Toate tendințele devin mai clare cu timpul. Privind arta chiar și la 15 ani, „puteți vedea modelele puțin mai bune”, spune Melissa Ho, curator asistent la Muzeul Hirshhorn. „Există tendințe mai mari, mai profunde, care au legătură cu modul în care trăim în lume și cu modul în care ne confruntăm.”
Deci, ce este exact arta modernă? Întrebarea, spune ea, este mai puțin răspunzătoare decât cea discutabilă la nesfârșit.
Tehnic, spune Ho, arta modernă este „expresia culturală a momentului istoric al modernității”. Dar cum să desfacem această afirmație este contestată. Un mod de a defini arta modernă, sau orice este cu adevărat, este descrierea a ceea ce nu este. Pictura și sculptura academică tradițională au dominat secolele XVII, XVIII și XIX. „A fost vorba despre o tehnică perfectă, perfectă și folosind acea tehnică perfectă și perfectă pentru a executa subiecte foarte bine stabilite”, spune Ho. A existat o ierarhie de genuri, de la picturi de istorie la portret, la vieți fixe și peisaje și noțiuni foarte stricte de frumusețe. „O parte din triumful modernismului este răsturnarea valorilor academice”, spune ea.
Într-o oarecare măsură pentru arta academică tradițională, arta modernă se referă la expresia personală. Deși nu a fost întotdeauna cazul istoric, explică Ho, „acum, pare aproape firesc ca modul în care gândești operele de artă să fie ca o expresie a unei viziuni individuale.” Modernismul se întinde pe o mare varietate de artiști și feluri de artă. Dar valorile din spatele pieselor sunt mult aceleași. „Cu arta modernă, există acest nou accent pus pe valoarea de a fi original și de a face ceva inovator”, spune Ho.
Edouard Manet și impresioniștii au fost considerați moderni, în parte, pentru că înfățișau scene din viața modernă. Revoluția industrială a adus mulți oameni în orașe și noi forme de agrement au apărut în viața urbană. În interiorul galeriilor Hirshhorn, Ho subliniază People of Chilmark de Thomas Hart Benton, un tablou dintr-o masă de bărbați și femei încurcate, care amintește ușor de un clasic Michelangelo sau faimosul Rut al Medusei Théodore Géricault, cu excepția faptului că este o scenă de plajă contemporană, inspirat din orașul Massachusetts, unde Benton s-a însumat. Ringside Seats, un tablou al unui meci de box al lui George Bellows, stă în apropiere, la fel ca și trei tablouri ale lui Edward Hopper, unul intitulat Orchestra de prim rang a teatrului care așteaptă să fie desenate perdelele.
În arta renascentistă, o primă ridicată a fost pusă pe imitarea naturii. „Atunci, odată ce aceasta a fost tăiată, abstracția este lăsată să înflorească”, spune Ho. Lucrări precum Benton și Hopper's sunt o combinație de observație și invenție. Cubiștii, la începutul anilor 1900, au început să se joace cu spațiul și forma într-un mod care a încolțit imaginea tradițională picturală.
Istoricii artei folosesc adesea cuvântul „autonom” pentru a descrie arta modernă. „Vernacularul ar fi„ artă de dragul artei ”, explică Ho. „Nu trebuie să existe pentru niciun fel de valoare de utilitate, în afară de propriul motiv existențial de a fi.” Deci, evaluarea artei moderne este o bestie diferită. În loc să se întrebe, cum s-ar putea cu un tablou de istorie, despre narațiune - Cine este personajul principal? Și care este acțiunea? - evaluarea unui tablou, spune Piet Pietrian, devine mai mult despre compoziție. „Este vorba despre tensiunea compozițională”, spune Ho, „echilibrul formal între culoare și linie și volum, pe de o parte, dar și puritatea extremă și rigoarea acesteia.”
