-un fel”.
Pentru Schutz, nu există o linie grea între pictura abstractă și cea figurativă. "Nu cred că sunt ceva separat." Într-o nouă pictură a unui bărbat și a unei femei care conduce, figurile din mașină par aproape plastice, ca și cum s-ar topi într-un peisaj cald hawaian. „Modul în care mă gândesc la ei”, spune ea, este că în viitor, dacă te-ai privi înapoi, ce caracteristici ar rămâne, într-un mod ușor denaturat sau generalizat?
- Poate că refigurăm figura, continuă ea. "Realizarea tablourilor despre pictură pare doar nebună. Toate acestea vorbesc despre vopsea. Cred că artiștii doresc acum să aibă sens și să aibă un efect. Este foarte diferit față de secolul XX".
O expoziție a operei lui Schutz se deschide în noiembrie la Galeria de arte plastice contemporane din Berlin, Germania.
Neo Rauch
La Leipzig, artistul german Neo Rauch, în vârstă de 47 de ani, influențează o generație de pictori postbelici cu picturi ambigue care amestecă realismul cu fantezia, obișnuitul cu bizarul. Bazându-se pe stilurile grafice ale benzilor desenate și artei comerciale ale Blocului Oriental, realismului social al Germaniei de Est comuniste, propriilor imagini de vis și elemente ale peisajului său urban, Rauch pictează tipurile de figuri pe care le-ați putea găsi în afișele propagandistice, dar le stabilește în scene care, spune el, sunt „confuziv plauzibile” - cândva cunoscute și ciudate.
Rauch descrie picturile sale ca alegorii cu o iconografie personală care rămâne privată. El a spus recent unui intervievator pentru Metropolitan Museum of Art din New York că deciziile sale de pictor pot sfida rațiunea - chiar și a sa. Dar ceea ce include într-un tablou are propria realitate, spune el, deoarece „în ciuda tuturor dorinței de interpretare, pictura ar trebui să păstreze privilegiul de a plasa ceea ce nu poate fi verbalizat într-o structură evidentă”. Rauch descrie procesul său de realizare a unui tablou ca o luptă pentru a echilibra ceea ce poate fi recunoscut cu ceea ce este inexplicabil. „Pentru mine, a spus el, „ pictura înseamnă continuarea unui vis cu alte mijloace ”.
O expoziție a operei lui Rauch este în prezent vizualizată la Metropolitan Museum of Art din New York (până în 14 octombrie).
Barnaby Furnas
Barnaby Furnas, ca și colega absolventă a școlii de artă a Universității Columbia, Dana Schutz, și-a amenajat studioul într-un mansard industrial convertit în Brooklyn. Picturile sale, inspirate din pictura de istorie franceză de la sfârșitul secolului al XIX-lea, combină elementele figurative cu tehnicile pe care le derivă din graffiti și expresionismul abstract.
„În adolescență care a crescut în interiorul orașului Philadelphia, am fost mai întâi un scriitor de graffiti”, spune el. "Am intrat în tot felul de probleme, am fost arestat, dar am avut întotdeauna un picior în clasa de artă." În cele din urmă, tatăl unui prieten l-a dus în câteva galerii de artă din New York. „Acesta este într-adevăr singurul mod în care aș fi știut chiar că lumea artei a existat vreodată”, spune el.
Furnas, de 34 de ani, își pictează pânzele pe podea, așa cum a făcut Jackson Pollock. Dar, în loc să picure pictură în ulei la Pollock, el creează bălți de vopsea pe bază de apă pe care le îngrămădește una peste alta pentru a crea formă. Pentru o serie despre Războiul Civil, el a umplut o seringă cu vopsea acrilică roșie pe care a stropit-o peste pânzele sale pentru a reprezenta sângele. "Uleiurile nu s-ar usca niciodată la timp pentru modul în care folosesc vopseaua", spune el, "plat pe sol, în băltoace. Multe dintre acestea se întorc la graffiti. Unul dintre lucrurile care mi-au plăcut despre graffiti este că în mod deliberat Puteți scoate capacele de pulverizare dintr-un aerosol, spuneți, de exemplu, un produs de curățare a blatului și puneți-l pe un spray de vopsea și puteți obține un efect complet diferit de duza .... Nu m-am deranjat niciodată șevaleturi sau perii chiar. Am o colecție uriașă de capace de pulverizare, așa cum îmi imaginez că unii pictori de ulei au perii. În munca mea, există un fel de amestec voinic din ceea ce este în magazinul hardware și ce este în magazinul de artă ".
