De obicei, muzeele interzic vizitatorilor să atingă lucrări de artă - să nu mai vorbim de sancționarea pinilor lipiți într-un artist, de a-i tăia hainele sau de a-și bate gâtul cu un cuțit ca parte a unui spectacol.
Continut Asemanator
- Patru expoziții uimitoare din Casa Inverleith închisă recent din Scoția
Dar tocmai asta i-au făcut unii membri ai audienței lui Marina Abramović în timpul operei sale emblematice din 1974, Rhythm O , care s-a dovedit a fi un experiment înfricoșător în psihologia mulțimii. Realizat într-o galerie din Napoli, Italia, Abramović a așezat 72 de obiecte pe o masă, inclusiv ace, ace, un ciocan, un cuțit de sculptură, un glonț și o armă. Ea a invitat spectatorii să facă tot ce și-au dorit cu oricare dintre elemente, oferind publicului șase ore de control fizic complet asupra ei. După cum a explicat instrucțiunile galeriei, artistul a fost obiectul. La un moment dat, cineva a încărcat pistolul și l-a așezat în mâna lui Abramovic, mutându-l spre claviculă și atingând trăgaciul.
Când spectacolul s-a încheiat în sfârșit, potrivit memoriei sale viitoare, Walk Through Walls, un Abramović bătut se îndrepta spre camera ei de hotel, arătând „ca naiba”, pe jumătate dezbrăcat și sângerând - „simțindu-se mai singur decât [simțise] mult timp. ”Dar, în timp ce le spune cititorilor, Ritmul 0 încapsulează următoarele patru decenii ale operei sale: să pună în scenă frica universală pe care o avem cu toții de suferință și mortalitate pentru a„ elibera ”și ea și publicul, folosind„ energia ”lor pentru a împinge corpul ei pe cât posibil.
Plimbare prin ziduri: o memorie
O lucrare remarcabilă de performanță în sine, Walk Through Walls este o redare vie și puternică a vieții inegalabile a unui artist extraordinar.
A cumparaWall Through Walls urmărește viața Marina, încă din copilăria sa sub regimul lui Tito din Iugoslavia post-al doilea război, până la colaborarea cu casa de modă Givenchy pentru spectacolul său din 2015, la New York, orașul pe care acum îl numește acasă. Născut în 1946, Abramović a început ca pictor la Academia de Arte Plastice din Belgrad, dar a avut un interes mai profund pentru lucrări mai conceptuale. Marina și-a propus prima reprezentație solo, Come Wash With Me, la Centrul de Tineret din Belgrad în 1969, unde plănuia să instaleze chiuvete de rufe, invitând vizitatorii să-și scoată hainele, astfel încât să le poată spăla, usca și călca. Centrul a respins ideea, dar a păstrat-o - incursiunea sa oficială în arta performantă, o serie de instalații audio la începutul anilor '70.
În timp ce cartea acoperă aspecte care au fost bine călcate, Abramović oferă câteva anecdote privilegiate pe care cititorii ar trebui să le placă să le găsească (spoiler: controlul urinării este o problemă atunci când Abramović planifică piese). Cele mai puternice momente ale memoriei vin când Abramvoic împărtășește cele mai intime detalii despre durerile de inimă romantice pe care le-a îndurat. Marina nu trage lovituri despre bărbații pe care îi iubește, iar artista se simte mai prezentă ca niciodată.
Salutat ca pionier, Marina este adesea numită bunica artei performante .. „A fost extrem de influentă”, spune Stephan Aquiné curatorul principal al Muzeului și al Grădinii Sculpturilor din Smithsonian. „Una dintre cele mai mari influențe ale sale este că a dezvăluit cum timpul transformă gesturile simple în evenimente profund semnificative și agitate.” Este un lucru să faci o anumită acțiune timp de câteva minute, explică el. Dar când Marina susține sau repetă o activitate pentru o perioadă lungă de timp, rezistența ei schimbă relația dintre artist și privitor în ceva mai visceral și mai intens.
Totuși, este un mediu care se poate simți teatral și afectat, în special pentru cei care deja sunt sceptici cu privire la arta contemporană. În interiorul lumii artei, criticul Jerry Saltz a numit piesele lui Abramović „linia masochistică”. Ocazional, Marina însăși a estompat linia dintre opera sa și alte afișări dramatice de rezistență. În documentarul din 2012, The Artist is Present, galeristul ei, Sean Kelly, lansează o idee de performanță comună pe care David Blaine i-a propus-o Marina pentru retrospectiva sa MoMA. Blaine, explică Kelly, este prea pietonală. El traficează de magie - în timp ce ea locuiește în cele mai înalte eșaloane din lumea artei. Dar afirmația lui Abramovic față de Blaine - care este adesea numit artist de anduranță - ridică întrebarea: de ce fațetele de forță ale lui Abramovici obțin imprimarea înaltă a artei? La urma urmei, Blaine se supune unei dresuri mentale și fizice extreme, atunci când spunem, este „îngropat în viață” într-un sicriu din plexiglas timp de o săptămână sau închis într-un bloc de gheață timp de 63 de ore. Marina s-a așezat dezbrăcată pe o cruce, formată din blocuri de gheață, într-una din spectacolele ei.