Potrivit lui Ho, unii spun că modernismul își atinge apogeul prin expresionismul abstract în America în timpul celui de-al doilea război mondial. Fiecare artist al mișcării a încercat să-și exprime geniul și stilul său individual, în special prin atingere. „Deci, îl primești pe Jackson Pollock cu vopseaua lui care picură și aruncă”, spune Ho. „Îl primești pe Mark Rothko cu câmpurile sale de culoare foarte luminoase, subțire pictate.” Și, spre deosebire de periajul invizibil din tablourile academice puternic vitrate, accidentele în picturile lui Willem de Kooning sunt libere și uneori groase. „Puteți simți cum a fost făcut”, spune Ho.
La scurt timp după cel de-al doilea război mondial, ideile de a conduce arta au început din nou să se schimbe. Postmodernismul se îndepărtează de accentul modern pe originalitate, iar lucrarea este deliberat impersonală. „Vedeți multă muncă care folosește mijloace mecanice sau cvasi-mecanice sau mijloace de lucru”, spune Ho. Andy Warhol, de exemplu, folosește ecranul de mătase, în esență, îndepărtându-i atingerea directă și alege subiecte care se potrivesc cu ideea de producție în masă. În timp ce artiștii moderni, cum ar fi Mark Rothko și Barnett Newman, au ales alegeri de culori care aveau menirea de a se conecta emoțional cu privitorul, artiștii postmoderni precum Robert Rauschenberg introduc șansa în acest proces. Rauschenburg, spune Ho, a fost cunoscut că a cumpărat vopsea în conservele nemarcate de la feronerie.
„Postmodernismul este asociat cu deconstrucția ideii:„ Eu sunt geniul artistic și ai nevoie de mine ”, spune Ho. Artiști precum Sol LeWitt și Lawrence Weiner, cu lucrări în Hirshhorn, au o autoritate subtilă. Piesa lui Weiner intitulată „O BOLĂ DE ALBĂ ÎNTRE MARE, Cat. Nr. 146, ”de exemplu, este afișat la muzeu cu litere mari, albastre, fără serif. Dar Weiner era deschis la cele șapte cuvinte reproduse în orice culoare, dimensiune sau font. „Am fi putut lua un marker și să-l scriem pe perete”, spune Ho. Cu alte cuvinte, Weiner a considerat că rolul său de artist este mai mult despre concepție decât despre producție. De asemenea, unele dintre desenele LeWitt de la sfârșitul anilor 1960 sunt, practic, desene din instrucțiuni. El oferă instrucțiuni, dar oricine, teoretic, le poate executa. „În această generație postbelică, există această tendință, într-un fel, spre democratizarea artei”, spune Ho. „La fel ca desenul Sol LeWitt, este de părere că oricine poate face artă.”
Etichete precum „modern” și „postmodern” și încearcă să precizeze datele de început și sfârșit pentru fiecare perioadă, uneori istorici de artă și curatori. „Am auzit tot felul de teorii”, spune Ho. „Cred că adevărul este că modernitatea nu s-a întâmplat la o anumită dată. A fost această transformare treptată care s-a întâmplat de-a lungul a câteva sute de ani. ”Desigur, cele două ori care, din motive practice, trebuie stabilite date sunt atunci când predă cursuri de istorie a artei și organizează muzee. În experiența lui Ho, arta modernă începe de obicei în jurul anilor 1860, în timp ce perioada postmodernă își are rădăcina la sfârșitul anilor '50.
Termenul „contemporan” nu este atașat de o perioadă istorică, așa cum sunt moderne și postmoderne, ci descrie pur și simplu arta „a momentului nostru.” Totuși, în acest moment, munca care datează din 1970 este adesea considerată contemporană. Problema inevitabilă în acest sens este aceea că creează un corp în continuă expansiune de lucrări contemporane, pentru care sunt responsabili profesorii și curatorii. „Trebuie doar să fii cu ochii pe cum merg aceste lucruri”, sfătuiește Ho. „Cred că vor fi redefiniți.”