La școala de artă din Columbia, Furnas s-a răzvrătit împotriva unei generații mai vechi de profesori, care au fost, spune el, „artiști conceptuali și postmoderni, aproape fără pictori”. El a văzut pictura ca un act de auto-exprimare care nu era în vogă. De asemenea, și-a dorit ca opera sa să fie accesibilă telespectatorilor, fără a fi nevoie ca academicienii să o interpreteze. „Nu mi-am dorit ca acești oameni în costume negre să vorbească despre munca mea”, spune el. "Nu am vrut intermediar." El a decis să „se întoarcă la semințele modernismului”, spune el, „la Courbet și Géricault și Manet, la pictura de istorie franceză de la sfârșitul secolului al XIX-lea. Am reușit să reinvestig genul și să ajung la el într-un mod diferit. Așa că am devenit un fel de cumpărător modernist de tip „thrift store”! "
O expoziție a operei Furnas este programată pentru primăvară la galeria Stuart Shave / Modern Art din Londra.
Katherine Lee
Într-o veche cazarmă a armatei făcute în studiourile artiștilor de la Colegiul Santa Fe, Katherine Lee, 22 de ani, se întreabă cum va arăta generația sa fără fir la artă. "Am citit atât de multe mesaje vizuale instantanee în aceste zile", spune ea, "ca reclame - citiți-l și obțineți-o și vreau ca un tablou să fie interesant mai mult decât o pauză comercială. Cred că există o frică de narativă și vine de la ideea de „obținere”. Oamenii sunt atât de obișnuiți să facă publicitate încât doresc ca ceea ce văd într-un tablou să fie gândit în prealabil de altcineva. Dar publicitatea face o treabă atât de bună încât poate trebuie să găsești o nouă strategie ".
Un peisaj misterios, aproape negru, cu un petic de lumină îndepărtată este fixat pe peretele studioului lui Lee. Are atmosfera plină de atmosferă și adâncimea unui peisaj din secolul al XIX-lea, însă Lee a pictat-o din mai multe fotografii folosind un amestec de grafit, uleiuri și conserve de vopsea spray. Frunzișul întunecat sugerează o junglă sau o pădure și există ceva care arată ca o umbrelă roșie în mijlocul tuturor. Dar nu există oameni. Este greu să știi ceva despre scenă, care este exact ceea ce își dorește. „Acea umbrelă din pădure sugerează că se întâmplă ceva”, spune ea. "Îmi place ideea că totul acționează ca un conținut potențial. Chiar nu mă gândesc la ce înseamnă atunci când îl creez, pentru că știu că va avea propriul sens."
Când pictează figuri umane, ca într-o imagine în ulei și grafit a unui cuplu romantic pe care o numește Dragoste fără titlu, Lee vrea ca vopseaua să intereseze un spectator la fel de mult ca imaginea. "Nu este tocmai pictura figurativă", spune ea, pentru că nu este vorba despre acești oameni. Când am început pictura, într-adevăr a fost vorba doar despre figura, dar destul de curând asta mi s-a părut prea plat. cea mai mare parte a picturii, apoi a fost mult mai bună. Am luat o pensulă și am estompat violent totul. Prin abstractizarea tuturor într-o asemenea măsură, tabloul devine deschis, câștigă mult conținut potențial, spre deosebire de a se explica explicit. "
Picturile lui Katherine Lee vor fi vizionate într-un spectacol de teză la Galeria de arte plastice a Colegiului Santa Fe din luna mai.
Elizabeth Neel
Elizabeth Neel, 32 de ani, recent absolventă a Școlii de Arte a Universității Columbia, este un pictor a cărui lucrare se adaugă la noua emoție despre pictura contemporană care îmbină abstractizarea și reprezentarea. În studioul ei din Brooklyn, pânzele sunt acoperite cu mari pensule abstracte care amintesc de de Kooning, cu toate acestea încorporează tipul de figuri pe care un pictor ar fi putut să le imagineze. Neel spune că propria ei sensibilitate este modelată de inundația de imagini din jurul ei, de la publicitate și televiziune la filme, videoclipuri și internet. „Suntem consumatori de imagini aproape din ziua în care ne-am născut”, spune ea și crede că arta trebuie să se ocupe acum de acel mediu.
Nepoata pictorului figurat din secolul XX Alice Neel, Elizabeth navighează deseori pe Internet pentru imagini înainte de a începe un tablou. Nu proiectează fotografii pe o pânză, dar face schițe ale imaginilor pe care dorește să le folosească. Uneori, spune ea, aspectele pur formale ale realizării unui tablou - amploarea loviturilor ei de pensule, de exemplu - pot să-și schimbe interesul pentru imagine și să o trimită înapoi la Internet pentru noi imagini și idei. "Cred că pictura poate avea o dualitate minunată; poate fi despre ea însăși și poate fi despre lume", spune ea, "și este un pasaj bun într-un tablou atunci când se întâmplă asta."
Colecționarul britanic Charles Saatchi a achiziționat mai multe dintre picturile lui Neel și include unele dintre ele în seria sa de expoziții, „Triumful picturii”, în curs de desfășurare, la galeria sa din Londra. Neel va avea un spectacol solo la Deitch Projects din New York în primăvara anului 2008. Lucrările ei pot fi văzute pe site-ul web Deitch Projects.
Scriitorul și pictorul Paul Trachtman locuiește în New Mexico. Articolul său despre dadaiști a apărut în Smithsonian din mai 2006 .