Cel puțin, arta lui Marina se află undeva, așa cum a spus un scriitor atlantic, „la intersecția teatrului, spiritualității și masochismului.” Câteva exemple din cariera ei prolifică: Abramović a sculptat o stea cu cinci vârfuri în stomac cu o lamă de ras. pentru Thomas Lips . S-a târât în jurul unei podele de galerie cu un mare piton în Trei . S-a așezat dezbrăcată în fața unui public și și-a periat părul până la durere, scoțând aglomerații pentru Art Must Be Beautiful, Artistul trebuie să fie frumos .
Și, bineînțeles, în ceea ce mulți consideră cea mai mare realizare a ei, s-a așezat pe un scaun de lemn timp de 700 de ore, pe parcursul a trei luni, tăcut, privind fix vizitatorii, unul câte unul în The Artist Is Present . Spectacolul a adus peste 750.000 de vizitatori la MoMa și a mutat mulți spectatori literalmente la lacrimi. Există chiar un tumblr, Marina Abramović a făcut să plâng. O neuroștiințifică cognitivă de la Universitatea din New York, Suzanne Dikker, a fost atât de intrigată de fenomen, încât a colaborat cu Abramović la un proiect de cercetare numit „Măsurarea magiei mutării gaze”. Două persoane, purtând căști EEG portabile, se uită reciproc pentru 30 de minute (la fel ca spectacolul), astfel încât Dikker poate măsura unde sincronizează undele lor cerebrale.
În ultimul deceniu sau ceva mai mult, Abramović a evoluat mai mult în mainstream, văzută de criticii săi ca fiind o vânzare pentru că a încercat să-i încaseze notorietatea. Este oarecum un Catch-22. Lucrările sale recente îi lipsesc sângele și nuditatea care au ajutat-o să devină mai tânără, dar Abramović „brandul” este cu siguranță mai omniprezent în cultura populară. Spectacolul ei din 2002, The House with the Ocean View (favoritul meu personal al operei sale), a fost parodiat minuțios, zece luni mai târziu, pe „Sex and the City”. Carrie Bradshaw vizitează o galerie în care un artist trăiește pe o platformă ridicată; singura ieșire este un set de scări cu cuțite. La fel ca Marina, artista nu vorbește și nu mănâncă timp de 16 zile, în încercarea de a-și schimba propriul „câmp energetic”, al camerei și, eventual, chiar al lumii (performanța Marina a durat 12 ani și memoria ei nu menționează niciodată The Casa cu vedere la ocean este despre „lume”).
Solidificându-și statutul omniprezent, în 2013, Jay Z și-a adaptat The Artist Is Present pentru videoclipul său, „Picasso Baby”. Filmat într-o galerie tipică de cutii albe din Chelsea, artistul și dansul rapper, care se uită atent unul la celălalt. În schimbul materialului său, Jay Z a părut de acord să facă o donație institutului ei din Hudson, New York, unde intenționează să învețe „metoda Abramović”. Ea descrie metoda din Ted Talk ca fiind creșterea conștiinței și capacitatea oamenilor de a trăiește în clipa - ceea ce toți ceilalți numesc mindfulness .
Branislav Jakovljevic, profesor de teorie a performanței la departamentul de teatru și studii de performanță din Stanford, vede o diferență marcantă între teatru și artă, cum este Marina. El explică că teatrul este reprezentativ, dar Abramović este profund prezentativ. „Ceea ce vedeți se întâmplă de fapt”, spune el. „Nu există iluzii sau întrebări despre cum face ea ceva.” De asemenea, publicul lui Abramović participă prin a se supune la orice s-ar putea întâmpla, spune el, mult în felul în care face ea. O ilustrare intensă, chiar și pentru Marina: în Ritmul 5, artista s-a așezat în interiorul unei stele de lemn în flăcări și și-a pierdut cunoștința în timp ce focul consumă oxigenul din jurul capului. A fost un spectator care a tras-o la siguranță.
„Masochismul implică durere și suferință motivate inconștient”, explică dr. Robert Glick, profesor de psihiatrie clinică la Columbia College of Physicians and Surgeons și fost director al Centrului pentru formare și cercetare psihanalitică a universității. „Prin urmare, ” spune el, „nu tot ceea ce implică suferință este masochism.” Da, Marina Abramović își produce durere însăși - ci ca o formă de comunicare deliberată și impact asupra publicului său. Glick leagă activitățile Marina Abramović persoanelor care participă la greve de foame ca formă de protest. Marina petrece luni sau ani planificându-și spectacolele și el subliniază, asta vorbește mai degrabă despre o formă de ambiție creativă decât de un impuls masochist.
De fapt, există o scenă plină de înverșunare în memoria ei, în care relația ei cu Ulay („zeul tată al artei performante”, partenerul profesional și de viață al lui Marina de 12 ani) se deteriorează îngrozitor. În timpul unei lupte, Ulay își lovește fața pentru prima dată - în „viața reală” - spre deosebire de în timpul unei piese de performanță, cum ar fi Light / Dark, unde cele două tranzacții violente au lovit 20 de minute. Și pentru Marina, limita de viață / artă fusese încălcată irevocabil.
Autobiografia ei probabil nu va schimba mintea nimănui cu privire la puterea artei performanței. Oamenii care își găsesc eforturile sau întregul gen înstrăinător și contrazis vor simți probabil același lucru după Walk Through Walls . Dar pentru cei care cred că abordarea ei înfiorătoare o face vizionară, memoria dezvăluie o femeie sensibilă, statornică - uneori, surprinzător de banală -, care poate să-și împingă corpul și mintea peste toate nivelurile noastre de frică și epuizare în numele artei.
Jacoba Urist este un scriitor de artă și cultură din New York.
