Nicholas Bell, curator responsabil la Galeria Renwick a Smithsonian American Art Museum, se află la muzeu din 2009. El a prezentat expoziții la coșuri și pe lemn - meșteșuguri așa cum este conceput în mod tradițional - precum și pe ambarcațiunile contemporane (expoziția muzeului din 2012, „40 sub 40: Craft Futures”). El subliniază importanța materialelor și a ideii de „fabricare”. Pasiunea sa pentru muzeu, renovarea și redeschiderea sa pe 13 noiembrie și expoziția inaugurală „Minunea” au fost evidente atunci când am vorbit cu el .
Din această poveste
Mirare
A cumparaÎn primul rând, ne puteți spune de ce alegeți cuvântul evocator „minune” ca titlu al expoziției inaugurale a Galeriei Renwick? În catalog, vorbești despre cum ideea de minune este „ acum atât de repede urmată de cunoaștere”.
Mulți dintre noi ne gândim la „minune” ca niște copii. Ceea ce este o rușine. Este foarte important să intrați în contact cu lucruri pe care nu le înțelegeți - lucruri extraordinare, care sunt dincolo de viața noastră de zi cu zi.
În New York Times, criticul de artă Holland Cotter a scris despre muzee ca „mașini puternice de editare a istoriei”? Se aplică asta pentru Renwick?
Deschidem această clădire ca muzeu de artă pentru a treia oară în trei secole diferite. În calitate de cultură și ca societate, alegem - este posibil să primăm alte priorități. Deși clădirea a fost comandată ca muzeu de artă, ea a fost pusă în funcțiune ca centru de aprovizionare militară înainte de a fi folosită vreodată ca muzeu. Aceasta servește pentru a ne aminti că facem alegeri ca popor. Uneori alegem împotriva artelor, iar alteori alegem pentru ei. Cuvintele de deasupra ușii lui Renwick, decupate în piatră, sunt „dedicate artei”.
Într-un anumit sens, spectacolul „Minunea” este despre clădire ca un spațiu important pentru a veni și a experimenta ceva. Ceea ce pare cel mai important de experimentat este minunea. Avem nevoie de locuri publice în care să ne deschidem să ne mirăm.
Scrieți că obiectivul dvs. a fost să creați o „sală de minuni imersivă”. „Immersive” este un termen cheie chiar acum - în filme, 3D-ul crește în popularitate, iar în teatru, nu este suficient pentru un public să stea și să observe pur și simplu. acțiune pe o scenă. Iar „sala minunilor” vorbește despre sidehow sau carnaval, locuri care fac o ofertă clară pentru atenția noastră.
Este ironic - o mare parte din atenția noastră este concentrată pe un spațiu atât de mic din viața noastră. Suntem o cultură legată de ecran. Am trei copii sub cinci ani. M-au făcut să fiu extrem de conștient de cât de important este să acorde atenție mediului tău imediat. Copiii mici au ochii larg deschiși. Fără filtre. Vor să știe despre toate. M-au învățat din nou cum să fiu atent. Muzeul poate face asta pentru noi, așa cum poate un copil.
Unul dintre motivele pentru care am precizat cele nouă artiști din această expoziție este faptul că acestea fac lucruri foarte mari. Munca lor te face intens conștient de sine. Dacă mergem la un muzeu și vedem lucruri mici, pe piedestale - lut și sticlă, o mulțime de vase - este totul minunat, dar nu ne face neapărat să conștientizeze împrejurimile. Dar dacă intri într-o galerie și vezi un turn de cărți index care are 13 metri înălțime, așa cum faci cu opera lui Tara Donovan, aproape că te micșorezi în relație. Te gândești destul de visceral la locul în care te afli.
La fel de importante și la fel de critice ca și eforturile precum digitalizarea, nu există doar un substitut real pentru a experimenta lucrările de artă în persoană. Îmi place cu adevărat să vizitez vizitatorii mergând în fiecare galerie succesivă. În mod literal, ei se prăbușesc pe călcâie - ochii se lărgesc, fălcile căzând. Există un element fiziologic pentru a întâlni aceste opere de artă.
Acesta este motivul pentru care trebuie să avem spații publice la care să mergem. Acesta este motivul pentru care această clădire trebuie să fie aici.
Artiștii pe care i-ați ales într-un fel comentează colecția permanentă a lui Renwick?
Ei fac. Nu este neapărat depășit. Unul dintre motivele pentru care am ales aceste nouă specii este că sunt extraordinar de pasionate de realizarea lucrurilor. Ei au un sentiment accentuat de a face lucrurile. Materialul este cu atât mai mare decât tine. Ea se așază peste tine. Aceste lucrări te fac să începi să te gândești la materiale din viața ta și din lumea ta. Aceștia reafirmă semnificația lucrurilor - este important să avem în vedere modul în care obiectele apar în lumea noastră.
Cum ați defini arta contemporană și meseria contemporană? În ce moduri sunt diferite și în ce moduri sunt similare?
Nu interesez prea mult divizia, bănuiesc că mă concentrez asupra diviziei. Întotdeauna mă aplec spre estomparea liniilor, mai degrabă decât să le disting. Ceea ce contează cu adevărat sunt oamenii care realizează lucrurile, care sunt interesați să se exprime. Nu mă interesează neapărat ceea ce oamenii se numesc. Nu cred că aceste etichete au o valoare foarte mare.
Mișcarea de bricolaj a preluat o mulțime de imaginații în ultima vreme. Pare să existe un nou respect pentru a face lucrurile cu propriile tale două mâini: decaparea, conservarea, fermentarea. Și în afara bucătăriei, în lumea tehnologică, „mișcarea producătorului” și „spațiile producătorilor” sunt foarte au courant în acest moment. Catalogul „Minune” discută importanța materialelor în meșteșug. Ați putea vorbi un pic despre asta?
Interesul pentru abilitate, proces și forță de muncă va continua în viitorul nostru ca muzeu. Există multă valoare în privirea lumii întregi prin obiectivul ambarcațiunilor. Toți artiștii din expoziția de vernisaj sunt în esență artiști contemporani care sunt foarte pasionați de confecționare și materiale. Ceea ce le leagă de istoria meșteșugurilor.
Există interese speciale în mediul înconjurător și în lumea naturală printre artiștii din acest spectacol?
Da! Cum a apărut această expoziție a fost: i-am invitat pe toți acești artiști să vină să viziteze clădirea când era goală. Ne mutasem, era uzată, renovarea nu începuse încă. Nu o văzusem niciodată așa și era un adevărat lux să o văd așa. Artiștii au propus ce au vrut să facă. I-am rugat să se uite la arhitectură și să se gândească la tema minunii. Nu le-am dat niciun alt criteriu. Am selectat acești artiști pentru că toți sunt sensibili la spațiu, munca lor te face conștient de propria ta prezență.
Ceea ce este fascinant pentru mine este că destul de mulți dintre ei au mers la natură ca un punct de plecare, complet fără nicio presiune din partea mea: Maya Lin, care lucrează cu ideea de Chesapeake. John Grade, copaci. Patrick Daugherty, bețișoare. Jennifer Angus, bug-uri. Există foarte mult sensibilitatea lumii exterioare când te plimbi prin aceste galerii. Întărește ideea că muzeele sunt un loc care te poate ajuta să te gândești la lumea exterioară. Când oamenii vin la muzeu și la acest spectacol, sunt încurajați și uimiți. Ceea ce face asta este să te ajute să vezi cu ochi proaspeți și să te gândești la lumea din jurul tău într-un mod diferit.
Am observat că unul dintre evenimentele care marchează redeschiderea muzeului este reprezentat de bere artizanală! Este doar o joacă pe cuvinte - bere artizanală într-un muzeu dedicat meșteșugurilor?
Întregul fenomen de fabricare a ambarcațiunilor este de fapt unul dintre cele mai vizibile exemple de confecționare calificată. De fiecare dată când cumpărați un pachet de șase bere de la o bere mică, susțineți oameni pasionați de a face lucrurile.
Galeria Renwick, care găzduiește colecțiile de artă și artă decorativă ale Smithsonian American Museum Museum, se redeschide vineri, 13 noiembrie, după o renovare de 2 ani, de 30 de milioane de dolari. Expoziția inaugurală „Minunea” conține instalații în galerie de la nouă artiști contemporani.
